L'objectif de cet article est de nous reconduire au projet des fondateurs de l'esthétique, – Alexander Baumgarten (1714-1762) et Kant, – c'est-à-dire à la considération du sentir sous toutes ses formes comme objet de réflexion privilégié de l'esthétique, qui n'est pas la science de la beauté, mais l'ontologie du sentir, c'est-à-dire le savoir de ce qu'est sentir. Comment un tel savoir est-il accessible? Par l'expérience esthétique, entendue comme l'unité d'une attitude (sentir) et d'une affection (plaisir). S'appuyant (...) sur les analyses d'Erwin Straus dans Du sens des sens (1935), l'auteur montre que le sentir n'est pas réductible à un mode du connaître, car sa dimension affective nous est cachée par les nécessités de l'action, qui ordonnent « le sentir au connaître, et le connaître à l'agir » et nous conduisent illusoirement « à voir dans le sentir un connaître et non un ressentir ». On comprend dès lors que le plaisir esthétique, – c'est-à-dire les plaisirs simultanés du sentir comme état, de la présence du sensible et de la conscience de se sentir sentant, – doit être cherché dans l'immanence du sentir. (shrink)

The studies in this book set out to examine the labile resonances of phenomenology and art in Michel Henry, by examining the different figures of movement given to the concept of the aesthetic by the philosopher. They are preceded by one of Michel Henry’s own texts. Les études qui composent ce livre proposent d’interroger les résonances labiles de la phénoménologie et de l’art chez Michel Henry, en examinant les différentes figures du déplacement imprimé par le philosophe au concept d’esthétique. (...) Le tout est précédé d’un texte de Michel Henry. (shrink)

Un des problèmes centraux des discussions sur la relation entre éthique et esthétique tourne autour de la question de la violence. Celle-ci emprunte deux avenues dans le texte. La première traite d'aspects déterminés de la peinture de Francis Bacon, comme la façon dont l'art représente la violence. À ce propos, on formule la thèse que la provocation éthique de cette peinture ne repose pas tant sur le fait qu'elle représente la violence, mais qu'elle engendre en sa présence un détachement (...) esthétique, et même, un plaisir à l'occasion de cette présentation. La deuxième avenue proposée interroge l'effet éthique du plaisir esthétique en face de la violence. La théorie aristotélicienne de la catharsis est alors amenée comme modèle d'une « économie de la différence » qui permet d'élucider la relation entre plaisir esthétique et jugement éthique.A central problem in the discussion about the relation between Ethic and Aesthetic is the question of violence. This question follows two paths in the text. The first one debates the determinated aspects in Francis Bacon painting, the way art represents violence. On that matter, we draw up the thesis that the ethical provocation in his painting don't stand upon the representation of violence but also his tryptic creates an aesthetical indifference and even a pleasure. The second part questions the ethical effects of the aesthetical pleasure in front of violence. The aristotelien catharsis theory is therefore proposed as a model of an "economy of the difference" that allows the elucidation of the relation between aesthetical pleasure and ethical judgment. (shrink)

L'objet de cet article est de mettre au jour l'évolution historique et la logique ayant présidé au nihilisme affectant l'art contemporain. Comment la valeur marchande des oeuvres d'art a-t-elle été conduite à supplanter leur valeur esthétique ? En grande partie à cause de la disparition de toute forme de critique artistique fondée sur des normes académiques idéales à partir desquelles il est possible de juger de l'excellence d'une oeuvre comme objet esthétique : « au plaisir de l'aisthésis a (...) succédé le plaisir tout intellectuel de la reconnaissance et de l'identification ». En proposant un rapide historique de l'évolution des systèmes d'organisation de la vie artistique du Moyen-âge à l'avènement du marché de l'art à la fin du XIXe siècle, l'auteur met au jour la logique et les mécanismes ayant conduit à une radicalisation de l'hétérogénéité de la valeur artistique et de la valeur marchande des oeuvres d'art dans l'art contemporain. (shrink)

Cette étude est née de la remarque troublante d’un roman dans lequel un personnage relit Anna Karénine et se rend compte qu’il a tout oublié de sa première lecture : l’histoire, les émotions vécues alors, tout cela paraît n’avoir pas laissé de traces. Je me suis donc interrogée sur la nature de l’expérience esthétique et le type de souvenir qu’elle engendre. Une expé­rience peut-elle ne pas laisser de traces ? mais alors est-elle encore une expérience ? ou bien peut-on (...) envisager des traces qui ne soient pas des souvenirs disponibles, mobilisables à volonté ? et comment alors les conce­voir ? Il s’agissait donc de cerner à la fois le type d’expérience que forme l’expérience esthétique et le type de souvenirs qui s’y constituent. Partant de Husserl, l’analyse a permis de définir l’expérience esthétique comme expé­rience menée dans la neutralité, sur le mode du quasi ; ce faisant cela paraît accréditer la possibilité qu’il n’y ait pas de réels souvenirs mais seulement des quasi-souvenirs. Néanmoins parce que cette thèse reste paradoxale, j’ai cherché le moyen de concilier à la fois la neutralité existentielle de cette expérience dans l’appréhension de l’objet esthétique et la possibilité d’une affection réelle voire d’une transformation en profondeur du sujet. J’ai alors poursuivi l’examen en m’appuyant sur un texte de Roman Ingarden ( Vom Erkennen des literarischen Kunstwerks , § 24) et sur les leçons des synthèses passives de Husserl. L’enjeu de cette recherche engage donc la place et le rôle de l’expérience esthétique dans la constitution de la personnalité. (shrink)

L’article tente de montrer l’influence du contact direct et vivant avec les œuvres d’art sur l’élaboration de la pensée esthétique diderotienne. Alors que dans l’article « Beau » de l’Encyclopédie, l’auteur reprend des concepts et des hypothèses élaborés par d’autres, l’ouvrage des Salons donne lieu à la véritable esthétique de Diderot. L’écriture des Salons transcrit ainsi le processus d’une impression sensible devenu affect esthétique et jugement critique. On trouve ainsi, dans les Salons, les germes d’une esthétique (...) à la française, dont les successeurs sont le Baudelaire des Salons et le Merleau-Ponty du « Doute de Cézanne » et de L’Œil et l’Esprit. Les Essais sur la peinture marquent cependant, dans la réflexion diderotienne, une césure : il ne s’agit plus de s’interroger séparément sur le dessin d’une part, et la composition d’autre part. Le philosophe doit montrer au peintre le lien qui unifie toute chose et la nature entière. La ligne s’avère ainsi, en deçà du dessin académique, ce qui unifie l’objet et la nature même. Mais comment comprendre l’articulation de la pluralité des ouvrages de la nature, thématisée dans les Essais sur la peinture, et l’unité de la « ligne vraie » recherchée dans le Salon de 1767? Le peintre doit-il rechercher la pluralité des lignes ou l’unité d’une ligne vraie et idéale? Selon Anne Elisabeth Sejten, il faut concevoir la pluralité des lignes de la nature comme vibrant autour de la ligne idéale – et ce faisant la désignant. Telle serait la leçon des Grecs selon Diderot. Le philosophe du XVIIIe siècle s’avère ainsi être le précurseur de l’esthétique de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, telle qu’elle fut développée par Valéry à propos de Degas, ou Lyotard à propos d’Adami. (shrink)

À rebours de la thèse sur la modernité comme une époque où la rationalisation aurait pris le dessus sur la dimension esthétique et affective, Reckwitz repère les différentes étapes de la construction d’un capitalisme esthétique, où l’inventivité revêt désormais un rôle crucial. Tandis que la créativité était brandie par les avant-gardes artistiques du xix e et du xx e siècle comme un idéal permettant de subvertir les normes sociales, la créativité représente aujourd’hui elle-même une norme incontournable. « Soyez (...) créatifs » : cette injonction paradoxale s’applique désormais à tous les sujets du capitalisme tardif. Extrait de sa grande étude sur L’Invention de la créativité, ce chapitre replace l’enjeu de l’esthétisation au cœur de ce que Reckwitz nomme le « dispositif de la créativité ». (shrink)

Résumé Chez Samuel Beckett, François Morellet et KP Brehmer, l’art de la contrainte impose une trame formelle et logique pour mieux la trahir – l’altérer, la révéler –, renouvelant au passage l’économie de l’œuvre et son statut. Dans une double tradition littéraire et plastique, la mise au dehors du geste créateur et l’apparente désaffection des systèmes choisis produisent autant d’interférences symptomatiques dans l’œuvre et dans son contexte. Cet abandon agit comme le moyen paradoxal d’impliquer l’affect et d’ouvrir l’œuvre à des (...) résonances nouvelles. (shrink)

Il s’agit de revenir maintenant sur la portée historico-politique de l’Analytique du sentiment esthétique sublime. L’enjeu n’est pas exclusivement exégétique, mais vise notamment à évaluer ce qu’il en est du « progrès vers le mieux » dans le temps présent. L’essence de l’affect esthétique sublime réside dans un retournement : la défaillance des formes sensibles de présentation, par leur défaut même, présente, négativement, une Idée de la raison (l’infini, la liberté), dont le sentiment est universellement partageable en principe. (...) S’y révèle ainsi « notre destination supra-sensible » : témoigner de l’inconditionné, cultiver la « susceptibilité » aux Idées. Et cela à l’occasion des séquences historico-politiques tout aussi bien, y compris les conjonctures les plus « désolantes ». La désolation elle-même, si elle relève de cette esthétique de la présentation négative de l’Idée, peut faire « signe d’histoire », c’est-à-dire : être un indice probant que les humains dans leur histoire progressent dans la capacité au mieux. Tel fut le cas de l’affect d’ enthousiasme qui gagna les peuples européens lors de la Révolution en 1789. Mais il peut en aller de même pour le chagrin, voire pour le désespoir (en tout cas le « désespoir révolté », die entrüstete Verzweiflung ). 2. Il reste que le retournement de la défaillance des formes en sentiment sublime ne va pas sans quelques difficultés intrinsèques, liées à sa différence d’avec le beau : cette défaillance annonce un certain retrait de l’Idée de sens communis (gage, pourtant, de l’universalité sans concept à laquelle prétend le sentiment esthétique) ; et sa conversion en affection sublime exige la médiation d’une culture rendant les esprits plus sensibles aux Idées. Ne faut-il pas en conclure que, avec ce retrait du sens communautaire et le déclin de la culture (à l’ère de l’industrie culturelle multi-médiatique), il ne peut pas y avoir d’affection sublime, partageable publiquement et faisant « signe d’histoire », attestant qu’il y a progrès? 3. Ce manque de signe esthétique, affectif, éclairerait comment une crise de l’histoire et du politique est-elle possible. Cette crise, n’est-elle pas ce qui s’installe désormais comme le trait constitutif fondamental de notre sort à présent? En proie aux menaces de catastrophe globale qui pèsent aujourd’hui sur la planète et sur l’humanité, ce qui nous reste encore de « résistance » n’est-il pas dû davantage à l’angoisse de la survie, plutôt que tiré par le sens d’une Idée incommensurable qui, témoignant de notre destination supra-sensible, attesterait toujours que nous sommes en progrès vers le mieux? (shrink)

La véritable esthétique de la Mort n'est pas d'en répartir le domaine en catégories, mais d'examiner le fait de l'Art tut entier sous l'hypothèse de sa présence prépondérante au sein même des démarches créatrices (...). Une esthétique de la Mort. Dans une nouvelle dialectique, Mort ne recouvre pas une idée vague, mais si le mot Vie me sollicite à la reconnaissance de tous les éléments fondamentaux d'une présence intérieure à moi-même, devenant Moi par la pensée que je lui (...) accorde, Mort implique une prise de conscience analogue et antagoniste (...). L'art dit s'examiner préférentiellement dans ses liens avec la Mort, et non dans l'arbitraire liaison avec la vie, dont toute prépondérance dans l'œuvre est la véritable perturbation affectant les rapports pré-établis, valorisants, de l'œuvre et de la Mort. Michel Guiomar. (shrink)

La véritable esthétique de la Mort n'est pas d'en répartir le domaine en catégories, mais d'examiner le fait de l'Art tut entier sous l'hypothèse de sa présence prépondérante au sein même des démarches créatrices (...). Une esthétique de la Mort. Dans une nouvelle dialectique, Mort ne recouvre pas une idée vague, mais si le mot Vie me sollicite à la reconnaissance de tous les éléments fondamentaux d'une présence intérieure à moi-même, devenant Moi par la pensée que je lui (...) accorde, Mort implique une prise de conscience analogue et antagoniste (...). L'art dit s'examiner préférentiellement dans ses liens avec la Mort, et non dans l'arbitraire liaison avec la vie, dont toute prépondérance dans l'œuvre est la véritable perturbation affectant les rapports pré-établis, valorisants, de l'œuvre et de la Mort. Michel Guiomar. (shrink)

La philosophie n'est ni contemplation, ni réflexion, ni communication. Elle est l'activité qui crée les concepts. Comment se distingue-t-elle de ses rivales, qui prétendent nous fournir en concepts? La philosophie doit nous dire quelle est la nature créative du concept, et quels en sont les concomitants : la pure immanence, le plan d'immanence, et les personnages conceptuels. Par là, la philosophie se distingue de la science et de la logique. Celles-ci n'opèrent pas par concepts, mais par fonctions, sur un plan (...) de référence et avec des observateurs partiels. L'art opère par percepts et affects, sur un plan de composition avec des figures esthétiques. La philosophie n'est pas interdisciplinaire, elle est elle-même une discipline entière qui entre en résonance avec la science et avec l'art, comme ceux-ci avec elle : trouver le concept d'une fonction, etc. C'est que les trois plans sont les trois manières dont le cerveau recoupe le chaos, et l'affronte. Ce sont les Chaoïdes. La pensée ne se constitue que dans ce rapport où elle risque toujours de sombrer. (shrink)

L’atmosphère« Atmosphère » est un terme employé communément par des auteurs dans le domaine de l’esthétique que dans celui de la météorologie. Ils le comprennent pourtant de manière assez différente, chacun prétendant que leur emploi est la plus fondamentale et que l’autre est seulement métaphorique. Pour les esthéticiens, l’atmosphère réelle est une aura qui émane des choses et qui affecte nos humeurs et nos motivations; pour les météorologistes, il s’agit de l’enveloppe gazeuse qui entoure la planète. Je montre que (...) les deux sens excluent l’air ou le réduisent à un éther immatériel. D’une part, pour la science météorologique, tout se passe comme l’air était enfermé à l’intérieur et considéré comme un ensemble d’effets mesurables et calculables. D’autre part,l’esthétique de l’affect a relié l’atmosphère aux formes solides des artéfacts et des paysages. En ramenant le medium aérien, je cherche une signification de l’atmosphère qui transcende l’opposition entre l’affectif et le météorologique. Je le fais en suivant Merleau-Ponty, qui traite l’atmosphère comme un espace d’inspiration et d’expiration. En tant que tel, il correspond étroitement à ce que Merleau-Ponty lui-même appelle la « chair ». Ce concept pourrait aussi être traduit par « meshwork » (réseau/filet/grillage), référant à ces faisceaux de lignes et de chemins par lesquels chaque être humain est cousu à la fabrique du monde. Pour Merleau-Ponty, la portée de la notion de chair réside dans l’affirmation que la perception est fondamentalement réversible. On ne peut être sentant que dans un monde sentant; c’est pourquoi, comme il le soutient, notre perception des choses dans l’environnement répond à la perception par l’environnementde notre soi. Cependant, je soutiens au contraire que ces deux mouvements d’inspiration et d’expiration ne sont pas le contraire exact l’un de l’autre. Comme le mouvement de la brasse en nataion, le premier est un mouvement de rassemblement et le second de propulsion. Nous inhalons l’atmosphère, mais nous exhalons selon les lignes du réseau. Bref, réseau et atmosphère sont deux côtés de la chair, et c’est dans leur alternance rythmique que nous trouvons la relation entre les lignes et le temps météorologique, qui est, comme je le soutiens, fondamental à la vie.L’atmosfera‘Atmosfera’ è una parola usata comunemente tanto da chi scrive di estetica come dai metereologi. Ciononostante, essi intendono con ciò delle cose piuttosto differenti, ognuno ritenendo che il proprio e il senso più fondamentale mentre l’altrui è meramente metaforico. Per chi si occupa di estetica, l’atmosfera reale è un’aura che emana dalle cose e affetta il nostro umore e le nostre motivazioni; per i metereologi è l’involucro gassoso che circonda il pianeta. Mostro come entrambi i sensi trascurano l’aria, o la riducono a un etere immateriale. Da una parte, per la scienza metereologica, è come se l’aria fosse stata portata al chiuso e presentata come una serie di effetti misurabili e calcolati. Dall’altra, l’estetica dell’affetto ha legato l’atmosfera alle forme solide degli artefatti e dei paesaggi.Nel reintrodurre l’ambiente aereo, intendo trovare un significato di atmosfera che trascenda l’opposizione tra i sensi affettivo e meteorologico. Faccio questo, seguendo Merleau-Ponty, trattando l’atmosfera come uno spazio di inalazione e esalazione. Come tale, corrisponde da vicino a ciò che Merleau-Ponty stesso chiama “la carne”. Ma questo concetto potrebbe anche essere tradotto come ‘reticolo’ (meshwork), riferendosi a quei grovigli di linee e percorsi lungo i quali ogni essere vivente è cucito al tessuto del mondo. Per Merleau-Ponty, il significato della carne risiede nella sua affermazione secondo la quale la percezione è fondamentalmente reversibile. Si può essere senzienti soltanto in un mondo senziente; quindi, ritiene il filosofo, la nostra percezione delle cose nell’ambienteè ricambiata dalla percezione che quest’ultimo ha di noi. Io mostro, al contrario, che questi due movimenti, corrispondenti all’inalazione e all’esalazione, non sono l’esatto rovescio l’uno dell’altro. Come nella bracciata a stile libero nel nuoto, il primo è un movimento di raccolta, il secondo un movimento di propulsione. Ovverossia, inaliamo l’atmosfera, ma esaliamo secondo le linee del reticolo. In breve, il reticolo e l’atmosfera sono due facce della carne, e troviamo nella loro alternanza ritmica la relazione tra le linee e il tempo che, come sostengo, è fondamentale alla vita. (shrink)

Résumé La critique éthique considère que la valeur éthique d’une œuvre d’art affecte sa valeur artistique. Elle s’intéresse ordinairement à la valeur éthique du point de vue que l’œuvre adopte, ou à celui des effets qu’elles produisent, mais ne considère guère celle du processus de production de l’œuvre. Or celui-ci peut intéresser l’éthique comme lorsqu’une toile est réalisée en laissant des poissons rouges enduits de peinture agoniser et s’agiter sur une toile. C’est précisément de la valeur éthique des procédés utilisés (...) dont il est ici question. L’auteur défend un moralisme des moyens, selon lequel le jugement éthique des procédés a une place légitime dans l’évaluation artistique, et formule deux versions compatibles de cette position : la thèse esthétique et la thèse artistique. (shrink)

Résumé La critique éthique considère que la valeur éthique d’une œuvre d’art affecte sa valeur artistique. Elle s’intéresse ordinairement à la valeur éthique du point de vue que l’œuvre adopte, ou à celui des effets qu’elles produisent, mais ne considère guère celle du processus de production de l’œuvre. Or celui-ci peut intéresser l’éthique comme lorsqu’une toile est réalisée en laissant des poissons rouges enduits de peinture agoniser et s’agiter sur une toile. C’est précisément de la valeur éthique des procédés utilisés (...) dont il est ici question. L’auteur défend un moralisme des moyens, selon lequel le jugement éthique des procédés a une place légitime dans l’évaluation artistique, et formule deux versions compatibles de cette position : la thèse esthétique et la thèse artistique. (shrink)

Wittgenstein suggérait que les raisons en éthique sont comme les raisons en philosophie ou en esthétique. Elles « attirent votre attention sur une chose » ; « elles juxtaposent les choses » ; parfois, elles les dissocient. De telles raisons peuvent changer l’Anschauungsweise de quelqu’un, sa façon de voir les choses. Cet essai a pour objet la façon dont le concept d’injustice affecte le traitement que nous réservons aux animaux. Il a pour objet une manière de dissocier les choses (...) et une manière de les juxtaposer : la dissociation de la justice et des droits, et la juxtaposition de nous-mêmes et des animaux en tant qu’êtres envers lesquels on peut se conduire de façon juste ou injuste. (shrink)

L’atmosphère« Atmosphère » est un terme employé communément par des auteurs dans le domaine de l’esthétique que dans celui de la météorologie. Ils le comprennent pourtant de manière assez différente, chacun prétendant que leur emploi est la plus fondamentale et que l’autre est seulement métaphorique. Pour les esthéticiens, l’atmosphère réelle est une aura qui émane des choses et qui affecte nos humeurs et nos motivations; pour les météorologistes, il s’agit de l’enveloppe gazeuse qui entoure la planète. Je montre que (...) les deux sens excluent l’air ou le réduisent à un éther immatériel. D’une part, pour la science météorologique, tout se passe comme l’air était enfermé à l’intérieur et considéré comme un ensemble d’effets mesurables et calculables. D’autre part,l’esthétique de l’affect a relié l’atmosphère aux formes solides des artéfacts et des paysages. En ramenant le medium aérien, je cherche une signification de l’atmosphère qui transcende l’opposition entre l’affectif et le météorologique. Je le fais en suivant Merleau-Ponty, qui traite l’atmosphère comme un espace d’inspiration et d’expiration. En tant que tel, il correspond étroitement à ce que Merleau-Ponty lui-même appelle la « chair ». Ce concept pourrait aussi être traduit par « meshwork » (réseau/filet/grillage), référant à ces faisceaux de lignes et de chemins par lesquels chaque être humain est cousu à la fabrique du monde. Pour Merleau-Ponty, la portée de la notion de chair réside dans l’affirmation que la perception est fondamentalement réversible. On ne peut être sentant que dans un monde sentant; c’est pourquoi, comme il le soutient, notre perception des choses dans l’environnement répond à la perception par l’environnementde notre soi. Cependant, je soutiens au contraire que ces deux mouvements d’inspiration et d’expiration ne sont pas le contraire exact l’un de l’autre. Comme le mouvement de la brasse en nataion, le premier est un mouvement de rassemblement et le second de propulsion. Nous inhalons l’atmosphère, mais nous exhalons selon les lignes du réseau. Bref, réseau et atmosphère sont deux côtés de la chair, et c’est dans leur alternance rythmique que nous trouvons la relation entre les lignes et le temps météorologique, qui est, comme je le soutiens, fondamental à la vie.L’atmosfera‘Atmosfera’ è una parola usata comunemente tanto da chi scrive di estetica come dai metereologi. Ciononostante, essi intendono con ciò delle cose piuttosto differenti, ognuno ritenendo che il proprio e il senso più fondamentale mentre l’altrui è meramente metaforico. Per chi si occupa di estetica, l’atmosfera reale è un’aura che emana dalle cose e affetta il nostro umore e le nostre motivazioni; per i metereologi è l’involucro gassoso che circonda il pianeta. Mostro come entrambi i sensi trascurano l’aria, o la riducono a un etere immateriale. Da una parte, per la scienza metereologica, è come se l’aria fosse stata portata al chiuso e presentata come una serie di effetti misurabili e calcolati. Dall’altra, l’estetica dell’affetto ha legato l’atmosfera alle forme solide degli artefatti e dei paesaggi.Nel reintrodurre l’ambiente aereo, intendo trovare un significato di atmosfera che trascenda l’opposizione tra i sensi affettivo e meteorologico. Faccio questo, seguendo Merleau-Ponty, trattando l’atmosfera come uno spazio di inalazione e esalazione. Come tale, corrisponde da vicino a ciò che Merleau-Ponty stesso chiama “la carne”. Ma questo concetto potrebbe anche essere tradotto come ‘reticolo’ (meshwork), riferendosi a quei grovigli di linee e percorsi lungo i quali ogni essere vivente è cucito al tessuto del mondo. Per Merleau-Ponty, il significato della carne risiede nella sua affermazione secondo la quale la percezione è fondamentalmente reversibile. Si può essere senzienti soltanto in un mondo senziente; quindi, ritiene il filosofo, la nostra percezione delle cose nell’ambienteè ricambiata dalla percezione che quest’ultimo ha di noi. Io mostro, al contrario, che questi due movimenti, corrispondenti all’inalazione e all’esalazione, non sono l’esatto rovescio l’uno dell’altro. Come nella bracciata a stile libero nel nuoto, il primo è un movimento di raccolta, il secondo un movimento di propulsione. Ovverossia, inaliamo l’atmosfera, ma esaliamo secondo le linee del reticolo. In breve, il reticolo e l’atmosfera sono due facce della carne, e troviamo nella loro alternanza ritmica la relazione tra le linee e il tempo che, come sostengo, è fondamentale alla vita. (shrink)

L’ironie est une valeur esthétique, et donc affective, chez Stendhal. Les phénomènes affectifs varient en nature et en intensité. L’ironie implique une gamme complexe d’aspects et de degrés : elle peut être satirique, comique, tragique, nihiliste, paradoxale, etc. Stendhal s’éloigne à la fois de la satire tragique de Chateaubriand et de l’ironie romantique nihiliste. Il pratique, certes, la satire sociale ; le roman doit atteindre l’idéal de l’ opéra-bouffe, où le comique est « un mélange de gaieté et de (...) tendresse ». L’ironie cache enfin la pudeur de l’écrivain qui masque ainsi sa tendresse et sa sympathie pour les âmes sublimes de ses personnages majeurs. (shrink)

Dans notre article, nous nous proposons d’étudier la désignation de la pensée du commencement-initial par Heidegger comme “le style de I’etre-homme à venir’ dans ses Contributions à la Philosophie (1936-1938). Nous traitons le rapport du “style” à l’historialité de la pensée et en particulier à la tonalité affective fondamentale de la retenue. Par la suite, nous soulevons la question du style dans l’art en retraçant l’origine du “style de la pensée initiale” dans la critique heideggérienne de l’esthétique et de (...) safondation métaphysique. Plutôt que témoigner de l’esthetisation de sa pensée, ce thème met en lumiere son projet de “destruction” de I’esthétique telle qu’elle a lieu dans le premier cours sur Nietzsche. Nous soutenons que l’analyse du grand style nietzschéen tel qu’il a lieu dans ce cours sert de filconducteurpour sa qualification de I’autre commencement de la philosophie de “style de pensée”. Par ailleurs, la réflexion des deux penseurs sur le motif du style témoigne de leur intérêt commun à la catégorie esthétique du sublime. Les Contributions à la Philosophie poursuivent ce motif à ses conséquences ontologiques ultimes.This paper focuses on Heidegger’s designation of inceptive thought (anfängliches Denken) as the “style of the being-human that is to come” in his Contributions to Philosophy (1936-38). Its relation to historicity and the ground attunement of retention (Verhaltenheit) will be discussed. The question of style in art will then be raised by tracing back the “style” of inceptive thinking to Heidegger’s critique of Western aesthetics and its metaphysical foundation. Rather than witnessing the “aesthetisation” of the thought performing the “leap” beyond metaphysics, this motive brings forth his project of “destruction” of aesthetics as it takes place in the first lecture course on Nietzsche. This article claims that the analysis of Nietzsche’s grand style (grosse Stil) in this very course serves as the leading thread in his repeatedallusions to the “other inception” in philosophy in terms of a “style of thought”. Moreover, the reflexion on the style in both thinkers reveals an interest in the aesthetic category of the sublime. Heidegger’s Contributions to Philosophy leads this motive to its ultimate ontological consequences. (shrink)

Dans notre article, nous nous proposons d’étudier la désignation de la pensée du commencement-initial par Heidegger comme “le style de I’etre-homme à venir’ dans ses Contributions à la Philosophie (1936-1938). Nous traitons le rapport du “style” à l’historialité de la pensée et en particulier à la tonalité affective fondamentale de la retenue. Par la suite, nous soulevons la question du style dans l’art en retraçant l’origine du “style de la pensée initiale” dans la critique heideggérienne de l’esthétique et de (...) safondation métaphysique. Plutôt que témoigner de l’esthetisation de sa pensée, ce thème met en lumiere son projet de “destruction” de I’esthétique telle qu’elle a lieu dans le premier cours sur Nietzsche. Nous soutenons que l’analyse du grand style nietzschéen tel qu’il a lieu dans ce cours sert de filconducteurpour sa qualification de I’autre commencement de la philosophie de “style de pensée”. Par ailleurs, la réflexion des deux penseurs sur le motif du style témoigne de leur intérêt commun à la catégorie esthétique du sublime. Les Contributions à la Philosophie poursuivent ce motif à ses conséquences ontologiques ultimes.This paper focuses on Heidegger’s designation of inceptive thought (anfängliches Denken) as the “style of the being-human that is to come” in his Contributions to Philosophy (1936-38). Its relation to historicity and the ground attunement of retention (Verhaltenheit) will be discussed. The question of style in art will then be raised by tracing back the “style” of inceptive thinking to Heidegger’s critique of Western aesthetics and its metaphysical foundation. Rather than witnessing the “aesthetisation” of the thought performing the “leap” beyond metaphysics, this motive brings forth his project of “destruction” of aesthetics as it takes place in the first lecture course on Nietzsche. This article claims that the analysis of Nietzsche’s grand style (grosse Stil) in this very course serves as the leading thread in his repeatedallusions to the “other inception” in philosophy in terms of a “style of thought”. Moreover, the reflexion on the style in both thinkers reveals an interest in the aesthetic category of the sublime. Heidegger’s Contributions to Philosophy leads this motive to its ultimate ontological consequences. (shrink)

La vie et l'art? Quel lien d'authenticité peut-on dresser de l'un à l'autre? Où cesse la représentation et où commence l'incarnation? Quand le vécu prend-il chair? C'est à ces questions que répond le philosophe Patrice Guillamaud dans un traité d'esthétique fondamentale où le cinéma apparaît non pas comme la synthèse des arts, mais l'art en son essence. Ce postulat repose sur un double paradoxe. A la fois affect et relativisation, la vie intérieure est aspiration à l'absolu et renoncement à (...) l'absolu, sortie de soi qui reste paradoxalement en dedans de soi. Ainsi, cette vie, cette extase interne procède par renonciation. Or, l'art qui incarne par excellence la vie renonciatrice, c'est le cinéma. Dans la mesure où il se veut art de l'espace, mais englobé et dynamisé par le temps, le cinéma est la réalité charnelle de cette extase interne, en tant qu'absolu de la renonciation. Passant de Renoir à Dreyer, de Mizoguchi à Godard, Patrice Guillaumaud montre pourquoi et comment se tient là, universelle, la vérité des grandes oeuvres cinématographiques. Une relecture spéculative du VIIe art qui passe également en revue les grandes interrogations métaphysiques. (shrink)

Le monde occidental s'interroge aujourd'hui sur la passion de la mort qui pousse de jeunes terroristes au suicide et au crime. Le présent essai traite d'une autre fascination, non moins troublante : celle qui travaille sourdement les grands textes de notre modernité. Après Alexandre Kojève, l'écriture de Georges Bataille, de Maurice Blanchot, de Jacques Derrida ou de Jacques Lacan, laisse transparaître un lyrisme de la destruction, un engouement pour l'abîme, qu'il faut savoir reconnaître sous la rigueur de la pensée. D'où (...) vient cette esthétique du malheur? Quels enjeux recouvre-t-elle? Au fil d'une minutieuse lecture, l'auteur s'attache à dénuder un complexe de valeurs et d'affects qui remontent aux origines symboliques de notre civilisation. On entrevoit peu à peu que cette revendication de la mort pourrait bien n'être que le signe inversé de la grande protestation humaine, de sa soif d'infini et de son désir d'être. Betty Rojtman, née à Paris, a dirigé le département de littérature française à l'université hébraïque de Jérusalem. Elle situe sa recherche au carrefour de la pensée contemporaine et de l'exégèse juive traditionnelle. Parmi ses publications : Feu noir sur feu blanc. Essai sur l'herméneutique juive (1986); Une grave distraction (préface de Paul Ricoeur, 1991) ; Une rencontre improbable (2002) et Moïse, prophète des nostalgies (2007). (shrink)

Le fameux paradoxe de la fiction (Radford 1975) a suscité maintes interprétations. L’une des distinctions importantes qui affleure bien souvent au sein de cette littérature, pour se voir presque aussitôt négligée, est celle entre les deux questions suivantes : « comment les émotions peuvent-elles être suscitées par des œuvres de fiction ? » et « les émotions suscitées par de telles œuvres peuvent-elles être rationnelles ? » Dans ce qui suit, je me concentrerai exclusivement sur la seconde de ces questions (...) et chercherai à montrer que la plupart de nos réponse affectives à la fiction ne sont pas irrationnelles. Ma discussion se structure de la manière suivante. La première section esquisse la nature du lien entre émotions et valeurs et introduit une conception selon laquelle les émotions sont des attitudes évaluatives. Au cours de la deuxième section, nous nous tournerons vers le problème de la rationalité des émotions pour mettre l’accent sur deux de ses aspects – celui qui regarde le rapport entre une émotion et sa base cognitive, d’un côté, et, de l’autre, celui entre l’émotion elle-même et les jugements et comportements auxquels elle peut donner lieu. La troisième section applique ces considérations à propos de la rationalité affective aux émotions suscitées par la fiction, dont je distingue trois types principaux : les émotions esthétiques, les émotions-blob et les émotions-pour. Une quatrième et dernière section explore quelques conséquences des conclusions auxquelles m’auront amené ce qui précède. (shrink)

Dans les nations industrialisées, les goûts des individus sont désormais employés à doper la consommation. L'industrialisation de la jouissance privilégie le superflu au nécessaire, la sensibilité à la raison, la séduction à la faculté de juger. Pourtant, avec l'exploitation du goût, le capitalisme est loin d'avoir découvert une terre inconnue. A l'âge classique, la noblesse de cour cultivait un style de vie commandé par les loisirs et le goût, tout en faisant du bon goût un critère de distinction et de (...) promotion individuelle. Ces relations de compétition entre courtisans ont-elles été les premières notes en prélude au libéralisme? Si l'improductivité, au sens économique, a pu constituer une valeur fondatrice du goût, comment l'industrie a-t-elle pu transformer le goût en moteur économique de la consommation? Le devenir esthétique du capitalisme repose sur la captation et la conversion de ce qu'il aurait de plus individuel en valeurs mesurables, échangeables et massifiables, susceptibles de coloniser les moindres recoins de l'existence et de al culture. L'ouvrage montre que les enjeux du capitalisme esthétique excèdent le territoire angélique des agréments : les batailles esthétiques sont au cœur d'une guerre économique pour le contrôle des émotions et des affections. (shrink)

La logique rationnelle, omniprésente dans notre vie quotidienne comme dans la recherche scientifique, n’est pas la seule fonction de l’intelligence. Il en est une autre, affective et intuitive, nourrissant toute une gamme de comportements : ceux qui relèvent de l’analogie, de la métaphore et du symbole. L’œuvre d’art, en ses multiples champs, peut en être un lieu d’application des plus significatifs, si le cœur vous en dit... Membre de la Classe des Arts de l’Académie royale de Belgique, Pierre Somville a (...) enseigné l’Esthétique et la Philosophie de l’art à l’Université de Liège de 1987 à 2007. Il est Secrétaire Général de l’Institut Royal d’Histoire de l’art et archéologie de Bruxelles (situé au Parc du Cinquantenaire, MRAH) depuis 2009. Auteur de nombreux ouvrages, dont des études sur Dürer, Memling et le Caravage (Derouaux, Liège). (shrink)

Qui n’a pas éprouvé d’embarras à s’approprier les contenus majeurs de l’Esthétique transcendantale de Kant dans la célèbre Critique de la Raison pure? Prenant ses distances à l’endroit du rationalisme dogmatique de Leibniz qui conçoit l’espace comme un « ordre des coexistences », se détournant de Newton qui considère l’espace comme sensorium dei, Kant tient l’espace (de même que le temps) pour une forme a priori de la sensibilité. Comment élucider la signification de cette expression? Faut-il comprendre que tout (...) ce qui affecte nos sens se trouve spontanément informé du fait d’une instance dont tout sujet humain serait a priori dépositaire? C’est ce que nous entendons examiner. (shrink)

This paper explores the relation between personal identity and story telling. In particular l examine how Paul Ricoeur links narrative discourse to identity formation. For Ricoeur stories are not simply aesthetic objects disconnected from experience, but are rooted in the very fabric of life and have the capacity to profoundly refigure our world. Narrative discourse and life are for Ricoeur dialcetically tied to each other through a “mimetic arc.” This, however, poses interesting problems and difficulties. How do stories affect the (...) transformation of experience? According to Ricoeur the identity of the text can be incorporated into my own personal and communal identity through a mode of analogical transfer. This is the art of interpretation, the art of selfhood, the performative process of becoming a self in relationship with others.Cet artiele analyse la relation entre identité personnelle et le fait de raconter une histoire. J’aborde en partieulier le lien entre le discours narratif et la formation identitaire, tel que le conçoit Ricoeur. Pour ce dernier, les histoires ne sont pas simplement des objets esthétiques détachés de I’experience; elles sont plutôt ancrées dans le tissu même de la vie, et ont le pouvoir de refigurer profondément notre monde.Le discours narratif et la vie sont, dans la pensée de Ricoeur, liés defaçon dialectique par un «arc mimétique». Une telle façon de voir soulève, cependant, des questions et des difficultés interéssantes. Comment les histoires affectent-elles la transformation de l’expérience? Selon Ricoeur, l’identite du texte peut être intégrée dans ma propre identité personnelle et collective par un mode de transfert analogique. C’est en cela que consiste l’art de I’interprétation, de l’ipséité, le proeessus performatif du devenir de soi en relation avec les autres. (shrink)

Les quatre textes qui suivent tentent d'analyser dans la littérature québécoise et française récente les manifestations d'une société en mutation, désireuse ou non de rompre avec les stéréotypes de sexes, de revisiter et réconcilier féminin et masculin. Les écrivaines, avec quelques belles longueurs d'avance, continuent de vouloir à la fois le corps et l'esprit, la vie et la fiction, de jongler avec l'altérité et les identités plurielles et de travailler des textes ûctionnels, théoriques et incamés, qui prennent en compte le (...) réel Leur travail de réflexion et de création ne cesse, en fait, d'interroger les artifices de l'art, les mensonges de la petite et de la grande histoire, et de prouver qu'on ne peut impunément dissocier éthique et esthétique ! Le thème de l'autobiographie foetale qui hante la littérature masculine récente est très représentatif de la masculinité en crise; il cristallise ses angoisses, ses résistances ou sa nouvelle quête émotive, affective et corporelle.The following four-part paper try to analyse in recent quebecer and french littérature the manifestations of a changing society, wether it be willing or not to break with gender stereotypes and reconcile the masculine/feminine dichotomy. Female writers still show leadership in wanting both body and mind, life and fiction; in thinking ofalterity and multiple identities; and in working at fictionnal, theoretical and incarnate texts wich take reality into considerations. Their reflexion and creation in effect never stops questionning the artistic device, the lies of both small and big history to prove that we cannot inconsiderately dissociate Ethics from Esthetics ! The foetal autobiography team now haunting recent male littérature is very representative of the masculinity crisis; it cristallizes his anguish resistances or his new emotive, affective and corporeal quest. (shrink)

À partir d’éléments théoriques situés au fondement de sa conception des atmosphères (espace pensé à partir de la présence charnelle vs conception géométrique de l’espace comme topos ou spatium ; notion de Befindlichkeit ou « disposition affective » ; réflexions sur la perception), le présent texte de Gernot Böhme offre une synthèse tout à fait remarquable de ses réflexions tissées entre architecture et atmosphères. Il s’agit dès lors, pour le philosophe allemand, de chercher tout autant à penser la spécificité (...) class='Hi'>esthétique de l’architecture que de permettre de situer celle-ci de manière adéquate face aux enjeux du monde contemporain, ou encore d’inciter les architectes à réfléchir leur pratique dans et par le type de rapport à l’espace, au monde et aux hommes qui se manifeste dans la méditation de la notion d’« atmosphères ». (shrink)

Cet article vise à exposer et discuter les thèses du phénoménologue Mikel Dufrenne au sujet de la danse. Dans _Phénoménologie de l’expérience esthétique_, Dufrenne interroge l’art chorégraphique aux côtés des autres arts et depuis les concepts « d’objet esthétique », « d’_a priori _existentiel » et de « monde ». Plus exactement, il soutient que l’œuvre chorégraphique déploie, par l’entremise des danseurs, de leurs mouvements et des autres éléments scéniques, une atmosphère affective qui correspond à l’attitude existentielle du chorégraphe. (...) Après élucidation du sens de ces formules, et en vue d’approcher davantage du phénomène chorégraphique, nous soulevons une triple réserve vis-à-vis de la position dufrennienne. (shrink)

De Frescobaldi, à l'édition musicale, en passant par l'histoire de l'interprétation, la grammaire baroque des affects et l'esthétique, ce livre rend hommage à la pensée d'Etienne Darbellay dans un recueil d'études qui captive par la variété et la rigueur des savoirs. From Frescobaldi to music editions, from the history of performance to the baroque language of affect and aesthetic, the present work in honour of Etienne Darbellay is a collection of essays remarkable for the breadth and depth of their (...) scholarship. (shrink)

A l'aide du principe d'antagonisme établi par Stéphane Lupasco comme la condition sine qua non du dynamisme, G. Yvette Thomas reconnaît dans la structure doublement contradictoire des événements psychiques nombre de caractéristiques relevées dans l'esthétique baroque. Son étude propose d'étendre ce vocable à tous les phénomènes relevant du psychisme, c.a.d. de cette autre réalité non-classique, de type quantique. A ce propos, la mise à jour du mécanisme logique de «la conscience de la conscience» et «la connaissance de la connaissance» (...) opère une véritable trans- formation de l'entendement, permettant d'accéder à une compré- hension toute nouvelle de phénomènes cognitifs tels que le doute et la réflexion, la conjonction contradictorielle du sujet et de l'objet, du rêve et de la réalité, de l'éthique et de l'esthéti- que, et, à un suprême degré de complexité, la déroutante expérience logico-affective du mysticisme. (shrink)

Concept politique à large spectre central à la philosophie contemporaine, la reconnaissance est une émotion morale dont l’histoire culturelle reste à tracer. Peut-être plus encore que d’autres affects, elle se place à l’articulation de questions psychologiques, anthropologiques et esthétiques, comme l’a montré l’histoire faite de Stephen Cave du concept de recognition. Ses mutations historico-esthétiques disent nos modes de redécouverte de l’autre, de la question de la cicatrice d’Homère à celle des retours des survivants de la Shoah, de l’anagnorisis grecque jusqu’au (...) romans de la reconnaissance impossible ( Le Colonel Chabert de Balzac) en passant par les problèmes posés aux dramaturges classiques par son usage. C’est sur ce chassé-croisé entre représentation et configuration performative par l’art de la reconnaissance que je voudrais me pencher. (shrink)

Cet article s’attache à deux films représentatifs de l’« esthétique des décombres », Les Assassins sont parmi nous et Entre hier et aujourd’hui, pour analyser, du point de vue du genre, la présentation des objets légués par le nazisme. Les objets à l’écran sont compris comme des « événements tangibles » qui témoignent du bouleversement de l’ordre des choses dans l’Allemagne d’après-guerre, y compris celui de l’héritage de la confiscation et de l’« aryanisation » de l’espace allemand. Dans ces (...) films, un parallèle est établi entre le sentiment de culpabilité éprouvé par les hommes par rapport aux objets arrachés à une femme, victime, et le problème de dépossession (ainsi que son corollaire, le meurtre collectif) qui vient se mêler aux défis des relations de genre dans l’après-guerre. L’activité même de nettoyage et de remise en ordre est représentée comme une forme féminine de travail ; ces interventions physiques de la part des femmes sont aussi chargées de résoudre le problème posé par l’embarrassante présence des restes matériels du Troisième Reich. (shrink)

Grand relecteur des mythes, Michel Tournier revient régulièrement, dans son oeuvre, sur la Genèse. Ses grands héros pervers, particulièrement Abel Tiffauges du Roi des Aulnes, soumettent le texte à une herméneutique du détournement et de l’inversion. Ils font ainsi apparaître dans le texte biblique la figure de l’androgyne primitif dont ils tirent des considérations éthiques et esthétiques sur la relation de l’homme et de la femme. Quant à Caïn et Abel, ils deviennent les supports d’un système binaire qui est une (...) des grandes caractéristiques de l’herméneutique tournérienne. Négligeant la dimension instauratrice et fondatrice du mythe biblique, Tournier rappelle plutôt, dans ses interprétations, le monde de la mystique juive occupée à scruter ce qui était avant la création. Mais chez le romancier, elles sont toutes affectées par le grand détournement pervers. As a great re-reader of myths, Michel Tournier regularly returns to Genesis in his work. His great, depraved heroes, especially Abel Tiffauges from Rois des Aulnes, subject the text to a hermeneutic of corruption and inversion. In this way, they bring forth from the biblical text the figure of primitive androgyny, from which they draw ethical and aesthetic considerations on the male-female relationship. As for Cain and Abel, they become the basis of a binary system that is one of the great characteristics of Tournier’s hermeneutic. By neglecting the founding dimension of the biblical myth, Tournier evokes, in his interpretations, the world of Jewish mysticism, which seeks to peer into that which existed before creation. For the novelist, however, these interpretations are all affected by the great, depraved, corruption. (shrink)

Stefanie Buchenau | : Johann Georg Sulzer participe d’une tradition allemande et wolffienne qui conjugue réflexion épistémologique et esthétique. L’originalité de Sulzer au sein de cette tradition consiste à développer un nouveau modèle de la connaissance comme contemplation. Selon ce modèle spéculatif qui emprunte des éléments à l’esthétique de Du Bos, la distance et l’extériorité du spectateur par rapport à son objet est loin d’être le réquisit d’une bonne vision. Celle-ci dépend tout au contraire de l’appartenance du spectateur (...) au monde qu’il contemple, de sa réceptivité, de sa sensibilité et de son humanité. Car l’âme ne peut déployer son activité de pensée qu’à condition de s’attacher d’abord à son objet : un tel attachement est la condition de son détachement. La mise en place de ce nouveau modèle spéculatif répond à l’injonction de Mérian qui est de repenser la conscience ou l’aperception à partir d’un sentiment a posteriori. Car « l’oeil ne se voit pas voir », et l’aperception primitive, cet acte par lequel l’esprit se pense, lui échappe. Il éprouve néanmoins des sentiments — de plaisir et de déplaisir — qui le contraignent à faire retour sur lui-même et sur son état d’être affecté ; des sentiments dont Sulzer considère qu’ils ancrent sa connaissance dans la réalité et lui permettent de la rapporter à soi-même. C’est ainsi qu’au fil des mémoires académiques des années 1750 à 1770, Sulzer élabore une nouvelle conception tripartite des facultés, et une distinction entre domaines théorique et pratique qui marquera la philosophie de Kant. Ce débat au sein de l’Académie berlinoise au sujet de la connaissance de soi donne une nouvelle orientation anthropologique à la philosophie allemande de la seconde moitié du xviiie siècle. | : Johann Georg Sulzer belongs to a German and Wolffian tradition that closely associates theory of knowledge and aesthetics. Sulzer’s originality within this tradition consists in introducing a new model of contemplation. This model borrows elements from Du Bos and leads him to revise the traditional paradigms of cognition and self-cognition : more than the spectator’s distance and exteriority to her object, good vision requires her involvement and inclusion into the world she contemplates, that is her receptivity, sensibility and humanity. For her soul cannot unfold its activity unless it is attached to its object. Such attachment is the condition of its detachment. Sulzer elaborates his model of speculation in response to issues recently raised by his colleague Merian within the Berlin academy. Merian had emphasized the necessity to rethink consciousness or apperception on the basis of some posteriori feeling. For “the eye does not see itself seeing” and the primitive apperception, the act of thinking itself, necessarily escapes the soul’s aperception : it nonetheless has feelings — of pleasure and displeasure — which make the soul reflect on itself and its state of affection ; For Sulzer, these feelings are what grounds knowledge in reality and establishes a relation to the self. In his writings from the 1750’ies to the 1770’ies Sulzer develops these insights and elaborates a new division of faculties and of the theoretical vs. practical that will shape Kant’s psychology and philosophy. This debate within the Berlin academy confers a new anthropological orientation to the German philosophy of the second 18th century. (shrink)

« Un coworking sans communauté n’existe pas. » Qu’est-ce qui sépare les nous du tiers-lieu de ceux de la start-up (plus ou moins nationalisée)? Qu’est-ce qui distingue les bretelles (d’un nous relativement dilaté, diffracté ou bifurquant) des autoroutes (du je au cœur du développement personnel comme du nous des team buildings et atelier de we design)? L’auto-affectation d’un soi mis au pluriel tente, par un simple jeu pronominal, de cacher son intention de relier tout le monde. À travers les reflets (...) de ces belles âmes dans leurs variations esthétiques, cet article se propose de penser les réactualisations de la standardisation psychique mondiale en montrant comme elles brouillent de quel entre-nous ça parle. On part d’une série de citations des stars de la république des lettres. Direct, on multiplie les formes de déterritorialisations énonciatives comme autant de traversées d’un nous attaché à son incertitude d’échelle et excité par ses anachronismes : expérience originelle de l’autre comme soi, atelier alter-constructiviste, méditation auto-décentrante, réunion anti-facilitatrice, contre-point sur la situation actuelle. (shrink)

Aucune discussion d'ensemble des ecrits de Lyotard sur l'art n'avait ete entreprise. Or sa reflexion sur les arts - musique, cinema, peinture surtout - est une part essentielle de son oeuvre, comme en temoignent les analyses proposees dans Discours, figure, Que peindre?, Moralites postmodernes, L'Inhumain et Les Ecrits sur l'art contemporain et les artistes. Moins remarque pourtant est le fait que Lyotard a collabore avec des peintres (Monory, Guiffrey, Adami, Sam Francis, Appel, Buren, etc). Il a ete commissaire d'une exposition (...) en 1985 qui a fait date, " Les Immateriaux ", au Centre Georges-Pompidou. Plusieurs textes du volume ainsi qu'un entretien inedit avec Bernard Blistene sont consacres a cette manifestation. Pour ce livre Francoise Coblence et Michel Enaudeau ont sollicite non seulement des lecteurs avertis de Lyotard (Christine Buci-Glucksmann, Elisabeth de Fontenay, Jean-Michel Rey, Jean-Loup Thebaud, Herman Parret, Anne Cauquelin, Gerald Sfez, Jean-Claude Rolland, Claudine Eizykman et Guy Fihman, Jean-Francois Nordmann, Jean-Patrice Courtois), mais aussi de plus jeunes chercheurs (Gaelle Bernard, Frederic Fruteau de Laclos, Claire Pages, Jerome Glicenstein, Maud Pouradier, Evelyne Toussaint) qui decouvrent pour leur propre compte le travail de Lyotard sur les arts. Les contributions rassemblees analysent les concepts forges par Lyotard, tels que " figural ", "libidinal ", " sublime ", " immateriau ", " matiere ", " impresentable " " affect ", " ecriture ". A travers eux, cette pensee de l'art veut rompre avec l'esthetique au sens academique du terme pour voir ou entendre dans les oeuvres l'evenement de la couleur ou du son. C'est donc bien d'un enjeu " ontologique " qu'il y va : l'art est seul a nous presenter la frappe sensible de l'etre. (shrink)

Ce livre prend position sur les enjeux et les visées des oeuvres d'art en matière de vérité et de morale : il répond, par un retour sur l'époque des Lumières, aux questions contemporaines sur l'idée d'un perfectionnement moral de l'individu (S. Cavell, M. Nussbaum, S. Laugier). Car les Lumières ont remis au coeur de la création artistique les émotions, les affects et les sentiments, mues par la conviction de l'efficacité d'une éducation esthétique de l'homme, d'une éducation sensible par le (...) sensible, en l'occurrence par les oeuvres. La vérité a-t-elle un sens en matière artistique? Notre besoin d'art est-il lié à notre conviction qu'elles nous rendent meilleurs et nous font mieux connaître le monde? L'autonomie de l'oeuvre, la liberté du créateur, la dévaluation de tout canon au nom d'un global turn qui contraint au relativisme rendent aujourd'hui difficile l'affirmation d'une vérité. (shrink)

À la croisée des recherches sur l’espace humain et du développement récent des études sur les émotions, l’étude philosophique, esthétique, sociologique, ethnographique, architecturale et urbaine des atmosphères décrit et analyse la manière dont se nouent, dans l’expérience vécue, les propriétés des espaces et des objets, le contexte de la perception sensible, et l’état affectif du sujet sur ses deux versants, l’intime et le partagé. Atmosphère (de même que l’anglais atmosphere ou l’allemand A...

Résumé De nombreuses musiques cherchent à exercer sur les auditeurs une « efficacité symbolique » : transformer l’instant musical en rite d’initiation, faire entrer les corps en transe, convertir les émotions musicales en émotions corporelles, c’est-à-dire les affects en actions. En s’appuyant sur les écrits théoriques de Pierre Boulez et Karlheinz Stockhausen, cet article tente de montrer comment chez ces deux compositeurs cette utopie d’une subjectivation à travers la ritualisation de l’écoute s’articule à l’entreprise formaliste d’autodéfinition de la musique, en (...) vue de la constituer comme une sphère autonome. (shrink)

Élites et consommateurs s’accordent sur les possibles inédits qu’instaure la pratique contemporaine du jeu vidéo, tout en questionnant la rémanence de leurs effets, notamment agressogènes, auprès des usagers. Contrastant avec la thèse cathartique, qui implique que l’expérience du jeu vidéo remplirait une fonction purgatrice d’évacuation des affects agressifs, des faisceaux de travaux empiriques accréditent une thèse mimétique, selon laquelle la « martialisation » des émotions induites par la violence guerrière virtuelle, à l’instar des univers persistants du jeu vidéo, déploierait son (...) empire bien au-delà de l’expérience circonscrite du joueur devant un écran de visualisation. (shrink)

Quel peut-il être, le rôle de la fiction dans la (re)construction des émotions liées à l’extermination de masse? Et que se passe-t-il au juste, quand ces émotions sont réactivées à partir du point de vue d’un bourreau? En revenant sur les questions suscitées par un cas singulier et symptomatique ( Les Bienveillantes, de J. Littell), puis en examinant certaines critiques affectant la référence à la tragédie antique en relation avec la littérature du génocide, j’essaie de mettre ici en regard deux (...) types de critiques de la notion de catharsis : l’une, contemporaine, qui conduit à la remise en cause éthique des usages qui en sont faits comparant les émotions liées à l’expérience de l’extermination à celles que la tragédie est censée pouvoir provoquer ; l’autre, issue d’une tradition libertine propre au xvii e siècle, faisant planer le doute sur la nature (et la possibilité même) du processus cathartique, et sur les « scénarios paradigmatiques » que certaines tragédies mettent en branle au sein d’une mise en commun de certaines émotions. Un tel détour ne pourrait-il pas conduire à interroger, dans une perspective différente, l’impact de l’art sur notre manière d’expérimenter, de caractériser et d’évaluer des émotions telles que la Terreur et la Pitié aujourd’hui même? (shrink)

Résumé Le signe ne sait pas ce qu’est un poème et il empêche de penser le langage. Contre toutes les oppositions binaires (forme-contenu, son-sens, signifiant-signifié), il importe de ne plus opposer langage poétique et langage ordinaire, de quitter l’hégémonie du signe comme celle du sens pour s’attacher à l’affect, au rythme, organisateur du mouvement de la parole dans le discours. L’expérience de la traduction, comme celle de l’écriture poétique s’appuie sur ce levier qu’est le rythme et que la Bible impose (...) : le travail à faire consiste à y retrouver un rythme effacé par l’hellénisation et la christianisation. (shrink)

L’œuvre de Bruno Goosse Classement diagonal exemplifie la tendance qui consiste, pour certains artistes contemporains, à entreprendre des enquêtes proches des recherches menées en sciences humaines, et particulièrement en histoire. Au travers d’une démarche spécifique, Classement diagonal questionne les processus de valorisation, de conservation et de patrimonialisation diversifiés qui ont affecté le champ de bataille de Waterloo, depuis 1815. L’exploration minutieuse conduite par Bruno Goosse pendant près de trois années a autorisé trois formes de présentation – une installation, un livre, (...) une conférence – qui, chacune à leur manière et non sans humour, font progresser la réflexion sur les mécanismes et les enjeux de la patrimonialisation, comme sur le régime d’historicité qui est celui de notre époque. L’artiste belge, s’il s’attelle à une étude historique, ne le fait pas en savant, affublé d’une autorité institutionnelle ou d’une accréditation universitaire, mais en amateur. Cette situation inconfortable lui permet d’interroger les idées reçues quant aux délimitations des arts et de la science, de la raison et de l’imagination, de la forme et du fond…. (shrink)

Si l’on accorde que les affects ou émotions résultent de processus d’artialisation, l’absence surprenante d’artialisation du « sentiment d’injustice » dans la chanson populaire, constatée à l’issue d’une enquête minutieuse et complète, ne doit-elle pas conduire à mettre en question ce sentiment lui-même? Il s’agira à la fois de tester la cohérence de la position artialiste et de mesurer le domaine de validité du « sentiment d’injustice », voire des notions du « juste » et de l’« injuste ».