Cinema no abrigo: encontros, gestos e acontecimento Resumo: Este texto é fruto de reflexões sobre nossa vivência com o Projeto de Extensão “Educação, Cinema, Outros Territórios” no Lar de Idosos ‘Abrigo Tiradentes’, em Minas Gerais. Um objetivo específico do Projeto é realizar sessões de cinema junto aos idosos em diferentes territórios. A metodologia e a avaliação das ações são compreendidas como um gesto de acompanhamento do Programa de Extensão, amparado na investigação cartográfica, prática metodológica pertinente para o acompanhamento de processos (...) em curso e a produção de subjetividades. As questões que nos colocamos para esta reflexão são: o que pode o cinema num Abrigo de Idosos? Quais conexões poderíamos arquitetar entre cinema, linguagem e acontecimento? O que essas pessoas experimentam com os filmes? O que poderíamos exercitar, a partir do conceito de acontecimento, no pensamento? Buscamos, por meio deste ensaio, um exercício de pensar “acontecimentos” no nosso encontro com os moradores e com os filmes durante as sessões de cinema no Lar de Idosos – Abrigo Tiradentes. Palavras-chave: Acontecimento; Cinema; Idoso. Cinema in the shelter: meetings, gestures and events Abstract: This text is the result of reflections on our experience with the “Education, Cinema, Other Territories” Extension Project at the Lar de Idosos Abrigo Tiradentes, in Minas Gerais. A specific objective of the Project is to hold cinema sessions with the elderly in different territories. The methodology and the evaluation of the actions are understood as a gesture of monitoring the Extension Program, supported by cartographic research, methodological practice relevant to the monitoring of ongoing processes and the production of subjectivities. The questions we ask ourselves for this reflection are: what can cinema do in a Shelter for the Elderly? What connections could we make between cinema, language and event? What do these people experience with films? What could we exercise, based on the concept of event, in thought? Through this essay, we seek an exercise in thinking about “events” in our meeting with the residents and with the films during the cinema sessions at Lar de Idosos – Abrigo Tiradentes. Key-words: Event; Cinema; Elderly. Cine en el retiro: encuentros, gestos y acontecimientos Resumen: Este texto es el resultado de reflexiones sobre nuestra experiencia con el Proyecto de Extensión “Educación, Cine, Otros Territorios” en el Lar de Idosos Abrigo Tiradentes, en Minas Gerais. Un objetivo específico del Proyecto es realizar sesiones de cine con personas mayores en diferentes territorios. La metodología y la evaluación de las acciones se entienden como un gesto de seguimiento del Programa de Extensión, con el apoyo de la investigación cartográfica, la práctica metodológica relevante para el seguimiento de los procesos en curso y la producción de subjetividades. Las preguntas que nos hacemos para esta reflexión son: ¿qué puede hacer el cine en un refugio para ancianos? ¿Qué conexiones podríamos hacer entre cine, idioma y evento? ¿Qué experimentan estas personas con las películas? ¿Qué podríamos ejercer, basado en el concepto de evento, en el pensamiento? A través de este ensayo, buscamos un ejercicio para pensar acerca de los "eventos" en nuestra reunión con los residentes y con las películas durante las sesiones de cine en Lar de Idosos – Abrigo Tiradentes. Palabras-claves: Acontecimentos; Cine; Ancianos. Data de registro: 19/03/2020 Data de aceite: 28/08/2020. (shrink)

Qu'on le veuille ou non, depuis qu'il est sorti de la clandestinite, le cinema porno est devenu l'un des grands genres cinematographiques du divertissement populaire, a cote du thriller, du film d'horreur, de la comedie sentimentale etc. Il est tout a fait insuffisant de definir un genre par les reactions qu'il est cense susciter chez les spectateurs (en l'occurrence l'excitation sexuelle). De meme, il est insuffisant de le definir par son iconographie i.e. les differentes performances sexuelles et la maniere dont (...) elles sont filmees. Il est tout simplement faux d'affirmer que les films pornographiques se ressemblent tous et ne racontent rien. Qu'est-ce que nous racontent donc les films pornos? (shrink)

Pour promouvoir son cinéma, Hollywood bataille sur plusieurs fronts: la publicité, les codes moraux et le lobbying. Quand leurs succès érigent le « Made in Hollywood» en marque de qualité, Hollywood réussit à s'arroger un avantage stratégique sur le cinéma mondial.To promote his film, Hollywood battle on several fronts: advertising, lobbying and moral codes. When their successes erect "Made in Hollywood" brand in quality, Hollywood managed to assume a strategic advantage on world cinema. marketing, Hollywood, MPEA.

Maldiney est né en 1912, année où le cinéma est quant à lui devenu un art, pour la première fois de type industriel. Ce philosophe en a donc été, toute sa vie durant, le contemporain. Et pourtant il ne s’y est manifestement jamais intéressé. Or cela est d’autant plus intrigant que, si la peinture a certes toujours été pour lui l’art de référence, il a toutefois su se tourner vers de nombreux autres arts. Pourquoi, même s’il ne connaissait pas, comme (...) Stanley Cavell, les comédies hollywoodiennes, ne s’est-il pas non plus, contrairement à son collègue de Lyon, Gilles Deleuze, intéressé à ce que cet art rend possible? Est-ce là une affaire de goût, alors privée et naïvement subjective? Ou ce désintérêt manifeste peut-il nous dire quelque chose de ce qu’il a cherché dans l’art, et ainsi de ce qu’on peut nommer son style philosophique? (shrink)

Le cinéma occupe une place importante dans l’œuvre du philosophe et esthéticien français Étienne Souriau (1892-1979). Soucieux d’inclure parmi les traditionnels Beaux-arts l’art mécanique nouveau du cinéma, Souriau développe au lendemain de la Seconde Guerre mondiale une pensée ontologique singulière du cinéma dont Christian Metz nous rappelle en 1980 qu’elle ne fonctionne que par interventions. Depuis ses premières tentatives d’études par la méthode cinématographique de 1937, du temps où Souriau enseigne à l’université de Lyon, jusqu’aux pages de son posthume Avenir (...) de la philosophie (1982), en passant par les dix années d’aventure filmologique, cette étude vise donc à réunir l’ensemble de ces interventions et à révéler l’étendue de cette pensée jusqu’à sa postérité. Il s’agit encore d’explorer ces années filmologiques durant lesquelles Souriau dirige un Groupe de recherche au sein de l’Institut de filmologie ; groupe auquel nous devons notamment la paternité du concept actualisé de diégèse. Ce corpus a priori hétérogène regroupe des chapitres d’ouvrage, articles de revues, inédits et archives, et constitue in fine de façon rhizomique ce que nous pouvons désormais nommer : la pensée esthétique du cinéma selon Étienne Souriau. (shrink)

Résumé Lors de la disparition progressive du cinéma muet devant le cinéma parlant, la majorité des écrivains, hommes de mots, prennent position en faveur du premier, cristallisant l’idée d’une essence cinématographique idéale liée à la mutité des images, à l’éviction du verbe et à l’autonomie du septième art. On revient ici, au-delà des réactions à ce tournant artistique, sur les raisons de cette construction utopique et de son délitement inéluctable.

À quelles conditions peut-on, dans un discours réel, utiliser un énoncé comme argument en faveur d’un autre? La réponse semble aller de soi, au moins si l’on assimile l’argumentation à une espèce de raisonnement - peut-être lâche et flou, mais analogue en son fond à la démonstration étudiée par les logiciens. Dans ce cas, l’enchaînement des énoncés se fonde sur les informations qu’ils véhiculent, sur ce qu’ils disent de la réalité. C’est justement l’inverse que veut montrer la théorie des échelles (...) argumentatives. Selon elle, la structure des énoncés, au sens le plus étroitement grammatical du terme, contient, indépendamment des informations qu’ils donnent, des indications sur le type de conclusions qu’ils peuvent servir. Le sens même de nos paroles doit alors être vu comme étant, de façon intrinsèque, un moyen pour orienter le discours de l’autre, l’intention de dire ne se distinguant pas de l’intention de faire dire. Ce qui fait triompher le structuralisme là où on l’attend le moins, en sémantique - la valeur sémantique d’un énoncé est constituée par allusion à la possibilité d’un autre énoncé - l’énoncé de l’autre. (shrink)

Gilles Deleuze est le premier philosophe français (et l'un des très rares dans le monde) à avoir consacré l'intégralité d'un ouvrage de philosophie au cinéma. S'étant fixé comme objectif de penser le cinéma dans sa singularité, à la fois comme pratique artistique et comme pensée, le philosophe s'est trouvé conduit à reconsidérer certains aspects fondamentaux de son projet philosophique, et à produire des concepts nouveaux. Une synthèse claire et concise.

Chacun sait que la critique sociale n'a pas son origine au cinema et qu'elle est nee quelque part du cote de chez Marx. Mais, dans une periode ou se multiplient des films comme It's a free world! (K. Loach), Louise Wimmer (C. Mennegun), Une vie meilleure (C. Kahn), Dans la tourmente (C. Ruggia) ou La mer a boire (J. Maillot), la question du rapport entre le cinema et la critique sociale retrouve une actualite qu'elle n'a plus eue depuis les annees (...) 70. Dans ce contexte, Franck Fischbach montre que la critique sociale n'est ni un genre, ni un style cinematographique, mais une fonction que certains films mettent en oeuvre parmi d'autres fonctions et quel que soit leur genre d'appartenance. Mais comment situer alors la fonction de critique sociale par rapport au genre du cinema politique? Et quels sont les instruments et les dispositifs proprement filmiques d'une critique sociale cinematographique? (shrink)

The body at close range: volume and the unlistenable in Catherine Breillat's Anatomy of Hell -- Sonic subjection: Gaspar Noé's Irreversible and the dystopian limits of the resonant body -- A stranger everywhere: the écho-monde of Tony Gatlif's Exiles -- Feedback, asynchronicity, and sonic sociabilities: Arnaud des Pallière's Adieu -- Listening at the limit: non-human noise in Lars von Trier's Antichrist -- Listening to things: Foley as "alien phenomenology" and Peter Strickland's Berberian sound studio.

Le relief de la vision. Mouvement, profondeur et cinéma dansLe monde sensible et le monde de l’expressionEst-il possible d’établir une connexion entre Le monde sensible et le monde de l’expression et la pensée du dernier Merleau-Ponty? De quelle manière une formulation germinale de la réflexion ontologique serait-elle présente dans le cours de 1953? Et quels sont les éléments de contact et de convergence qui permettent de retracer un tel lien?J’ai l’intention de proposer cette hypothèse à partir d’une considération du thème (...) de la vision dans son rapport au mouvement, esquissant les points dans lesquels ce lien émerge et se montre, tant de manière latente que de manière manifeste. Je voudrais montrer comment, dans le développement de ce sours, d’un côté, le mouvement est défini dans sa valeur ontologique et en vient à exprimer la relation même qui lie le corps percevant et le monde perçu et, de l’autre côté, comme le thème de l’expérience scopique arrive à éclairer le rapport entre perception et expression pour en dévoiler le caractère chiasmatique.Si les recherches menées par Merleau-Ponty dans la Phénoménologie de la perception avaient délimité le rapport d’inhérence et de co-implication entre le percevant et le perçu, les notes de cours du Monde sensible et monde de l’expression en viennent à désigner un «double mouvement» entre le sens et le sensible, ou bien un mouvement d’expression et d’empiètement de l’un dans l’autre, «réciproque» et «à double sens», dans lequel nous pouvons entrevoir une préfiguration du rapport chiasmatique et réversible qui lie le voyant et le visible dans l’ontologie merleau-pontienne de la chair. Il existe une trame qui relie le cours de 1953 avec la réflexion du dernier Merleau-Ponty, particulièrement avec L’œil et l’esprit. J’ai parcouru à nouveau les trois modes, ou plutôt les trois mouvements de la vision qui émergent à l’état germinal dans les notes du cours.- Le thème de la vision en profondeur comme découverte du rapport actif-passif entre le voyant et le visible, lié à la dimension scopique comme ouverture au lien entre vision et désir.- La notion d’œil spirituel que Merleau-Ponty emprunte à Paul Schilder, comme concept clé pour la conception de la vision dans L’œil et l’esprit, qui représente en outre un lien fondamental entre l’expérience scopique et la conception libidinale du corps propre, en syntonie profonde avec le rôle de la pulsion scopique chez Lacan.- Le thème du mouvement dans le cinéma comme point culminant de ces références à la vision, à la profondeur, au relief, et qui émergera à quelques années de distance, avec la peinture, dans L’œil et l’esprit et dans le cours sur L’ontologie cartésienne et l’ontologie d’aujourd’hui.The Depth of Vision: Movement, Depth, and Cinema in The Sensible World and the World of ExpressionIs it possible to establish a connection between The Sensible World and the World of Expression and the final thought of Merleau-Ponty? In what manner would a germinal formulation of ontological reflection be present in the 1953 course? And what are the elements of contact and convergence that allow us to tracing out such a link? I intend to put forward this hypothesis from a consideration of the theme of vision in its relation to movement, sketching the points in which this link emerges and shows itself, both in a latent and a manifest way. I would like to show, in the development of this course, on the one hand, how movement is defined in its ontological value and comes to express the very relation which links the perceiving body and the perceived world, and, on the other hand, how, as the theme of optical experience happens to bring to light the relation between perception and expression in order to unveil its chiasmatic character.If the research conducted by Merleau-Ponty in the Phenomenology of Perception had delimited the relation of inherence and co-implication between the perceiving and the perceived, the course notes of The Sensible World and the World of Expression come to designate a “double movement” between sense and the sensible, or, a “reciprocal” or “bi-directional” movement of expression and encroachment, in which we can catch a glimpse of a prefiguration of the chiasmatic and reversible relation which links the seer and the visible in the Merleau-Ponty’s ontology of the flesh.There is a web which links the 1953 course with the reflection of the final Merleau-Ponty, particularly with Eye and Mind. I have again gone through the three modes, or rather the three movements of vision which emerge in a germinal state in the course notes.- The theme of vision in depth as the discovery of an active-passive relation between the seer and the visible, linked to the optical dimension as the opening to the link between vision and desire.- The notion of the spiritual eye that Merleau-Ponty takes from Paul Schilder, as the key concept for the conception of vision in Eye and Mind, which in addition represents a fundamental link between optical experience and the libidinal conception of one’s own body, which is profoundly in sync with the role of scopic impulse in Lacan.- The theme of movement in film as the culminating point of these references to vision, to the depth, to the being in relief, or depth perception, which will emerge in some distant years, with painting, in Eye and Mind and in the course on Cartesian Ontology and Ontology Today. (shrink)

This paper takes Luc and Jean-Pierre Dardenne’s film Le Fils and its critical reception as an occasion to explore Gilles Deleuze’s proposition that cinema’s capacity to show belief in this world—as a secular corollary to Søren Kierkegaard’s religious belief as a leap of faith—is one avenue by which the medium might rediscover its pertinence after the demise of the movement-image. Previous interpretations of The Son have taken up the film’s connection with the story of Abraham’s sacrifice of Isaac to argue (...) that the film’s ethical stance rests in its allusion to and rejection of the conception of faith demonstrated in the Hebrew Bible... (shrink)

Cet article s’attache à deux films représentatifs de l’« esthétique des décombres », Les Assassins sont parmi nous et Entre hier et aujourd’hui, pour analyser, du point de vue du genre, la présentation des objets légués par le nazisme. Les objets à l’écran sont compris comme des « événements tangibles » qui témoignent du bouleversement de l’ordre des choses dans l’Allemagne d’après-guerre, y compris celui de l’héritage de la confiscation et de l’« aryanisation » de l’espace allemand. Dans ces films, (...) un parallèle est établi entre le sentiment de culpabilité éprouvé par les hommes par rapport aux objets arrachés à une femme, victime, et le problème de dépossession (ainsi que son corollaire, le meurtre collectif) qui vient se mêler aux défis des relations de genre dans l’après-guerre. L’activité même de nettoyage et de remise en ordre est représentée comme une forme féminine de travail ; ces interventions physiques de la part des femmes sont aussi chargées de résoudre le problème posé par l’embarrassante présence des restes matériels du Troisième Reich. (shrink)

L’émergence de l’installation au milieu du xxe siècle se fait de manière concomitante avec l’art de la performance et de la vidéo. Les artistes de l’installation se sont donc emparés de l’image en mouvement et ont développé des dispositifs au caractère performatif vis-à-vis du visiteur. Dans les années 1970, Dan Graham révèle la visibilité et la perception d’un « invu », à savoir le temps comme matière et l’espace comme vecteur proprioceptif dans ses installations vidéographiques reposant sur l’effet de time (...) delay. Face à l’enregistrement et à la retransmission en décalé de sa propre image, le visiteur prend conscience de son existence et de son rapport aux autres. Plus récemment, les installations « post-cinématographiques » ont permis de renouveler ces questionnements. L’exposition Servitudes de Jesper Just témoigne de ce dialogue entre installation audiovisuelle, espace architectural et perception du visiteur. Projeté sur des écrans, disséminé dans les sous-sols du Palais de Tokyo, le film de Just n’est visible que par fragments, le visiteur devenant le « monteur » d’une narration ambiguë et hétérodoxe, et devant pour cela se déplacer à travers les enchevêtrements de rampes métalliques, créant une « architecture spectatorielle de l’installation ». The emergence of installation art in the middle of the twentieth century is concomitant with the art of performance and video. The artists therefore took possession of the moving image and developed devices with a performative character vis-à-vis the visitor. In the 1970s, Dan Graham manifests the visibility and the perception of an “invu” which is time as matter and space as a proprioceptive vector in his video installations based on the effect of time delay. Faced with the recording and retransmission of his/her own image, the visitor becomes aware of his/her existence and its relationship to others. More recently, the “post-cinematographic” installations made it possible to investigate anew these questions. The exhibition Servitudes by Jesper Just testify of this dialogue between an audiovisual installation, an architectural space and the visitor’s perception. Shown on screens, scattered in the basements of the Palais de Tokyo, the film of Just was visible only in fragments. Hence the visitor became the “editor” of an ambiguous and heterodox narration. To do so he/she had to move through the entanglements of metal ramps, creating a “spectatorial architecture of the installation”. (shrink)

Dès son article de 1927 sur « l’ornement de la masse », Siegfried Kracauer relevait l’homologie existant entre l’organisation tayloriste du travail et ces vastes compositions ornementales de danseuses dont le cinéma de Busby Berkeley devait quelques années plus tard fournir le modèle. Par leur dimension excessive aussi bien que réflexive, les numéros cinématographiques de Berkeley constituent un prolongement et un commentaire de la thèse de Kracauer. Mais, plus encore, en soulevant la question d’un « impensé fasciste » à l’œuvre (...) dans ce motif esthétique, ils appellent à éclairer l’usage critique qu’en fait De Caligari à Hitler et à ressaisir l’ambivalence originelle de la pensée de Kracauer. (shrink)

Le cinema nous regarde, il en sait souvent plus sur nous et notre epoque que ce que nous croyons savoir sur lui. Il nous livre un instantane photographique du temps qui passe et ouvre la possibilite de la critique au coeur du divertissement. Cet art des masses est un art du monde, des peuples, du peuple, du depeuple, du populaire, et parfois du populiste. Le cinema, ce n'est pas exactement le film, c'est ce qui, dans le film, ne releve pas (...) du sens, en quelque sorte la part folle et non theologique du film. Ce art excede son esthetique, en rendant sensible en lui la trace des spectres, de l'oublie, du sans-voix et du laisse-pour-compte. Des qu'il eut franchi le pont, les fantomes vinrent a sa rencontre, entend-on dans Nosferatu de Murnau. Ces traces ou ces apparitions de fantomes sont inseparables du reve et de la rememoration qui a lieu au cinema. La pensee est cinematographique, depuis des temps immemoriaux, elle reve et pense en cinema. Depuis que le cinema existe par ses films, depuis que proliferent ces singulieres temporalisations des images par le mouvement, le cinema suscite, invente et innerve la pensee. (shrink)

Un conte de Noël réalisé par Arnaud Desplechin en 2007, raconte un Noël familial dans une petite ville de province du nord de la France (Roubaix). Chacun revient dans la maison de son enfance à cette occasion alors que la mère est atteinte d’une maladie orpheline qui la condamne à court terme et que le frère aîné, Henri est haï par sa sœur et banni de la famille depuis cinq années. L’article analyse ce film où les rapports de genre, s’ils (...) sont constitutifs des relations, n’en restent pas moins soumis au dispositif plus large de la névrose familiale. Il tente de montrer comment le cinéma traduit la complexité des affects et les contradictions tendres et brutales des rapports familiaux. (shrink)

Dans son livre Le corps, c’est l’écran. La philosophie du visuel de Merleau-Ponty, Anna Caterina Dalmasso met en évidence la présence de la pensée merleau-pontienne dans les réflexions contemporaines relevant des visual studies, de la médiologie et des études cinématographiques. Les analyses menées révèlent un Merleau-Ponty à l’origine d’un certain nombre de « tournants » majeurs dans le questionnement, touchant notamment à la conception de l’image et du médium. Enfin, l’une des ambitions – et l’une des réussites – de l’ouvrage (...) est de restituer l’apport significatif de Merleau-Ponty pour les film studies. A.C. Dalmasso jette des lumières nouvelles sur une interrogation en constante évolution, en s’appuyant à la fois sur les textes bien connus et les « inédits ».In her book Le corps, c’est l’écran. La philosophie du visuel de Merleau-Ponty, Anna Caterina Dalmasso brings to light the presence of Merleau-pontian thought in contemporary reflections relevant to visual studies, as well as film and media studies. The analyses she carried out reveal a Merleau-Ponty at the origin of a certain number of major “turns” in the inquiry, touching notably on the conception of the image and of the medium. Besides, one of the ambitions – and one of the successes – of the work is to demonstrate the significant contribution of Merleau-Ponty for film studies. A.C. Dalmasso throws new light on an interrogation in constant evolution, stressing both well-known texts and unpublished manuscripts.Nel volume Le corps, c’est l’écran. La philosophie du visuel de Merleau-Ponty, Anna Caterina Dalmasso mette in evidenza la presenza del pensiero merleau-pontyano nelle riflessioni contemporanee dei visual studies, della teoria del cinema e dei media. Le analisi che vi sono condotte rivelano un Merleau-Ponty all’origine di alcune importanti “svolte”, che riguardano in particolare la concezione dell’immagine e del medium. Inoltre, una delle ambizioni – e uno degli aspetti più originali – dell’opera è quella di restituire il significativo apporto di Merleau-Ponty per l’ambito dei film studies. A.C. Dalmasso fa luce in modo innovativo su un tema di ricerca in costante evoluzione, appoggiandosi ad un tempo su scritti più noti e su alcuni testi “inediti”. (shrink)

ABSTRACT If phenomenology is a research methodology uniquely positioned to enable us to learn from others, I aim to demonstrate the idea that cinema is a privileged site from which to investigate the notion of virtuality (sight and reality), even in an age where vision’s predominance is waning. In order to do so, I consider the painfully disruptive mother-daughter relationship found cross-culturally and discourse-analytically in contemporary patriarchal societies. This bond is arguably of central concern to feminists (and women in general) (...) since previous research has found that the fractious nature of this dynamic points to a very specific psychological deformation of the female psyche under conditions of sexist oppression. The views of French psychoanalyst and philosopher Julia Kristeva and other feminist contributors to the debate on this psychological construct are considered. The possibility of a cultural remedy inspired by a secularised trend of Chinese Buddhism in post-Maoist China, a society very different from that of the West, is investigated. This will involve the analysis of the film Curse of the Golden Flower (Chinese Mandarin soundtrack and English subtitles). I subsequently explore whether or not a valuable model for the compromised mother/daughter relationship is available within the context of the notion of a “slave economy” in the comparatively healthier mother/son relationship of (contemporary) Han Chinese culture. By means of cross-cultural analysis as research tool, this article finds confirmation for the proposition of a positive mother/daughter dynamic in the French novelist Colette’s relationship with her mother, Sido. In conclusion, I find that cinema (as an art form serving the eye, i.e. virtuality) is particularly well suited as a site to investigate psychological phenomena by way of interpretative phenomenology as a research methodology, even as vision – as the human sense of choice – has begun to wane amid a global crisis in masculinity. (shrink)

El cine es una forma de expresión artística de múltiples y complejas posibilidades. Una de ellas es la de brindar los espacios para la sensibilización por ciertos aspectos de la realidad, otorgando en muchos casos un rostro humano a los temas filosóficos. Usando un término de Daniel Dennett, propongoen las líneas siguientes, al séptimo arte como un generador de intuiciones éticas, un medio que puede propiciar y hacer más profundas e integrales las reflexiones propias de la filosofía moral. Este particular (...) nexo entre cine y filosofía se da a partir de otras relaciones involucradas en el proceso, como lo son la del autor con el espectador, ficción con realidad y la de nuestras facultades racionales con las emocionales. The emotive-rational powers of cinemaCinema is an art form of many and complex possibilities. One of these possibilities is to provide people with spaces to create awareness of certain aspects of reality, in many cases giving a human face to philosophical issues. In the following lines, I would like to present the art of cinema as a generator of ethical intuitions and a medium that can foster and deepen comprehensive reflections of our own moral philosophy, by simply using a term created by Daniel Dennett. This particular link between cinema and philosophy is given by other relationships involved in the process, such as the author - viewer, the reality - fiction and the one that involves our rational and emotional faculties. (shrink)

Les films d’Ingmar Bergman (1918-2007) ont la réputation d’être noirs et décapants. Le cinéaste nous soumet à une déconstruction des relations humaines fondamentales et de nos aspirations spirituelles. Mais sonder le vide en nous n’est-il qu’accablant? Ou serait-ce le chemin le plus sûr vers un renouveau? Le cinéaste suédois, fils de pasteur, a lutté pour remplacer le discours chrétien de son enfance par un évangile exaltant l’amour et la vie. Son cinéma peut se comprendre comme un combat entre les mauvaises (...) nouvelles et les bonnes. Maris et femmes, mères et filles, pères et fils, prêtres et communiants, psychiatres et patients, tous entrent dans la ronde interminable où un peu de lumière perce les ténèbres. Et là où la stratégie des acteurs bergmaniens s’avère insuffisante, la musique prend le relais afin de communiquer par-delà notre finitude. (shrink)

L'auteure, riche de son expérience de scripte cinéma, analyse l'organisation spatio-temporelle des éléments constituants un film de fiction pour définir le concept de continuité apparente. Celui-ci est ensuite réinvesti dans l'étude de la stéréoscopie au cinéma. Ces deux notions sont à l'origine de la création de deux courts-métrages en 3D visant à les réunir.

Le Burkina Faso comporte, en plus du français, « langue officielle », environ une soixantaine de langues locales dites « langues nationales ». Malgré des lois favorables à l’égalité des langues, on constate dans la pratique une hiérarchisation linguistique qui consacre la domination du français sur les autres langues. Dans ce contexte plurilingue, on pouvait s’attendre à ce que la traduction puisse contribuer à la préservation de la diversité linguistique et culturelle du pays, voire à l’enrichissement des langues nationales. Mais (...) l’analyse de la traduction littéraire et audio-visuelle révèle une direction qui reflète cette hiérarchisation des langues. En effet, la traduction entre langues européennes est de loin la plus importante, en particulier entre le français et l’anglais. La traduction entre les langues nationales n’existe pas. Dans le domaine audio-visuel, en particulier le cinéma, le sous-titrage se fait toujours des langues nationales vers les langues européennes. En l’absence d’une politique linguistique et d’une politique de traduction, la traduction ne peut pas jouer son rôle de promotion des langues et de préservation de la diversité culturelle.As well as French, its “official language”, Burkina Faso has about 60 local languages that are referred to as “national languages”. Despite legislation in favour of language equality, there is, in practice, a distinct hierarchy that has enshrined the domination of French over other languages. In this multilingual context, it might have been expected that translation would help to preserve the country’s linguistic and cultural diversity, and even to enrich its national languages. However, our analysis of literary and audio-visual translations shows that the translating directions reflect the existing hierarchy between languages. Translations between European languages are by far the most common, especially between French and English. There is no translation at all between the national languages. In the audiovisual field, especially in films, sub-titles are always translated from national languages into European languages. Without language or translation policies, translation cannot play its part in promoting languages and preserving cultural diversity. (shrink)

La pensée du cinéma ne rencontre d'ordinaire Jean-François Lyotard, dans ses textes sur le cinéma ou non, que par le biais de deux activateurs : l'acinéma et le figurai. Ces deux activateurs, au demeurant, sont fortement représentatifs de la position paradoxale de Lyotard pour les études cinématographiques : si l'acinéma a été le plus souvent critiqué pour sa radicalité voire son sectarisme, n'ayant de fait guère de postérité, il en va tout autrement du figurai, lequel a trouvé dans les films (...) un terrain fertile d'investigation. Tout autant représentative est la méconnaissance en théorie du cinéma de nombreux autres textes de Lyotard portant sur le cinéma ou sur des films, et dont on ne parle jamais, ainsi que de sa philosophie postérieure à sa période libidinale, qui ne semble pas avoir encore trouvé d'échos particuliers en régime filmique. Le présent ouvrage fait précisément le pari de ces deux directions. A partir d'un autre Lyotard, ou du même mais envisagé très différemment, se dessinera progressivement une possibilité de penser le cinéma qui ne devra plus rien au figurai, à l'abstrait ou à l'expérimental, dont Lyotard le premier a fini par revenir, mais qui, singulièrement, ouvrira à une originale théorie du cinéma figuratif. " Méfiance envers les figuratifs quand ils ont de l'âme ", peut-on lire dans Que peindre?... (shrink)

Bien que son écoute ne diminue guère, la radio a suscité peu de recherches en sciences de la communication qui ont privilégié depuis leur origine la presse, le cinéma et la télévision. Cet article tente d'expliquer cet oubli relatif et propose quelques réflexions sur le son numérique et la fragmentation de l'offre de programmes, notamment les émissions dites «de libre antenne», les programmes nocturnes, et les radios communautaires.Historical factors are behind the relative lack of research into radio in the field (...) of the young information and communication sciences despite radio’s very popular audience. The paper explores the cause of this deficit, compared with TV studies, and shows that the difficulties faced by those carrying out such research into radio are in themselves opportunities for better analysis of media phenomena. (shrink)

Tout être vivant inscrit son activité dans l'espace. Environnements proches accessibles à notre vue, environnements lointains, villes, continents... Nous explorons l'espace en le traversant, mais aussi en écoutant les descriptions qui nous en sont faites, en étudiant cartes, atlas ou supports numériques. Nous mémorisons des itinéraires, nous comparons des distances, nous retrouvons notre point de départ après un long trajet. Nos capacités de raisonnement nous permettent d'imaginer des raccourcis, de créer de nouveaux parcours, en un mot, de manifester notre adaptation (...) à l'environnement. Les technologies numériques étendent cette capacité en offrant à l'individu de nouvelles formes d'assistance au déplacement. Ces dispositifs sont particulièrement utiles pour les personnes souffrant de déficits visuels ou encore d'atteintes neurologiques spécifiques. Quelles capacités mentales l'individu doit-il mobiliser lorsqu'il est confronté à l'espace? Quelles fonctions cérébrales met-il en oeuvre? La psychologie et les neurosciences jouent un rôle primordial pour répondre à ces questions, comme en témoignent plusieurs chapitres de ce livre. Mais un ouvrage consacré à l'espace doit aussi donner leur place à d'autres disciplines concernées par la question : la géométrie, la géographie, l'urbanisme, l'architecture, la peinture, le cinéma, etc. Les sciences du langage participent elles aussi à ce concert scientifique, lorsqu'elles analysent la manière dont l'art littéraire est mis au service de la description de l'espace. Enfin, les systèmes d'aide à la navigation, la robotique, la réalité virtuelle constituent des domaines privilégiés d'application des connaissances touchant à la représentation de l'espace. L'Espace est donc au carrefour de nombreuses disciplines. Pour la première fois, un ouvrage de synthèse révèle la manière dont chacune apporte son éclairage à la compréhension des conduites de l'être humain au sein de son environnement. (shrink)

L'idée du cinéma comme " septième art ", Art total, synthèse des autres Arts, trouve son origine et ne se comprend vraiment que par rapport à la philosophie kantienne de l'Art. Cela peut sembler étonnant, mais c'est ce que fait apparaître de façon frappante, sur plusieurs points importants, l'étude du cinéma et de la manière dont les grands cinéastes et théoriciens se le sont eux-mêmes souvent représenté. La dimension philosophique, voire proprement métaphysique du cinéma, même du cinéma le plus simple (...) et le plus modeste, est en même temps liée à ce qui fait que le cinéma est un Art qui plaît tant populairement. Il y a là de quoi soupçonner ou entrevoir l'importance culturelle, sociale, morale et politique, peut-être, du cinéma le plus artistique. Il n'est pas nécessaire d'être spécialiste de philosophie pour lire l'ouvrage : tout ce qui est proprement philosophique y est expliqué simplement. Jean-Yves Chateau y montre à quelles conditions le cinéma peut être un Art, où se révèle avec une singulière clarté l'essence même de l'Art. En lui, sous des formes diverses, il y va toujours du monde lui-même et de la possibilité d'en faire un monde commun. (shrink)

Les années 1960 furent le théâtre de l'un des épisodes les plus brillants de l'histoire de la pensée philosophique en France. Elles s'ouvrirent sur le triomphe public du structuralisme, avec La Pensée sauvage de Lévi-Strauss, se continuèrent par le renouvellement du marxisme proposé par Althusser et de la psychanalyse par Lacan, et s'achevèrent avec une série d'oeuvres comme celles de Foucault, Deleuze, Derrida et Lyotard, qui ont décidé du visage de la philosophie contemporaine. L'héritage de cette période a néanmoins été (...) difficile, suscitant tantôt une fascination mimétique, tantôt un rejet caricatural. Depuis quelques années, les auteurs qui l'ont marquée font individuellement l'objet d'une réception savante plus mesurée et plus profonde, au risque cependant de perdre la dimension collective et transversale qui la caractérisait. Le but de cet ouvrage est de réunir certains des meilleurs spécialistes pour prendre toute la mesure de ce qui a constitué, par son intensité et son ampleur, un "moment philosophique" exceptionnel. Il offre à la fois une traversée de quatre dimensions transversales et une relecture de quatre livres singuliers : La Pensée sauvage de Lévi-Strauss, Lire Le Capital et Pour Marx d'Althusser, les livres de Derrida autour de De la grammatologie, et Discours, Figure de Lyotard. Traversant aussi bien les mathématiques de Bourbaki que la linguistique structurale, l'anthropologie de Lévi-Strauss que la psychanalyse freudienne, le marxisme d'Althusser que celui d'Adorno, le théâtre de Brecht que le cinéma de Godard, ce livre invite à redécouvrir ce moment non pas comme un objet historique à circonscrire, mais comme un mouvement ouvert où se sont décidées certaines des tâches qui nous incombent encore, aujourd'hui. (shrink)

Profondeur et temps chez Merleau-Ponty et DeleuzeDans une note en bas de page de son second livre sur le cinéma, L’imagetemps, Deleuze admet que sa compréhension de la profondeur – qui est l’une desnotions centrales du livre et donc de sa théorie du temps et de sa présentation au cinéma – remonte à Bergson et à Merleau-Ponty. La référence à Bergson n’est pas surprenante étant donné sa dette à son égard, mais celle à Merleau-Ponty mérite une attention particulière car, comme (...) on le sait, les références de Deleuze à Merleau-Ponty sont plutôt rares et généralement négatives.Dans cet article, j’examine la portée de cette référence de Deleuze à Merleau-Ponty. Comment les deux auteurs comprennent-ils la nature temporelle de la profondeur? Dans le cas de Merleau-Ponty, je tente de répondre à cette question en lisant, dans la Phénoménologie de la perception, les passages qui concernent la vision de la profondeur et ceux qui se rapportent au rappel d’un souvenir. La « théorie » deleuzienne de la profondeur, quant à elle, peut être trouvée dans son analyse de la technique cinématographique de la profondeur de champ, présente notamment dans les films d’Orson Welles. J’examine quels caractères de la profondeur de champ en font une “image-temps” et j’analyse sous cet angle Citizen Kane de Welles et Muriel ou le temps d’un retour de Resnais. Les distinctions faites entre ces deux films aident à comprendre les différences qui existent entre les conceptions de la profondeur de Merleau-Ponty etde Deleuze.Profondità e tempo in Merleau-Ponty e DeleuzeIn una nota del suo secondo libro sul cinema, L’immagine-tempo, Deleuze riconosce che la sua comprensione del fenomeno della profondità – una delle nozioni centrali del libro, dunque della sua intera teoria del tempo e della sua presenza nel cinema – può esser fatta risalire a Bergson e Merleau-Ponty. Il primo di questi riferimenti non può sorprendere, dato il debito profondo che Deleuze contrae col pensiero bergsoniano. Il secondo riferimento, quello a Merleau-Ponty, merita particolare attenzione proprio perché, com’è noto, i riferimenti di Deleuze a questo filosofo sono rari e in gran parte critici. In questo articolo mi propongo quindi di esaminare la portata di questo secondo riferimento. In che modo Deleuze e Merleau-Ponty comprendono la natura temporale della profondità? Per quanto riguarda Merleau-Ponty, cercherò di rispondere a questa domanda esaminando tutti quei passaggi di Fenomenologia della percezione in cui è questione della visione in profondità e dello sforzo necessario a richiamare alla memoria un ricordo. La “teoria” deleuziana della profondità può invece essererintracciata nell’analisi che Deleuze propone della profondità di campo nel cinema, in particolare nel cinema di Orson Welles. Cercherò di mostrare come proprio certi caratteri della profondità, facciano sì che immagini di questo genere possano essere definite immagini-tempo; e in questa prospettiva analizzerò Citizen Kane di Welles, e Muriel ou le temps d’un retour di Alain Resnais. Le differenze che sussistono tra i due film potranno d’altra parte contribuire a mettere a fuoco le differenze tra le due maniere in cui Merleau-Ponty e Deleuze rendono conto dei problemi della profondità e del tempo. (shrink)

Profondeur et temps chez Merleau-Ponty et DeleuzeDans une note en bas de page de son second livre sur le cinéma, L’imagetemps, Deleuze admet que sa compréhension de la profondeur – qui est l’une desnotions centrales du livre et donc de sa théorie du temps et de sa présentation au cinéma – remonte à Bergson et à Merleau-Ponty. La référence à Bergson n’est pas surprenante étant donné sa dette à son égard, mais celle à Merleau-Ponty mérite une attention particulière car, comme (...) on le sait, les références de Deleuze à Merleau-Ponty sont plutôt rares et généralement négatives.Dans cet article, j’examine la portée de cette référence de Deleuze à Merleau-Ponty. Comment les deux auteurs comprennent-ils la nature temporelle de la profondeur? Dans le cas de Merleau-Ponty, je tente de répondre à cette question en lisant, dans la Phénoménologie de la perception, les passages qui concernent la vision de la profondeur et ceux qui se rapportent au rappel d’un souvenir. La « théorie » deleuzienne de la profondeur, quant à elle, peut être trouvée dans son analyse de la technique cinématographique de la profondeur de champ, présente notamment dans les films d’Orson Welles. J’examine quels caractères de la profondeur de champ en font une “image-temps” et j’analyse sous cet angle Citizen Kane de Welles et Muriel ou le temps d’un retour de Resnais. Les distinctions faites entre ces deux films aident à comprendre les différences qui existent entre les conceptions de la profondeur de Merleau-Ponty etde Deleuze.Profondità e tempo in Merleau-Ponty e DeleuzeIn una nota del suo secondo libro sul cinema, L’immagine-tempo, Deleuze riconosce che la sua comprensione del fenomeno della profondità – una delle nozioni centrali del libro, dunque della sua intera teoria del tempo e della sua presenza nel cinema – può esser fatta risalire a Bergson e Merleau-Ponty. Il primo di questi riferimenti non può sorprendere, dato il debito profondo che Deleuze contrae col pensiero bergsoniano. Il secondo riferimento, quello a Merleau-Ponty, merita particolare attenzione proprio perché, com’è noto, i riferimenti di Deleuze a questo filosofo sono rari e in gran parte critici. In questo articolo mi propongo quindi di esaminare la portata di questo secondo riferimento. In che modo Deleuze e Merleau-Ponty comprendono la natura temporale della profondità? Per quanto riguarda Merleau-Ponty, cercherò di rispondere a questa domanda esaminando tutti quei passaggi di Fenomenologia della percezione in cui è questione della visione in profondità e dello sforzo necessario a richiamare alla memoria un ricordo. La “teoria” deleuziana della profondità può invece essererintracciata nell’analisi che Deleuze propone della profondità di campo nel cinema, in particolare nel cinema di Orson Welles. Cercherò di mostrare come proprio certi caratteri della profondità, facciano sì che immagini di questo genere possano essere definite immagini-tempo; e in questa prospettiva analizzerò Citizen Kane di Welles, e Muriel ou le temps d’un retour di Alain Resnais. Le differenze che sussistono tra i due film potranno d’altra parte contribuire a mettere a fuoco le differenze tra le due maniere in cui Merleau-Ponty e Deleuze rendono conto dei problemi della profondità e del tempo. (shrink)

Pourquoi intituler cette étude : Deleuze, les mouvements aberrants? C'est que, au premier abord, sa philosophie - et celle construite avec Félix Guattari - se présentent comme une sorte d'encyclopédie de mouvements aberrants. C'est ce qu'il a cherché dans le cinéma, dans la peinture, la littérature, les sciences, dans l'histoire des sociétés, dans la philosophie, et partout. Ainsi par exemple, les déformations des figures de Francis Bacon, les non-sens de Lewis Carroll, les lignes destructrices et créatrices des populations nomades à (...) travers l'histoire, la démence du système capitaliste, les processus schizophréniques qui forment l'inconscient, toutes les forces qui traversent la vie et la pensée. Voilà ce qu'il faut d'abord expliquer : la présence de ces mouvements aberrants Mais on ne peut pas s'en tenir là. La philosophie ne peut pas se contenter de les décrire ou d'en dresser la carte, elle doit rendre raison de ces mouvements. D'où un deuxième aspect, tout aussi important : il faut produire les logiques irrationnelles de ces mouvements aberrants. C'est l'une des grandes nouveautés de l'oeuvre de Deleuze et Guattari : créer de nouvelles logiques, loin des modèles rationnels classiques, mais aussi loin de modèles contemporains, comme le marxisme ou le structuralisme orthodoxes des années 1960-1980. Mais ces logiques n'ont rien d'abstrait, au contraire : ce que veulent faire Deleuze et Guattari, c'est dégager les logiques de tous les modes de peuplements de la terre. Par peuplement, il ne faut pas seulement entendre les populations humaines, mais les populations géologiques, animales, cosmiques ou encore les populations mathématiques, esthétiques, philosophiques qui peuplent la pensée des hommes. Quelle est la logique de tous ces peuplements? Poser une telle question, ce n'est pas seulement demander des explications, mais exiger des justifications. Par exemple, pour le capitalisme : de quel droit se déploie-t-il sur la terre? De quel droit s'approprie-t-il nos cerveaux pour le peupler d'images et de sons? De quel droit asservit-il les corps? Aux logiques que le capitalisme met en oeuvre, ne faut-il pas opposer d'autres logiques, celles justement des mouvements aberrants? Dès lors, la philosophie devient inséparable de combats contre toutes les formes d'organisation - politique, sociale, philosophique, esthétique, scientifique - qui tentent de nier, de conjurer, d'écraser l'existence de ces mouvements aberrants. Ce sont ces questions que cette étude examine, en proposant une traversée de toute la philosophie de Deleuze. (shrink)

"À une époque où la cinéphilie n'est plus qu'une paraphilie parmi les autres, aussi estimable et inoffensive qu'une autre, en un temps où la sédition installée tient lieu d'horizon, il y a sans doute quelque naïveté à prétendre se démarquer de la modernité en se réclamant d'une "cinéphilie dissidente". Pourtant sous l'insurrection permanente, des règles intangibles et des principes incontestables demeurent, qu'il est nécessaire d'enfreindre. Derrière l'équivalence des opinions et la relativité des goûts, de nouvelles hiérarchies se sont bâties, qu'il (...) importe de renverser. Cette attitude d'opposition serait à son tour éminemment moderne s'il ne s'agissait par ce refus, de promouvoir une autre attention aux faits, une autre rapport à autrui, que ceux que notre époque favorise. Lorsque nous aurons admis que le cinéma moderne nous a dépossédés de nos mots, en y substituant les siens, qui décrivent de mille feux ce qui s'éteint, lorsque nous aurons saisi que nous ne parlons qu'en son non, ne répétons que ses désordres, ne prions que ses décalogues rafraîchis, nous aurons alors tout le temps de regretter notre silence. Dans ces conditions, c'est bien par l'écriture qu'il s'agit d'instaurer une relation cette fois intempestive avec l'image cinématographique. À travers le prisme de plus de deux cents films, mêlant la critique cinématographique et le journal intime, l'analyse et l'aphorisme, cet essai se propose de résister à la cinéphilie officielle, absolument indolore, qui n'est plus qu'une technique parmi d'autres d'embrigadement. Sous la forme d'abécédaire, de A comme Artifices à Z comme Zombies, en passant par l'Enfance, la Honte, le Messie, les Nazis ou la Pornocratie, il n'est autre qu'une tentat. (shrink)

L'objet absolument singulier est incapable de décliner son identité, puisqu'il n'est rien qui lui soit identique : il est à la fois unique et étrange, et pour la même raison. Tel est le monde dans son ensemble : " un être unilatéral dont le complément en miroir n'existe pas " (Ernst Mach). Et telle est la réalité en général, composée d'objets singuliers, ensemble indéterminé d'objets non identifiables. Objets proprement indescriptibles, mais d'autant plus évocateurs du réel que la description en est (...) plus malaisée. Ainsi, par exemple, les objets du rire, de la terreur, du désir, du cinéma, de la musique donnent-ils lieu à d'étranges et exemplaires appréhensions du réel. (shrink)

L'auteur interprète ce que Cavell a écrit sur les conférences d'Austin sur les actes de langage, en attribuant à ces récents essais la même portée subversive radicale que celle que Cavell lui-même découvre dans Quand dire, c'est faire. Il montre ensuite comment la notion cavellienne d'énoncé passionnel clarifie son idée d'une « flexible inflexibilité » dans nos façons humaines de faire des choses avec des mots, et ainsi révèle un fil directeur dans son œuvre, dans des champs aussi divers que (...) le cinéma ou le perfectionnisme moral. (shrink)

Miroir, miroir de mes désirsAu seuil de la réversibilité, la libido ardente des imagesEn parcourant les perspectives de Lacan, Merleau-Ponty et Deleuze, je me propose de montrer comment l’image – une image dont le rôle, depuis Platon, a été réduit par la métaphysique occidentale à celui de simple copie – rend possible une pensée nouvelle non dualiste, une pensée ouverte par le désir, c’est-à-dire par ce qui dépasse tout dualisme simpliste et qui trouve dans l’image sa voie privilégiée.L’image du miroir (...) – considérée par le platonisme comme le simulacre par excellence, comme l’emblème de la copie déformante et trompeuse d’un modèle originaire harmonieux – donne à voir bien plus qu’elle ne nous montre : comme Lacan le remarquait dans son célèbre essai de 1949, devant le miroir, nous nous découvrons, comme les enfants, sujets du monde, mais aussi, inévitablement, sujets au monde. Le «je» – dont nous sommes in-formés par l’image du miroir – s’abîme, par cette même image, dans les l’inquiétante étrangété de l’autre, et par suite dans les gorges insondables de son désir. Si l’image du miroir nous permet d’embrasser la totalité de notre corps et d’apprécier en un regard notre statut de sujet, ce regard nous est toutefois restitué – aveugle et insistant – sous la forme d’un objet partiel qui nous interpelle comme sujets désubjectivés, comme sujets castrés, ou encore comme simples « taches » dans lapeinture du monde. L’image fixée par l’enfant dans le miroir fonde, paradoxalement, l’idée traditionnelle du sujet comme pôle dynamique de la relation je-monde. Comme le remarque Slavoj Žižek, en commentant Lacan, la capacité dynamique du sujet se fonde en somme sur une fixation excessive de l’image du sujet lui-même, fixation qui trouve son origine absente dans le regard entendu comme objet a, c’est-à-dire comme point aveugle de la conscience, lieu d’acquisition et de perte qui, par la castration du sujet, ouvre la plaie libidineuse et pulsionnelle de l’inconscient et renverse par là le désir de l’homme en désir de l’autre, comme le rappelle une célèbre formule de Lacan.Longtemps considérées comme porteuses d’illusions, comme l’illusion en tant que telle, les images nous montrent en fait la vérité de cette illusion : le monde est déformation et réversibilité, et nous-mêmes, prétendus sujets faisant face à son tableau inerte, n’en sommes que des taches. Au cours des mêmes années durant lesquelles Lacan élabore une théorie du regard, Merleau-Ponty, son interlocuteur direct – qui se réfère lui aussi au comportement de l’enfant devant le miroir – réfléchit sur la question du « en-être », c’est-à-dire de la réversibilité de la chair, ce tissu de différences qui nous constitue – les animaux et les choses – comme autant de plis d’un horizon commun. Pour Merleau-Ponty comme pour Lacan, dans une telle perspective, le sujet ne se défi nit pas positivement, mais comme écart par rapport à lui-même, comme coupure dans la peau de la conscience, comme plaie ouverte sur l’inconscient et sur le désir qui en jaillit abondamment. Ainsi, voir dans le miroir que, comme disait le poète, « je est un autre », implique que l’image soit libérée de son statut dévalorisant de « seconde chose » hérité du platonisme. Cela inaugure, en fait, une pensée sans dualisme. Gilles Deleuze travaillera lui aussi dans ce sens, lorsqu’il théorisera un renversement du platonisme à partir des images, dans son essai de 1966 Renverser le platonisme.Historiquement, le commencement de la philosophie a coïncidé avec la recherche d’une origine, d’une archè. Mais un monde où les relations nées du désir tracent des itinéraires imprévisibles, où le je et l’autre ne se distinguent plus, où sujet et objet ne connaissent plus de frontière, où la copie cesse de présupposer le modèle, un monde ainsi fait, a-t-il encore une origine accessible? Confronté à cette question essentielle, Merleau-Ponty théorisera – une fois encore à partir de la vision –, au lieu d’une origine en soi préétablie, un originaire en perpétuelle explosion. De son côté, Deleuze élaborera quelque chose d’analogue, à partir de la réflexion sur le cinéma qui l’occupera dans les années 1980 : il « encapsulera » les extases temporelles dans une image-miroir, une concrétion cristalline à plusieurs facettes où le monde se différencie sans cesse, dans un éternel retour.Mirror, Mirror of my DesiresOn the Threshold of Reversibility, the libidic Passion of ImagesIn a journey through the perspectives of Lacan, Merleau-Ponty and Deleuze, I shall show how images – the images that from Plato on have been relegated by Western metaphysics to the role of mere copies – allow us to trace the direction of a new and non-dualistic thought, a direction opened up by desire, that is to say, by something exceeding any simplistic dualism and fi nding precisely in images its privileged channel.The specular image – conceived by Platonism as the simulacrum par excellence, as the emblem of the deforming, deceiving copy of a harmonious preliminarymodel – makes us see more than it actually shows: as Lacan remarked in a renowned essay published in 1949, since childhood, in front of the mirror, we discover ourselves as subjects of the world, but also – and inevitably – as subjected to the world. The ego – of which we are in-formed by the specular image – is turned, through that very image, into the obscure, uncanny chasm of the other, and, consequently, in the unfathomable vortex of the other’s desire. Indeed, if in the mirror we can embrace the whole of our body and catch with a single gaze its status of subject, by the mirror that very gaze is however returned – blind and insistent – as a partial object summoning us as desubjectivized subjects, as castrated subjects, namely, as mere “stains” in the picture of the world. Quite paradoxically, the image fixed by the child in the mirror founds the traditional idea of the subject conceived as the dinamic pole of the relation between the ego and the world. In short, as Slavoj Žižek remarks commenting on Lacan, the dinamic capability of the subject is grounded on an excessive fixation of the image of the subject itself, fixation which finds its absent origin in the gaze meant as object a, namely, meant as that blind point of consciousness, that point of acquisition and loss which, by castrating the subject, opens the acies of the libidically throbbing wound of the unconscious and turns, to borrow a renowed Lacanian expression, man’s desire into the other’s desire.For long considered to herald illusions, images show us the truth of illusion itself: the world is deformation and reversibility and we – presumed subjects in front of its inert picture – are, on the contrary, its “stains.” In the same years in which Lacan was elaborating a theory of gaze, Merleau-Ponty, who was then a direct interlocutor of his, was articulating – by referring, as Lacan did, to the child’s behaviour in front of the mirror – a series of important reflections over the problem of the en-être, that is to say, over the problem of the reversibility of flesh, i. e., that differential fabric constituting us – animals and things – as variegated gatherings of a common horizon. For Merleau-Ponty, as well as for Lacan, according to such a perspective, the subject, far from being defined in a positive way, is defined by a gap in relation with its own self, that is to say, by a cut in the skin of consciousness, by a wound opening to the unconscious and to the desire spurting abundantly from the subconscious.To see in the mirror that, as the poet said, “I am an Other,” is to free images from the status of “second things” with which Platonism had dismissed them; it is, in other words, to inaugurate a non-dualistic thought. For his part, Deleuze will also engage in the same direction by theorizing a reversing of Platonism from the very standpoint of images in his 1966 essay Renverser le platonisme.The beginning of philosophy has historically matched with the search for an origin, namely, an arké. But in a world in which the relations inaugurated by desire trace unpredictable itineraries, in a world in which the ego and the other can no longer be distinguished, in a world in which the subject and the object know no more boundary lines, in a world in which model and copy cease to exist as the presupposition of one another, in such a world, I said, is it still possible to find an origin? By measuring himself with such a crucial question, Merleau-Ponty will theorize – once again from the standpoint of vision – an “originating in perennial explosion” instead of a narrow, pregiven origin. For his part, Deleuze will elaborate something similar in his reflection on cinema, which will keep him busy in the first half of the eighties, by capsulating the temporal dimensions in a mirror-image, i. e., a crystalline concretion in whose facets the world perennially becomes in an eternal differential return. (shrink)

Les fractures du temps laissent-elles paraître la durée? Face à l'impossible " omnitemporalité ", l'expérience de la durée. Le geste créateur, l'idée instantanée ou la satisfaction inspirée des artistes interrogent notre lien charnel au monde, qui oscille entre l'abandon au temps morcelé et des synthèses imaginaires. Quand Vénus exauce le désir de Pygmalion, le sculpteur, de voir sa création accéder à la vie, le poète atteste son rêve d'incarnation. Des paradoxes de la physique à la musique répétitive, du cinéma documentaire (...) à la poésie de Michaux, de la synthèse autobiographique de Paul Valéry ou des réflexions de Merleau-Ponty sur l'intersensorialité aux méditations de Heidegger, ces esquisses indiquent les modalités contemporaines de notre présence au monde, dont le cinéma de Wim Wenders ou l'œuvre de Georges Perec portent particulièrement la marque. La sensibilité n'est qu'un autre mot pour dire notre présence au monde. Cet ouvrage approche l'expérience de la durée à travers diverses expressions où s'entrelacent l'attente et l'oubli, le rêve et le récit. Ce souci anime l'action des commissaires d'exposition et des artistes d'aujourd'hui. (shrink)

Agnès Varda, Coline Serreau, Nelly Kaplan, trois noms parmi des dizaines qui illustrent chacun à leur manière une nouvelle façon de faire du cinéma : même si la carrière de la première est antérieure à mai 68, son nom comme celui des autres est lié à ce qu’on appellera dans les années 1970 le « cinéma des femmes ». Cet article propose une interrogation sur ce cinéma au féminin, afin d’envisager à la fois le contexte particulier dans lequel il émerge, (...) les problématiques qu’il soulève, et ce en quoi il va renouveler un cinéma français jusqu’alors ultra masculinisé. Il analyse également quelques films-clés d’après mai 1968. Cette décennie amorce un processus de féminisation du cinéma. Elle a aussi et surtout le mérite d’apporter des alternatives à la représentation dominante des sexes et des rapports de sexe à l’écran, et de donner une voix à des personnages féminins différents. (shrink)

L’auteur interprète ce que Cavell a écrit sur les conférences d’Austin sur les actes de langage, en attribuant à ces récents essais la même portée subversive radicale que celle que Cavell lui-même découvre dans Quand dire, c’est faire. Il montre ensuite comment la notion cavellienne d’énoncé passionnel clarifie son idée d’une « flexible inflexibilité » dans nos façons humaines de faire des choses avec des mots, et ainsi révèle un fil directeur dans son œuvre, dans des champs aussi divers que (...) le cinéma ou le perfectionnisme moral. (shrink)

Miroir, miroir de mes désirsAu seuil de la réversibilité, la libido ardente des imagesEn parcourant les perspectives de Lacan, Merleau-Ponty et Deleuze, je me propose de montrer comment l’image – une image dont le rôle, depuis Platon, a été réduit par la métaphysique occidentale à celui de simple copie – rend possible une pensée nouvelle non dualiste, une pensée ouverte par le désir, c’est-à-dire par ce qui dépasse tout dualisme simpliste et qui trouve dans l’image sa voie privilégiée.L’image du miroir (...) – considérée par le platonisme comme le simulacre par excellence, comme l’emblème de la copie déformante et trompeuse d’un modèle originaire harmonieux – donne à voir bien plus qu’elle ne nous montre : comme Lacan le remarquait dans son célèbre essai de 1949, devant le miroir, nous nous découvrons, comme les enfants, sujets du monde, mais aussi, inévitablement, sujets au monde. Le «je» – dont nous sommes in-formés par l’image du miroir – s’abîme, par cette même image, dans les l’inquiétante étrangété de l’autre, et par suite dans les gorges insondables de son désir. Si l’image du miroir nous permet d’embrasser la totalité de notre corps et d’apprécier en un regard notre statut de sujet, ce regard nous est toutefois restitué – aveugle et insistant – sous la forme d’un objet partiel (objet a) qui nous interpelle comme sujets désubjectivés, comme sujets castrés, ou encore comme simples « taches » dans lapeinture du monde. L’image fixée par l’enfant dans le miroir fonde, paradoxalement, l’idée traditionnelle du sujet comme pôle dynamique de la relation je-monde. Comme le remarque Slavoj Žižek, en commentant Lacan, la capacité dynamique du sujet se fonde en somme sur une fixation excessive de l’image du sujet lui-même, fixation qui trouve son origine absente dans le regard entendu comme objet a, c’est-à-dire comme point aveugle de la conscience, lieu d’acquisition et de perte qui, par la castration du sujet, ouvre la plaie libidineuse et pulsionnelle de l’inconscient et renverse par là le désir de l’homme en désir de l’autre, comme le rappelle une célèbre formule de Lacan.Longtemps considérées comme porteuses d’illusions, comme l’illusion en tant que telle, les images nous montrent en fait la vérité de cette illusion : le monde est déformation et réversibilité, et nous-mêmes, prétendus sujets faisant face à son tableau inerte, n’en sommes que des taches. Au cours des mêmes années durant lesquelles Lacan élabore une théorie du regard, Merleau-Ponty, son interlocuteur direct – qui se réfère lui aussi au comportement de l’enfant devant le miroir – réfléchit sur la question du « en-être », c’est-à-dire de la réversibilité de la chair, ce tissu de différences qui nous constitue – les animaux et les choses – comme autant de plis d’un horizon commun. Pour Merleau-Ponty comme pour Lacan, dans une telle perspective, le sujet ne se défi nit pas positivement, mais comme écart par rapport à lui-même, comme coupure dans la peau de la conscience, comme plaie ouverte sur l’inconscient et sur le désir qui en jaillit abondamment. Ainsi, voir dans le miroir que, comme disait le poète, « je est un autre », implique que l’image soit libérée de son statut dévalorisant de « seconde chose » hérité du platonisme. Cela inaugure, en fait, une pensée sans dualisme. Gilles Deleuze travaillera lui aussi dans ce sens, lorsqu’il théorisera un renversement du platonisme à partir des images, dans son essai de 1966 Renverser le platonisme.Historiquement, le commencement de la philosophie a coïncidé avec la recherche d’une origine, d’une archè. Mais un monde où les relations nées du désir tracent des itinéraires imprévisibles, où le je et l’autre ne se distinguent plus, où sujet et objet ne connaissent plus de frontière, où la copie cesse de présupposer le modèle, un monde ainsi fait, a-t-il encore une origine accessible? Confronté à cette question essentielle, Merleau-Ponty théorisera – une fois encore à partir de la vision –, au lieu d’une origine en soi préétablie, un originaire en perpétuelle explosion. De son côté, Deleuze élaborera quelque chose d’analogue, à partir de la réflexion sur le cinéma qui l’occupera dans les années 1980 : il « encapsulera » les extases temporelles dans une image-miroir, une concrétion cristalline à plusieurs facettes où le monde se différencie sans cesse, dans un éternel retour.Mirror, Mirror of my DesiresOn the Threshold of Reversibility, the libidic Passion of ImagesIn a journey through the perspectives of Lacan, Merleau-Ponty and Deleuze, I shall show how images – the images that from Plato on have been relegated by Western metaphysics to the role of mere copies – allow us to trace the direction of a new and non-dualistic thought, a direction opened up by desire, that is to say, by something exceeding any simplistic dualism and fi nding precisely in images its privileged channel.The specular image – conceived by Platonism as the simulacrum par excellence, as the emblem of the deforming, deceiving copy of a harmonious preliminarymodel – makes us see more than it actually shows: as Lacan remarked in a renowned essay published in 1949, since childhood, in front of the mirror, we discover ourselves as subjects of the world, but also – and inevitably – as subjected to the world. The ego – of which we are in-formed by the specular image – is turned, through that very image, into the obscure, uncanny chasm of the other, and, consequently, in the unfathomable vortex of the other’s desire. Indeed, if in the mirror we can embrace the whole of our body and catch with a single gaze its status of subject, by the mirror that very gaze is however returned – blind and insistent – as a partial object (objet a) summoning us as desubjectivized subjects, as castrated subjects ($), namely, as mere “stains” in the picture of the world. Quite paradoxically, the image fixed by the child in the mirror founds the traditional idea of the subject conceived as the dinamic pole of the relation between the ego and the world. In short, as Slavoj Žižek remarks commenting on Lacan, the dinamic capability of the subject is grounded on an excessive fixation of the image of the subject itself, fixation which finds its absent origin in the gaze meant as object a, namely, meant as that blind point of consciousness, that point of acquisition and loss which, by castrating the subject, opens the acies of the libidically throbbing wound of the unconscious and turns, to borrow a renowed Lacanian expression, man’s desire into the other’s desire.For long considered to herald illusions, images show us the truth of illusion itself: the world is deformation and reversibility and we – presumed subjects in front of its inert picture – are, on the contrary, its “stains.” In the same years in which Lacan was elaborating a theory of gaze, Merleau-Ponty, who was then a direct interlocutor of his, was articulating – by referring, as Lacan did, to the child’s behaviour in front of the mirror – a series of important reflections over the problem of the en-être, that is to say, over the problem of the reversibility of flesh, i. e., that differential fabric constituting us – animals and things – as variegated gatherings of a common horizon. For Merleau-Ponty, as well as for Lacan, according to such a perspective, the subject, far from being defined in a positive way, is defined by a gap in relation with its own self, that is to say, by a cut in the skin of consciousness, by a wound opening to the unconscious and to the desire spurting abundantly from the subconscious.To see in the mirror that, as the poet said, “I am an Other,” is to free images from the status of “second things” with which Platonism had dismissed them; it is, in other words, to inaugurate a non-dualistic thought. For his part, Deleuze will also engage in the same direction by theorizing a reversing of Platonism from the very standpoint of images in his 1966 essay Renverser le platonisme.The beginning of philosophy has historically matched with the search for an origin, namely, an arké. But in a world in which the relations inaugurated by desire trace unpredictable itineraries, in a world in which the ego and the other can no longer be distinguished, in a world in which the subject and the object know no more boundary lines, in a world in which model and copy cease to exist as the presupposition of one another, in such a world, I said, is it still possible to find an origin? By measuring himself with such a crucial question, Merleau-Ponty will theorize – once again from the standpoint of vision – an “originating in perennial explosion” instead of a narrow, pregiven origin. For his part, Deleuze will elaborate something similar (similar in a Deleuzian way, of course, that is to say, similar from the standpoint of a basic difference) in his reflection on cinema, which will keep him busy in the first half of the eighties, by capsulating the temporal dimensions in a mirror-image, i. e., a crystalline concretion in whose facets the world perennially becomes in an eternal differential return. (shrink)

Miroir, miroir de mes désirsAu seuil de la réversibilité, la libido ardente des imagesEn parcourant les perspectives de Lacan, Merleau-Ponty et Deleuze, je me propose de montrer comment l’image – une image dont le rôle, depuis Platon, a été réduit par la métaphysique occidentale à celui de simple copie – rend possible une pensée nouvelle non dualiste, une pensée ouverte par le désir, c’est-à-dire par ce qui dépasse tout dualisme simpliste et qui trouve dans l’image sa voie privilégiée.L’image du miroir (...) – considérée par le platonisme comme le simulacre par excellence, comme l’emblème de la copie déformante et trompeuse d’un modèle originaire harmonieux – donne à voir bien plus qu’elle ne nous montre : comme Lacan le remarquait dans son célèbre essai de 1949, devant le miroir, nous nous découvrons, comme les enfants, sujets du monde, mais aussi, inévitablement, sujets au monde. Le «je» – dont nous sommes in-formés par l’image du miroir – s’abîme, par cette même image, dans les l’inquiétante étrangété de l’autre, et par suite dans les gorges insondables de son désir. Si l’image du miroir nous permet d’embrasser la totalité de notre corps et d’apprécier en un regard notre statut de sujet, ce regard nous est toutefois restitué – aveugle et insistant – sous la forme d’un objet partiel (objet a) qui nous interpelle comme sujets désubjectivés, comme sujets castrés, ou encore comme simples « taches » dans lapeinture du monde. L’image fixée par l’enfant dans le miroir fonde, paradoxalement, l’idée traditionnelle du sujet comme pôle dynamique de la relation je-monde. Comme le remarque Slavoj Žižek, en commentant Lacan, la capacité dynamique du sujet se fonde en somme sur une fixation excessive de l’image du sujet lui-même, fixation qui trouve son origine absente dans le regard entendu comme objet a, c’est-à-dire comme point aveugle de la conscience, lieu d’acquisition et de perte qui, par la castration du sujet, ouvre la plaie libidineuse et pulsionnelle de l’inconscient et renverse par là le désir de l’homme en désir de l’autre, comme le rappelle une célèbre formule de Lacan.Longtemps considérées comme porteuses d’illusions, comme l’illusion en tant que telle, les images nous montrent en fait la vérité de cette illusion : le monde est déformation et réversibilité, et nous-mêmes, prétendus sujets faisant face à son tableau inerte, n’en sommes que des taches. Au cours des mêmes années durant lesquelles Lacan élabore une théorie du regard, Merleau-Ponty, son interlocuteur direct – qui se réfère lui aussi au comportement de l’enfant devant le miroir – réfléchit sur la question du « en-être », c’est-à-dire de la réversibilité de la chair, ce tissu de différences qui nous constitue – les animaux et les choses – comme autant de plis d’un horizon commun. Pour Merleau-Ponty comme pour Lacan, dans une telle perspective, le sujet ne se défi nit pas positivement, mais comme écart par rapport à lui-même, comme coupure dans la peau de la conscience, comme plaie ouverte sur l’inconscient et sur le désir qui en jaillit abondamment. Ainsi, voir dans le miroir que, comme disait le poète, « je est un autre », implique que l’image soit libérée de son statut dévalorisant de « seconde chose » hérité du platonisme. Cela inaugure, en fait, une pensée sans dualisme. Gilles Deleuze travaillera lui aussi dans ce sens, lorsqu’il théorisera un renversement du platonisme à partir des images, dans son essai de 1966 Renverser le platonisme.Historiquement, le commencement de la philosophie a coïncidé avec la recherche d’une origine, d’une archè. Mais un monde où les relations nées du désir tracent des itinéraires imprévisibles, où le je et l’autre ne se distinguent plus, où sujet et objet ne connaissent plus de frontière, où la copie cesse de présupposer le modèle, un monde ainsi fait, a-t-il encore une origine accessible? Confronté à cette question essentielle, Merleau-Ponty théorisera – une fois encore à partir de la vision –, au lieu d’une origine en soi préétablie, un originaire en perpétuelle explosion. De son côté, Deleuze élaborera quelque chose d’analogue, à partir de la réflexion sur le cinéma qui l’occupera dans les années 1980 : il « encapsulera » les extases temporelles dans une image-miroir, une concrétion cristalline à plusieurs facettes où le monde se différencie sans cesse, dans un éternel retour.Mirror, Mirror of my DesiresOn the Threshold of Reversibility, the libidic Passion of ImagesIn a journey through the perspectives of Lacan, Merleau-Ponty and Deleuze, I shall show how images – the images that from Plato on have been relegated by Western metaphysics to the role of mere copies – allow us to trace the direction of a new and non-dualistic thought, a direction opened up by desire, that is to say, by something exceeding any simplistic dualism and fi nding precisely in images its privileged channel.The specular image – conceived by Platonism as the simulacrum par excellence, as the emblem of the deforming, deceiving copy of a harmonious preliminarymodel – makes us see more than it actually shows: as Lacan remarked in a renowned essay published in 1949, since childhood, in front of the mirror, we discover ourselves as subjects of the world, but also – and inevitably – as subjected to the world. The ego – of which we are in-formed by the specular image – is turned, through that very image, into the obscure, uncanny chasm of the other, and, consequently, in the unfathomable vortex of the other’s desire. Indeed, if in the mirror we can embrace the whole of our body and catch with a single gaze its status of subject, by the mirror that very gaze is however returned – blind and insistent – as a partial object (objet a) summoning us as desubjectivized subjects, as castrated subjects ($), namely, as mere “stains” in the picture of the world. Quite paradoxically, the image fixed by the child in the mirror founds the traditional idea of the subject conceived as the dinamic pole of the relation between the ego and the world. In short, as Slavoj Žižek remarks commenting on Lacan, the dinamic capability of the subject is grounded on an excessive fixation of the image of the subject itself, fixation which finds its absent origin in the gaze meant as object a, namely, meant as that blind point of consciousness, that point of acquisition and loss which, by castrating the subject, opens the acies of the libidically throbbing wound of the unconscious and turns, to borrow a renowed Lacanian expression, man’s desire into the other’s desire.For long considered to herald illusions, images show us the truth of illusion itself: the world is deformation and reversibility and we – presumed subjects in front of its inert picture – are, on the contrary, its “stains.” In the same years in which Lacan was elaborating a theory of gaze, Merleau-Ponty, who was then a direct interlocutor of his, was articulating – by referring, as Lacan did, to the child’s behaviour in front of the mirror – a series of important reflections over the problem of the en-être, that is to say, over the problem of the reversibility of flesh, i. e., that differential fabric constituting us – animals and things – as variegated gatherings of a common horizon. For Merleau-Ponty, as well as for Lacan, according to such a perspective, the subject, far from being defined in a positive way, is defined by a gap in relation with its own self, that is to say, by a cut in the skin of consciousness, by a wound opening to the unconscious and to the desire spurting abundantly from the subconscious.To see in the mirror that, as the poet said, “I am an Other,” is to free images from the status of “second things” with which Platonism had dismissed them; it is, in other words, to inaugurate a non-dualistic thought. For his part, Deleuze will also engage in the same direction by theorizing a reversing of Platonism from the very standpoint of images in his 1966 essay Renverser le platonisme.The beginning of philosophy has historically matched with the search for an origin, namely, an arké. But in a world in which the relations inaugurated by desire trace unpredictable itineraries, in a world in which the ego and the other can no longer be distinguished, in a world in which the subject and the object know no more boundary lines, in a world in which model and copy cease to exist as the presupposition of one another, in such a world, I said, is it still possible to find an origin? By measuring himself with such a crucial question, Merleau-Ponty will theorize – once again from the standpoint of vision – an “originating in perennial explosion” instead of a narrow, pregiven origin. For his part, Deleuze will elaborate something similar (similar in a Deleuzian way, of course, that is to say, similar from the standpoint of a basic difference) in his reflection on cinema, which will keep him busy in the first half of the eighties, by capsulating the temporal dimensions in a mirror-image, i. e., a crystalline concretion in whose facets the world perennially becomes in an eternal differential return. (shrink)

English summary: This book centers on paradoxical identities highlighted in literature and film. The underlying idea is that all identities are divided between the life and death aspects of our existence. Reading identities against the grain helps us to better understand this conflict that often goes unseen. French description: L'interrogation Qui suis-je? fait de l'identite une question. Sa conjugaison sous la forme Lequel suis-je? suggere la possibilite d'une identite plurielle. Ce livre est consacre aux identites paradoxales, telles que nous les (...) presentent la litterature et la psychopathologie. Marlene Zarader a partir d'exemples tires de la litterature et du cinema repense la question de l'identite personnelle. L'hypothese est que le clivage mis en lumiere par les identites divisees traverse souterrainement toute identite - meme s'il s'y trouve surmonte. Et qu'il trouve son origine dans un conflit entre deux dimensions de l'existence: l'une qui nous porte vers la vie, l'autre qui nous en detourne et aspire a la mort. Ce combat caracteristique de l'existence est le plus souvent meconnu. Il peut pourtant etre reconnu si l'on porte attention aux traces qu'il laisse. Or c'est dans le champ de l'identite que ces traces sont le plus parlantes; et ce sont les identites paradoxales - qui nous constituent tous - qui les font le mieux entendre. (shrink)

Résumé Si la peinture a connu une relative éclipse, du moins dans les discours et, sans doute aussi, du fait d’avoir eu partie liée avec un humanisme ébranlé par le structuralisme (Foucault), on soutient, à l’encontre de ceux qui parlent de son retour, qu’elle n’a cessé de devenir. Il y a beau temps, depuis Hegel, que la peinture a appareillé pour d’autres rivages que ceux des contrées paisibles ou dramatiques où l’homme pouvait se retrouver dans son image, soit qu’elle ait (...) continué de servir de modèle de vérité dans des migrations sur d’autres médiums (cinéma, photographie, vidéo), soit qu’elle se saisisse des forces du dedans et du dehors qui l’assaillent, la déforment et la transforment. (shrink)

De Caligari à Hitler, sous-titré « Une histoire psychologique du cinéma allemand », a longtemps été le texte le plus connu de Siegfried Kracauer. Il passait auprès des amateurs et des cinéphiles pour être l’ouvrage de référence du cinéma expressionniste allemand, et la plupart des anthologies des années 1970 reprennent les pages fortement documentées qu’il consacre au célèbre film de Robert Wiene. Force est de constater qu’il n’en va plus tout à fait ainsi aujourd’hui, après qu’il a été l’objet de (...) critiques assez vives, à l’heure où son livre n’est même plus disponible en français, en France. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:Feminist Studies 42, no. 3. © 2016 by Feminist Studies, Inc. 689 Elizabeth Jean Hornbeck Who’s Afraid of the Big Bad Wolf?: Domestic Violence in The Shining At first glance, Stanley Kubrick’s 1980 film The Shining seems to be a straightforward Gothic horror film. It starts with the Torrance family— Jack, Wendy, and Danny—moving from their Boulder, Colorado, apartment into the Overlook Hotel, where Jack (Jack Nicholson) has accepted (...) a job as the winter caretaker. By the film’s climax, an axe-wielding Jack says to his terrified wife and son (Shelley Duvall and Danny Lloyd), through the door to the bathroom where they are hiding, “Little pigs, little pigs, let me come in. Not by the hair on your chinny chin chin? Then I’ll huff and I’ll puff and I’ll blow your house in!”1 Jack assumes the role of the Big Bad Wolf, the nightmarish, predatory beast of fairy tales. These lines, along with Nicholson’s exaggerated performance as a crazed killer, parody the Gothic horror genre and slasher films and even children ’s fairy tales in what is, at its core, a story about domestic violence. In both Kubrick’s film and Stephen King’s 1977 novel, from which the film was adapted, the Gothic genre becomes a vehicle for a serious tale about violence within the family. The “discovery” of child abuse in the 1960s, “the creation of the wife-beating problem” in the 1970s, and 1. The Shining, directed by Stanley Kubrick (1980; Warner Home Video, 2007), DVD. The line is from the fairytale of The Three Little Pigs. Geoffrey Cocks discusses the sources and ramifications of the fairytale in The Wolf at the Door: Stanley Kubrick, History and the Holocaust (New York: Peter Lang Publishing, Inc., 2004), 33–38. 690 Elizabeth Jean Hornbeck the feminist movement allowed viewers to perceive domestic violence with a new level of understanding.2 It is my contention that The Shining comments on domestic violence in a way that has been mostly overlooked by critics. While most analyses of both the novel and the film have come from literary and cinema studies perspectives, I offer a sociological approach focused on the profound effect of changing social mores on cultural production. I draw also on feminist and queer theorizing of audience identification, gender, and erotic pleasure in horror films to explain the significant contributions made by King, Kubrick, Duvall, and screenwriter Diane Johnson to the film’s intervention in US public discourse about domestic violence.3 The first scholar who argued that Kubrick’s film is essentially a domestic abuse narrative was James Hala, who based his analysis on a close reading of critical reviews of the film and a discussion of the performances, with no reference to its social, political, or historical context.4 But it is important to note that both the novel and the film came at the end of a decade when the recognition of domestic violence as a social problem was still relatively new. Sociologists and the medical and legal professions did not take “wife beating” seriously until the mid-1970s, when the women’s movement brought public attention to spousal abuse.5 2. Kathleen J. Tierney, “The Battered Women Movement and the Creation of the Wife Beating Problem,” Social Problems 29, no. 3 (1982): 207–20; Stephen J. Pfohl, “The ‘Discovery’ of Child Abuse,” Social Problems 24, no. 3 (1977): 310–23. 3. The theoretical works that I have drawn on most heavily are Carol J. Clover, Men, Women, and Chain Saws: Gender in the Modern Horror Film (Princeton, NJ: Princeton University Press, 1992); and David Greven, Representations of Femininity in American Genre Cinema: The Woman’s Film, Film Noir, and Modern Horror (New York: Palgrave Macmillan, 2011). 4. James Hala, “Kubrick’s The Shining: The Specters and the Critics,” in The Shining Reader, ed. Anthony Magistrale (Mercer Island, WA: Starmont House, 1990), 203–16. 5. In 1976, a national survey reported that “at least 1.8 million American women are severely beaten in their own homes every year.” Murray A. Straus, et al., Behind Closed Doors: Violence in the American Family, as cited in “‘The Burning Bed’: TV... (shrink)

Étienne Souriau a classé les Sept arts - dans son livre : La Correspondance des arts, Eléments d'esthétique comparée,1969. - en distinguant entre leurs caractéristiques sensorielles. Chaque classe peut produire un art sur deux niveaux : représentative/abstraite, c'est-à-dire ; sculpture/architecture. dessin/arabesque. peinture représentative/peinture pure. musique dramatique ou descriptive/musique. pantomime/danse. littérature et poésie/prosodie pure. cinéma et lavis photo/éclairage projections lumineuses.

Ce n'est pas le moindre des mérites de la pensée de Gilles Deleuze que de penser l'individuation de l'art sous le signe d'une logique du sensible où esthétique et clinique sont en présuppositions réciproques. En explorant les coupes et les tensions névralgiques qui irriguent cette logique, les études ici réunies trouvent leur commune impulsion dans le souci de remettre en chantier la cartographie deleuzienne des arts, et d'interroger les écarts et les résonances internes qui l'animent. La spécificité de cet ouvrage (...) est de croiser non seulement des lectures d'éminents spécialistes de la philosophie de Gilles Deleuze, venant sonder à nouveaux frais son rapport singulier aux variations du sensible, mais aussi des contributions de théoriciens de la théorie littéraire, de la musique, du cinéma ou encore de l'histoire de l'art, réinterrogeant depuis leur point de vue une pensée de la création dont on ne mesure pas encore pleinement la puissance et la fécondité. (shrink)

La question importante, ici, n’est pas l’intérêt philosophique des séries télévisées mais l’intimité mutuelle des séries et de la philosophie : comment peut-on trouver dans la philosophie le traitement de la forme de sensibilité qui a été formée par le fait de regarder des séries? Pour cela il faut transformer la philosophie, en faire une éducation de soi, comme une autobiographie esthétique. Stanley Cavell prenait son point de départ, dans La Projection du monde (1971), dans le caractère « populaire » (...) du cinéma, en l’articulant à l’intégration du cinéma à la vie ordinaire du spectateur. Ce que Cavell revendiquait du cinéma grand public de Hollywood s’est transféré aux séries télévisées, qui l’ont relayé, sinon remplacé, dans la tâche d’éducation morale et dans la constitution de l’imaginaire des humains. La culture populaire se révèle lieu de « l’éducation des adultes », d’une forme de culture de soi – une subjectivation opérée par la mise en commun, par le partage et le commentaire d’un matériau public, intégré dans la vie ordinaire. (shrink)

Chez Eisenstein on découvre comment dans le cinéma de prise de vues réelles, il est déjà possible de détourner un élément du représenté pour en faire le moyen d’une représentation qui le dépasse au point de lui être étranger, dans la mesure où il sert un propos tout autre que celui de son contexte d’origine. Dans le stop motion la mise en mouvement fondée sur un type de « montage » image par image permet non seulement de réanimer le monde, (...) mais aussi de transfigurer les objets et leur matérialité même. L’adhésion au contenu profilmique ne concerne donc plus uniquement les contenus généraux et narratifs de la représentation (comme le lieu ou la temporalité), mais aussi la matérialité même des objets. (shrink)

L’ouvrage de Delphine Chedaleux, tiré d’une thèse soutenue en 2011, présente bien des attraits. Son auteure propose de revisiter le cinéma des « années noires » à la croisée des stars studies et des études sur les rapports sociaux de genre. Dans le sillage de Noël Burch et de Geneviève Sellier (La Drôle de guerre des sexes du cinéma français, Nathan, 1996), l’auteure exhume des films populaires, délégitimés par la culture dominante, qu’elle érige en observatoires des imaginaires sociaux de la...

Tout le film est toujours une microphysique du pouvoir, en potence, d’être étudier. Aujourd’hui l'augmentation des productions d'horreur et son public ont fait le film d'horreur une «contreculture» dominante, mais toujours sous l'effet négatif du pouvoir et du savoir qui disqualifient les discours, matérialisée dans ces films, ce qui les rend illégitime et exiler en soi espace filmique, transformée en un lieu adapté pour interdite et marquée par certaines pratiques discursives avec certains dispositifs d'exclusion. Paradoxalement, les types marginaux qui apparaissent (...) dans l'ordre de ces productions occupent les positions de sujets à exercer le pouvoir dans l'horreur et dans le même temps le renforcement de leur marginalité et de son objectivation. Ces aspects et les spécificités qui caractérisent les productions d'une part, nous ont amenés à identifier les pratiques de l'objectivation qui transforment corps dans les sujets dans l'horreur; d'autre part, de démontrer que ces films constituent une nouvelle technologie de contrôle social des corps, mais l'objectif principal de cette étude est d'analyser les relations de pouvoir à travers l'antagonisme des stratégies dans ce discours, qui est, pour savoir ce que cela signifie d'avoir un corps libre, nous examinons ce qui se passe sur le corps subjugué dans les films d'horreur, prenant l'archeogenealogie de Foucault comme base théorique. Cette questionhypothèse aurait un autre groupe: d'où pourrait faire une telle histoire? Nous supposons que dans les moments de crise, les films d'horreur ont beaucoup à prouver, donc nous avons opté pour un très similaire à celui qui Foucault a été invité par les experts de la revue Cahiers du cinéma pour discuter des conditions pour les productions cinématographiques comme Le Chagrin et la Pitié (1969), Portier de nuit (1974) et Lacombe Lucien (1974), quand on a regardé le déclin du gaullisme et l’ascention de Valéry Giscard d'Estaing , le vainqueur de la présidentielle de 1974, avec le soutien de l'ancien droit Tardieu et petainistes, anciens alliés de l'occupation du Führer Hitler de la France, entre 1940 à 1943. Maintenant, les conditions de production sont ceux qui marquent la fin des gouvernements socialistes de Mitterrand et Chirac, et le retour au pouvoir de la droite, à l'ascension politique de Nicolas Sarkozy. Au milieu de la crise économique de l'Union Européenne, flotte dans l'air la peur terrifiante de risque que l'arrivée de l'extrême droite au pouvoir. La présence croissante d'immigrants est aussi dans l'ordre d'une nouvelle crise de l'identité française. Ce sont les conditions de production de À l'intérieur, Frontière (s),Martyrs, Ils, La Meute, Captifs et Derrière les murs et, des films qui font partie de notre corpus. À la methodologie, nous développons les trois concepts opérationnels: le dispositif filmique de la mémoire, de la vérité et de l'objectivité pour traiter la mémoire populaire, recodé dans ces films et soi-disant perçu par nous comme l'un des principaux modes de contrôle des corps d’horreur; la notion d’intericonicité est encore utilisée pour indiquer des images qui renvoient à d'autres, mais tout en réalisant que chaque image a dans sa juxtaposition afin de utopies des hétérotopies. Donc, nous avons décidé de donner une nouvelle forme à cette notion, y compris l'utopique juxtaposés à des espaces hétérotopiques, sous l'influence de la discussion faite par Foucault dans le Corps utopique et Les hétérotopies. Keyword:Mémoire. Corps. Pouvoir. Discours politique. Film français d’horreur. (shrink)