Le travail de Christian Marclay, artiste multiforme, improvisateur et performer, explore systématiquement un espace au confluent des arts sonores et visuels (vidéo, photos, installations, sculptures). Comment réfléchir sur le son à travers les objets tangibles et les représentations visuelles qui le réifient ? Comment produire – par une pratique musicale de platiniste notamment – de nouveaux sons et de nouveaux rapports à la musique ? Ce double axe d’interrogation rencontre nécessairement la question de l’instrument. Iconoclasme musical dans (...) la double lignée du mouvement punk et de Fluxus ? Ou /et interrogation sur le fonctionnement de l’instrument dans la pratique vive d’une musique à réinventer ? On voudrait suggérer qu’une telle approche esthétique peut nourrir l’approche ontologique de l’instrument et, en paraphrasant Nelson Goodman, poser la question « quand y a-t-il instrument ? ». (shrink)

Résultat d'une recherche sur les relations étroites entre la radiophonie, les arts plastiques et le cinéma, constituant ainsi une ébauche d'esthétique du son dans les arts visuels.

À travers une vingtaine de contributions de chercheurs et d'artistes, L'art tout contre la machine invite à réfléchir à la médiation de la technique dans notre rapport au monde telles que les pratiques artistiques contemporaines en esquissent le sens. Il se divise en trois parties, qui tissent de nombreux liens entre elles : « Technique et nature » ; « Interfaces relationnelles et dispositifs génératifs » et « Outils conviviaux et machines domestiques ». Les objectifs sont multiples : interroger des (...) œuvres et des procédures artistiques pour leur capacité à mettre en évidence les incidences des dispositifs machiniques sur nos environnements d'existence ; faire apparaître les filiations de dispositifs de création a priori hétérogènes en interrogeant les circulations entre différents régimes de technicité ; mettre en relief enfin la portée politique et artistique d'une compréhension conviviale des outils de création et la spécificité du rapport à la technique qui la sous-tend. (shrink)

L’opéra est un art né sous l’égide de deux idéaux concurrents : l’idéal de la musique grecque et l’idéal de la tragédie grecque. Cette ambiguïté originelle conduit à de fréquents conflits de normes sur le plan théorique, artistique et esthétique. Ce n’est pas la même chose de mettre en scène une œuvre musicale n’ayant qu’une relation analogique au livret représenté sur scène, et de mettre en scène une œuvre pleinement fictionnelle et théâtrale. Les critères d’évaluation d’une bonne interprétation vocale sont (...) eux-mêmes conflictuels : faut-il privilégier des critères strictement musicaux, ou des défauts musicaux sont-ils admis au nom de l’interprétation théâtrale? L’expérience esthétique de l’opéra est sans cesse sur le fil d’une hiérarchie indécise entre le registre visuel et le registre sonore. Sur un plan plus théorique se pose le problème du statut du chant opératique : fait-il partie du médium musical, ou a-t-il un statut fictionnel? (shrink)

Éthique et esthétique étant intimement liées dans les arts chinois, la question de l’authenticité se présente comme une préoccupation centrale, dans la théorie comme dans la pratique, par le passé comme de nos jours. L’aporie dans l’art chinois, notamment en peinture, ne porte pas sur une opposition entre imitation et illusion, comme dans la peinture européenne, mais entre « ressemblance formelle » et « ressemblance spirituelle ». C’est pourquoi l’aspect matériel de l’œuvre, même s’il est pris en compte, apparaît (...) moins fondamental que les valeurs que celle-ci véhicule ou qu’elle est censée véhiculer. L’authenticité porte alors principalement sur ces valeurs, rattachées à l’artiste et au processus créatif, plutôt que sur l’œuvre en tant qu’objet. (shrink)

Une enquête sur le statut et les usages du document sonore dans la musique contemporaine depuis les débuts de la phonographie, par le compositeur et musicologue qui travaille au croisement de la musique électroacoustique, de la composition contemporaine et de l'art sonore.

Cet article explore l’expérience esthétique particulière que nous procurent les promenades sonores. En partant d’une étude d’un cas paradigmatique – les tournées audio Remote X du collectif Rimini Protokoll – et par le biais d’une réflexion sur la perception opérant à partir de Husserl et Merleau-Ponty, je m’intéresse en particulier aux renversements perceptifs qui émaillent le parcours déambulatoire du spectateur ainsi qu’au brouillage entre le réel et l’imaginaire, qu’il éprouve au niveau même de son inscription corporelle dans l’espace. Une (...) telle approche mène à la conclusion que la notion de perception synesthésique offerte par Merleau-Ponty permet non seulement de dépasser le défi posé à la théorie husserlienne de l’imagination ( phantasia ) par l’expérience esthétique ici en question, mais aussi et, de surcroît, de penser le paradoxe d’une affinité du divers sensoriel qui affleure dans les performances contemporaines lorsque de multiples dispositifs médiatiques sont en jeu. (shrink)

Ces textes sont ceux d'un artiste engagé dans la société et d'un critique affirmé. Ils abordent des thématiques fondamentales: le rapport de l'artiste avec son sujet de travail, la lecture explicative de textes littéraires et le dialogue avec les auteurs, le questionnement sur les fondements des manifestations culturelles en société. Mais ils évoquent aussi des aspects plus régionaux, avec un entretien sur un rite de société, l'explication de quelques fondamentaux de la musique en Afrique, un historique des arts (...) class='Hi'>visuels en Côte d'Ivoire et au Togo. Ils ne pouvaient se clore que par l'analyse des corrélations entre fonds et formes, pour trouver et déterminer des évidences plastiques. (shrink)

The collective works edited by Emmanuel Alloa and Adnen Jdey, Du sensible à l’oeuvre, and by Mauro Carbone, L’empreinte du visuel, meet the dual requirementimposed by reading the work of Merleau-Ponty today: on one hand, they extend the philosopher’s thought and highlight its obvious necessity in reading the mostcontemporary art; and, on the other hand, by not allowing themselves to be lulled by the gentle seduction of the writing, they emphasize the coherence of his thought andthe rigor of certain of (...) his key concepts such as style, resumption, flesh or individuation, which are the object of precise and unpublished studies. (shrink)

Kichul Kim, né en 1969 à Séoul, a ceci de remarquable qu’il prétend — et réussit — à sculpter le son. En effet, il a une formation de sculpteur. Mais il se fascine très tôt pour le son, pour des raisons spirituelles. L’énigme du bodhisattva Gwan-eum qui, selon l’étymologie de son nom, « voit ou fait voir les sons », l’intrigue. Une intuition lui révèle — pense-t-il — de quoi il s’agit. Il va s’efforcer de le faire voir à son (...) tour. Le son fait voir, visualiser, évoquer, et on peut donc, en ce sens, voir le son. Ses installations sonores sont en général réalisées dans des formes minimales et simplifiées. Ces formes pures ne correspondent qu’au son qu’il veut diffuser. C’est le son qu’émettent des haut-parleurs, un son qu’il a enregistré et qui parle. En effet, le son, tout invisible et intangible qu’il est, par l’espace qu’il recrée et modèle, est tridimensionnel, et sculptable. Le spectateur ne peut certes pas voir ce travail sonore par ses yeux de chair, pas plus qu’il ne peut le toucher de sa main, mais son œil de l’imagination, son imagination visuelle, le construit, et en ce sens il le perçoit bien : à partir du son se crée une image, une image dont l’intensité frôle l’illusion. On a là un véritable environnement créé par le son. Inspiré par l’Extrême-Orient ancien, son art et sa pensée, Kichul Kim puise dans ses sites historiques, religieux souvent, et dans la nature, son inspiration et ses enregistrements. L’environnement particulier d’origine est rendu présent par son son, si puissamment que l’auditeur devient spectateur, recréant activement la scène originelle : spect-acteur. Plongé si profondément en lui-même, il est graduellement conduit aux portes d’une sorte de méditation, ici et ailleurs à la fois, comme hors du temps. Kichul Kim, born in 1969 in Seoul, is remarkable in that he claims—and succeeds—to carve the sound. He trained as a sculptor but was fascinated very early with the sound, for spiritual reasons. The enigma of the Bodhisattva Gwan-eum which, according to the etymology of its name, “sees or makes one see sounds”, intrigued him. He understood intuititvely what it means and tried to examplify it himself. The sound makes you see, visualize, evoke, and you can, in this sense, see the sound. His sound installations are generally performed in minimal and simplified forms. These pure forms correspond only to the sound he wants to produce. This is the sound emitted through loudspeakers, a sound that he recorded and that speaks. Indeed, the sound, as invisible and intangible as it is, thanks to the space it recreates and models, becomes three-dimensional, and “sculptable”. The spectator certainly cannot see this sonic work through his/her eyes of flesh, any more than he/she can touch it with his/her hand. But his/her eye of the imagination, the visual imagination, builds it, and in this sense he/she perceives it well: from the sound is created an image whose intensity borders on illusion. This is a real environment created by sound. Inspired by the ancient Far East, its art and thought, Kichul Kim draws from historical sites, often religious, and from nature, for his inspiration, and recordings. The particular environment of which the sounds originates is made present by the sound, so powerfully that the listener becomes a spectator, actively recreating the original scene: spect-actor. So deeply immersed in himself, he is gradually led to the gates of a kind of meditation, here and elsewhere at once, as if out of time. (shrink)

Ce livre part d'un constat - la tutelle du réductionnisme issu du cognitivisme (années 1960-1970) - et du désir d'affirmer une complexité scientifique, philosophique et artistique, via la théorie des systèmes dynamiques. Deux parties d'abord. L'une philosophique : unité de la conscience et problème des attentats à l'aune leibnizienne ; l'autre artistique : installations sonores et visuelles, mouvements horizontaux, question du Je et de l'altérité, images composites (vidéo et cinéma expérimental), espaces topologiques cinématographiques et musique dans ses rapports avec (...) le cerveau. Après un historique des systèmes dynamiques, la part scientifique traite, elle, de neurosciences non-linéaires, de biodynamique, de mesure de la complexité et de l'(anti-)entropie dans l'ontogenèse. En une vue transversale, ce livre opte pour une "métadisplinarité" et défend un cognitivisme non-linéaire. (shrink)

Tristan Murail est, avec Gérard Grisey, un des deux grands représentants de ce qu'il est convenu d'appeler la "musique spectrale". L'expression indique une référence constante à la structure microscopique des spectres sonores : c'est la vie intérieure des sons, avec leur harmonicité ou inharmonicité, leurs transitoires d'attaque ou d'extinction, qui constitue chez Murail le modèle par excellence pour construire des formes musicales. Cet ouvrage - le premier entièrement consacré à l'œuvre de Murail - évoque sa situation esthétique face à (...) d'autres courants de la musique d'après 1945. Un long entretien donne la parole au compositeur, pour retracer un parcours qui l'a mené de Messiaen à Scelsi et au-delà, ainsi qu'au pédagogue (Murail enseigne depuis plusieurs années aux Etats-Unis). Une analyse approfondie de l'une de ses pièces marquantes, L'Esprit des dunes, permet d'entrer dans son atelier, de suivre le processus de création qui conduit de l'analyse des sons à l'invention des formes. Enfin, Tristan Murail lui-même revient en détail sur chacune de ses œuvres, nous livrant son regard rétrospectif en un document précieux. (shrink)

On part ici de l’hypothèse que Mémoires d’aveugle. L’autoportrait et autres ruines de Jacques Derrida est en quelque sorte l’illustration de La Voix et le phénomène et donc la critique, par Derrida, de la phénoménologie de l’intuition, de la perception et de la vue. On relève toutefois aussi des rencontres avec Husserl et Kant. On n’oublie pas non plus qu’il y va de l’art, des arts visuels et, dans la grande richesse thématique de cet ouvrage, on relève des (...) moments forts, aussi bien que des moments faibles, au sujet des arts du « visible ». La question demeurant : Derrida « voit »-il le dessin, la peinture et, même, entend-il la musique? (shrink)

RésuméDepuis longtemps appliquée aux arts visuels avec le sens de “simplification”, la notion de stylisation émerge au cours du XXe siècle, héritière de l’histoire d’une approche dynamique du langage dont la source se trouve au XIXe siècle. La réflexion épistémologique récente tend vers une reconceptualisation de l’objet de la stylistique, passant du style à la stylisation, décentrement qui met l’interprétation au premier plan. Une stylisation “primaire”, par le créateur, se poursuit dans la stylisation “secondaire”, par l’interprète. Un détour (...) par la sémiotique des cultures permet de relier l’herméneutique à une problématique sémio-anthropologique, contribuant à affermir la définition de l’objet de la stylistique et le statut scientifique de cette discipline. Objet de l’interprétation, le sens demeure une notion problématique. La stylisation est ici redéfinie comme une opération énonciative d’individuation textuelle visant à organiser du complexe à partir de quelques lignes de force, soit un processus de simplexification. Elle participe au mouvement de réunification des études littéraires et des sciences du langage sous le nom d’herméneutique matérielle. (shrink)

On dit depuis longtemps que l'image visuelle est un langage. Mais ne s'agit-il là que d'un slogan? Ce langage a-t-il des mots? A-t-il une syntaxe? S'écrit-il? Se subdivise-t-il en langues? Permet-il ce jeu sur les formes et le sens qu'on appelle rhétorique? C'est ce qu'on ne savait guère jusqu'ici.

Historienne de l’art à University College à Londres, Mechthild Fend est spécialiste de la culture visuelle de la France des XVIIIe et XIXe siècles. Au cours des années 1990, elle a consacré une thèse de doctorat à la question de la représentation du masculin dans les beaux-arts de cette époque. C’est cette recherche qui est au fondement des Limites de la masculinité, paru pour la première fois en allemand en 2003. L’ouvrage présente donc les avantages et les inconvénients d’une (...) recherche « da... (shrink)

De la composition musicale au design sonore" réunit différents textes pour la plupart déjà publiés, soit dans des revues, soit comme chapitres d'ouvrage ou actes de colloque sur le thème de la musique, progressivement repensée comme le design de sons. Rassemblés à l'occasion d'une Habilitation à Diriger les Recherches (2018), ces textes concernent la création musicale, sa relation à l'image et l'écriture des sons à un moment charnière - la révolution digitale de la fin du siècle dernier - qui posent (...) de nouveaux défis, tant du côté de la création, que de celui de la recherche et de leurs enseignements réciproques. D'une réflexion musicologique déjà orientée vers la question de la perception, ses travaux ont peu à peu porté sur les relations entre la musique et la technologie puis, via celle de la musique au cinéma et à l'accompagnement de l'image, l'auteur en est arrivé à la question du design sonore. Aux confins de la philosophie et des sciences de l'art, il s'interroge finalement sur les perspectives de formation des futurs acteurs de cette interdisciplinarité épistémologique. Peut-on être assurément chercheur simultanément non seulement dans sa pratique mais aussi sur sa pratique? Cette double posture est-elle épistémologiquement tenable et si oui à quelle condition? A supposer qu'elle le soit au plan existentiel, n'implique-t-elle pas une position de juge et partie, et donc un risque de biais cognitif, à tout le moins méthodologique? (shrink)

La scène contemporaine des arts visuels et de la danse contemporaine en Afrique, semble proposer une illustration réussie du mot de Theodor Adorno selon lequel « l’art a perdu son caractère d’évidence.» Et nombreux sont les artistes qui acceptent de ne pas être compris des publics locaux. En fait, on remarque que les productions artistiques de type patrimonial ou de type moderne et contemporain, apparaissent dans des occurrences inégales. Parfois, l’offre et la demande se raccordent avec bonheur. Parfois, (...) l’offre attend en vain la demande et il apparaît qu’en art comme ailleurs sur d’autres marchés, la valeur n’est pas tant un attribut intrinsèque de l’objet, qu’une valeur ajoutée par l’artiste et les opérateurs culturels. (shrink)

Le philosophe américain Arthur Danto (1924-2013) est connu pour sa contribution majeure à la philosophie de l’art. Doté d’un indéniable talent pour la vulgarisation et l’examen des problèmes complexes, il a su contribuer au dialogue culturel entre l’Amérique et l’Europe. Si la valeur de sa contribution sur les arts visuels est établie, d’autres aspects de sa pensée demeurent peu explorés, notamment sur les liens entre littérature et philosophie et les considérations stylistiques liées à l’écriture philosophique. Pourtant, il accordait (...) très tôt à la littérature une place centrale dans ses travaux sur Sartre (qui était à la fois philosophe et auteur) et Nietzsche, qui ont toujours prêché pour une réconciliation entre art et philosophie : c’est donc à dire que ce sujet lui a fourni matière à réflexion. (shrink)

Quand Chris Marker « filme les autres », comme dans Joli mai et autres documentaires, il adhère à une image émancipatrice du peuple, mais ce n’est pas seulement ou ce n’est surtout pas à une image qu’il se rallie. Son travail de cinéaste porte toujours sur la question : comment se font les images et quand s’il s’agit d’image du peuple, comment celui-ci participe-t-il à ces images? Et pour cela, il ne filme pas le peuple, mais scrute l’ordinaire de son (...) existence, dont il prélève des fragments, quand ces documents visuels et sonores ne sont pas fabriqués de concert avec les gens. (shrink)

La préparation du premier cours de Merleau-Ponty au Collège de France, "Le monde sensible et le monde de l'expression", est un document remarquable dont la publication était attendue depuis longtemps. A mi-chemin de son oeuvre, le philosophe entame une critique de ses premiers travaux ainsi qu'une réélaboration qui engage plusieurs directions fondamentales de sa recherche à venir. Que ce soit dans l'analyse de la vision en profondeur, de la perception du mouvement, ou encore de l'éveil du schéma corporel dans l'action (...) et la relation avec autrui, Merleau-Ponty revisite sa phénoménologie pour dégager les dimensions expressives de la vie perceptive, dans une réforme radicale de la notion de conscience. La publication de ce cours inédit ouvre donc des perspectives d'interprétation nouvelles sur l'évolution d'une pensée dont l'actualité n'est plus à démontrer. Elle offre aussi une illustration majeure des relations si fécondes que cette philosophie a su entretenir avec la neurologie, la psychologie de la forme, la psychanalyse, ou encore les arts visuels. (shrink)

Résumé -/- Anna Caterina Dalmasso L’artiste et l’adversité. Hasard et création chez Merleau-Ponty -/- À plusieurs reprises, Merleau-Ponty tisse une correspondance entre art et histoire, entre pratique artistique et action politique : plus précisément il nous invite à former le concept d’histoire sur l’exemple de l’art. À première vue, un tel rapprochement pourrait paraître abstrait, sinon provocateur, l’art étant souvent conçu comme un domaine qui semble avoir peu à faire avec l’espace de l’action. Mais, nous pouvons aujourd’hui comprendre davantage l’intérêt (...) de l’intuition merleau-pontienne, nous, qui faisons l’expérience de la connexion étroite entre l’univers visuel et le milieu politique ou historique, comme des dimensions devenues désormais inséparables. Au fur et à mesure qu’une conception positiviste de l’histoire ou de la politique entendue comme progrès, ou du moins comme projet, échoue sous nos yeux interdits, la question de l’historicité se fait de plus en plus urgente : Merleau-Ponty nous invite à penser l’histoire comme le « lieu de nos interrogations et de nos étonnements », le lieu d’une réponse, voire d’une responsabilité que nos organismes technologiques exigent. C’est à partir de l’expérience de la création artistique et de son rapport constitutif au hasard qu’une pensée de l’historicité peut s’élaborer, là où l’esthétique merleau-pontienne rejoint le mystère d’un sens historique et esquisse implicitement une éthique de la contingence, en ce qu’elle nous appelle à un exercice de la liberté. -/- Abstract -/- Anna Caterina Dalmasso The Artist and the Adversity. Chance and Creation in Merleau-Ponty -/- Throughout his works, Merleau-Ponty has developed the analogy between art and history, between art practice and political action: more precisely he invites us to think about the concept of history on the example of art. At first sight, such an equivalence could seem abstract, if not provocative, insofar as art is still sometimes regarded as a field having little to share with action. But today, experiencing the close connection between the visual and the political environment, we can understand, perhaps better than his contemporaries, what is at stake in Merleau-Ponty’s insight for a new comprehension of history. Whereas a positivist conception of history and politics understood as progress or project seems to be failing before our astonished eyes, the question of historicity becomes more and more urgent: Merleau-Ponty prompts us to think of history as a mysterious junction between facticity and intention, as the beginning of our wonder, as the place of the responsibility that our technological organisms demand. The experience of creation is the figure through which Merleau-Ponty tries to conceive contingency, which is the kernel of the Geneva conference, later called The Man and the Adversity. So, drawing on Merleau-Ponty’s constant reference to the operation of artistic creation, especially on the reference to El Greco, I aim at examining how a new conception of history can spring by a comprehension of the experience of creation. I will argue that, from the analysis of the relationship between the artist and the sensible, between the artist and her body, Merleau-Ponty comes to outline what I would call an ethics of contingency, insofar as it calls us to the exercise of our freedom. (shrink)

Cet article a déjà paru dans la Revue d'histoire des chemins de fer, n° 42-43, 2012, que nous remercions, ainsi qu'Hortense Soichet, de nous avoir gracieusement autorisé à le reproduire ici. Les évolutions techniques relatives aux modes de transport ont donné naissance à de nouvelles appréhensions possibles de la perception, conditionnées par le mouvement de la machine. Au sein d'un train, la vision est dépendante de la vitesse de déplacement et modifie le mode de perception des images grâce à la (...) (...) - Arts plastiques et autres – GALERIE – Nouvel article. (shrink)

This essay focuses on the phenomenon of synesthesia. In an attempt to differentiate between genuine synesthesia and metaphorical synesthesia, I have searched for shared traits among synesthetic visual artists, as well as among composers and performing musicians. The field of synesthesia has been rife with misunderstandings. Though ever increasing numbers of exhibitions, books, and articles have used the title or subtitle, “Synesthesia in art and/or music”, few of these adequately define synesthesia. The major cause of the problem is that art (...) and music historians and curators, as well as artists and composers themselves, have confused the desire to intermingle various art forms with the phenomenon of genuine synesthesia. I show the existence of recurrent patterns of artistic response to synesthetic experience, the evidence of shared characteristics, by taking the examples of Carol Steen, Marcia Smilack, Joan Mitchell, David Hockney, Messiaen. I also present the results of my investigation on the synesthetic perceptions of the pianist Joyce Yang. Cet essai porte sur le phénomène de la synesthésie. Pour bien différencier synesthésie authentique et synesthésie métaphorique, j’ai recherché des traits communs chez les artistes visuels synesthètes, ainsi que chez les compositeurs et les musiciens interprètes. Le champ de la synesthésie a été envahi par des malentendus. Bien que de plus en plus d’expositions, de livres et d’articles utilisent le titre ou le sous-titre « Synesthésie dans l’art et/ou la musique », peu d’entre eux définissent adéquatement la synesthésie. La principale cause du problème est que les historiens et les conservateurs d’art et de musique, ainsi que les artistes et les compositeurs eux-mêmes, ont confondu le désir d’entremêler diverses formes d’art avec le phénomène de la véritable synesthésie. Je montre l’existence de modèles récurrents de réponse artistique à l’expérience synesthésique, l’évidence de caractéristiques partagées, en prenant les exemples de Carol Steen, Marcia Smilack, Joan Mitchell, David Hockney, Messiaen. Je présente également les résultats de ma recherche sur les perceptions synesthétiques de la pianiste Joyce Yang. (shrink)

Interroger le concept d'identité en le mettant en rapport avec l'altérité renvoie à la célèbre formule de Rimbaud : "Je est un autre" qui, à la charnière des XXe et XXIe siècles, suscite toujours de nombreuses interrogations dans un monde où le moi est de plus en plus instable et en quête de repères, où l'identité se revendique le plus souvent au nom de la différence, que ce soit au niveau individuel ou communautaire. La culture hispanique de part et d'autre (...) de l'Atlantique est particulièrement sensible à ces phénomènes et à l'évolution du rapport à l'autre qui peut créer des métissages culturels inédits. Ainsi, les nombreuses contributions du volume rendent-elles compte de la complexité et de l'intérêt d'un tel questionnement à travers une réflexion sur la langue, la littérature et les arts visuels sans oublier les bouleversements inter-relationnels générés par l'apparition d'Internet. (shrink)

Ce livre repart de la notion nietzschéenne de "philosophe-artiste" pour s'en désolidariser aussitôt. Certes, la philosophie-artiste, qui se caractérise par l'indissociabilité de la pensée et de la vie et par l'hétérogénéité de ses discours, est le mode mineur du philosopher depuis Platon. Mais, à sa conception musicale encore partagée par Nietzsche, l'auteur oppose une conception visuelle de la pensée, qui prend sa source conceptuelle dans l'oeuvre de Giorgio de Chirico, inventeur de la peinture métaphysique. Dans un second temps, ce livre (...) esquisse une série de perspectives de recherches visant à déployer le concept de philosophie-artiste dans toutes ses dimensions : la primauté de "la narration philosophique", avec J.-P. Faye ; le cadre posé par "le théâtre de la pensée", avec Platon et Nietzsche ; la pragmatique de " 'image totale", avec Eisenstein et Artaud ; ce dernier permettant, en plus, au théâtre de la pensée une sortie de la métaphore... Enfin, en guise de conclusion, l'auteur propose que la poésie, repensée à l'aune de l'éthno-poésie et des dialogues transculturels, soit la terre d'élection de cette nouvelle conceptualité de la pensée visuelle libérée de la pesanteur de la technique et des appareils. (shrink)

La transcription de corpus de langage oral est un art difficile car c’est une activité langagière. En particulier, elle inclut le processus d’interprétation des propos d’autrui que l’on trouve dans toute interaction langagière. Or ce qu’attend le scientifique est une description des données de langage qui s’affranchirait de cette interprétation, ce qui est impossible. On doit donc chercher à générer un processus d’interprétation simple, consensuel, qui puisse être compris par tout utilisateur d’un corpus. Pour cela, on utilise des normes de (...) codage précises, claires, aussi peu ambiguës que possible, ainsi qu’un alignement sur du matériel sonore ou audiovisuel. On peut aussi accompagner les transcriptions d’un contexte très riche, soit langagier (phonologique, syntaxique, sémantique, pragmatique), soit extra-langagier (situation, actions, description de scène). Ces difficultés techniques sont présentées dans le cas de corpus de jeunes enfants (projet Léonard) qui exemplifie les problèmes de transcription de langage oral. Les outils et formats utilisés sont ceux du projet CHILDES avec des évolutions spécifiques qui reflètent les difficultés que nous avons relevées dans notre travail de corpus et les solutions adoptées. (shrink)

La transcription de corpus de langage oral est un art difficile car c’est une activité langagière. En particulier, elle inclut le processus d’interprétation des propos d’autrui que l’on trouve dans toute interaction langagière. Or ce qu’attend le scientifique est une description des données de langage qui s’affranchirait de cette interprétation, ce qui est impossible. On doit donc chercher à générer un processus d’interprétation simple, consensuel, qui puisse être compris par tout utilisateur d’un corpus. Pour cela, on utilise des normes de (...) codage précises, claires, aussi peu ambiguës que possible, ainsi qu’un alignement sur du matériel sonore ou audiovisuel. On peut aussi accompagner les transcriptions d’un contexte très riche, soit langagier (phonologique, syntaxique, sémantique, pragmatique), soit extra-langagier (situation, actions, description de scène). Ces difficultés techniques sont présentées dans le cas de corpus de jeunes enfants (projet Léonard) qui exemplifie les problèmes de transcription de langage oral. Les outils et formats utilisés sont ceux du projet CHILDES avec des évolutions spécifiques qui reflètent les difficultés que nous avons relevées dans notre travail de corpus et les solutions adoptées. (shrink)

Dans la musique récente ainsi que dans les arts sonores, l'émergence du son s'affirme comme noeud de questionnements théoriques et pratiques. Parmi ces questions, plusieurs portent sur l'interaction permanente du son avec ce qui l'entoure : l'espace physique, l'environnement, le milieu, l'auditeur... Ainsi débouche-t-on sur l'écologie du son au sens large du terme "écologie" comme rapport du son à l'oikos, le monde. On pourrait donc demander : quels sont les liens de la musique ou du son avec l'environnement (...) et la nature, avec la société, et, plus généralement, quels sont les liens entre musique-son et monde? (shrink)

Au Roland Barthes critique, celui des analyses litteraires des Essais critiques, du Sur Racine ou des constructions theoriques nourries par la linguistique et le structuralisme comme le Degre zero de l ecriture, S/Z, le Systeme de la mode; au Roland Barthes ecrivain, sachant meler, avec une originalite inimitable, fiction et reflexions analytiques dans le Roland Barthes par Roland Barthes ou les Fragments d un discours amoureux, il faudrait ajouter un Roland Barthes, moins connu et moins analyse, celui de l - (...) amateur - d art. Il n aura pas fallu attendre son dernier livre, La Chambre claire, pour savoir que Roland Barthes aimait les uvres d art visuel et qu il pratiquait lui-meme, avec grand plaisir et serieux, la peinture. Des ses premiers textes rassembles dans les Essais critiques, il associe a des etudes sur Tacite, Chateaubriand, Baudelaire ou Robbe-Grillet, un essai sur Pieter Saenredam avec lequel il ouvre un recueil pourtant consacre a la litterature. Tout au long de son uvre, que cela soit sous la forme de preface de catalogues consacres a des artistes contemporains (Bernard Requichot, Daniel Boudinet, Cy Twombly), d articles sur des artistes classiques (Arcimboldo, Artemisia Gentileschi) ou de reflexions plus generales sur l art (le kitsch, le cinema, l abstraction, la musique), Roland Barthes a accorde une attention toute particuliere aux images. Elles etaient, a ses yeux, bien plus qu un passe-temps, un delassement intellectuel qui l eloignait de son veritable travail critique. L image, et l imaginaire qui lui est lie, possede une vertu que le texte ne semble pas pouvoir revendiquer: meler le langage expressif au discours critique, faire emerger la - substance sous le concept - et pousser la question de la signification jusqu a sa limite la plus extreme. Sans s embarrasser des regles methodiques dictees par l histoire de l art, en se voulant - sauvage et sans culture - devant ces uvres d art qui venaient a lui comme par - inadvertance -, qui l incitaient a l - aventure -, Roland Barthes a elabore une - esthetique - qui demeure une des plus singulieres et utiles contributions a l etude des images. Le - troisieme sens - et son correlat, la - signifiance - (cet - au-dela - du sens), l - imaginaire de l image - ou bien encore le celebre couple Punctum/ Studium avec lequel il precise la dimension subjective de tout commerce avec les uvres sont autant de propositions methodiques que l auteur reconsidere attentivement afin de tirer toute la force heuristique de cette - lecon de l image - a laquelle nous convie Roland Barthes. La - lecon de l art - que Barthes retient de son commerce constant avec les uvres d artistes contemporains (Cy Twombly, Daniel Boudinet, Bernard Requichot) ou anciens (Saenredam, Arcimboldo) a permis de developper une reflexion singuliere sur le fonctionnement des images. - En elaborant des notions comme la - signifiance -, le - troisieme sens - ou le fameux - punctum - afin de traduire les effets que les images provoquaient sur lui, Barthes a compose une veritable esthetique qu il est temps de lire avec autant de serieux que de plaisir.". (shrink)

Énoncer que la civilisation traverse, en ce moment, une crise extrêmement grave est devenu un lieu commun ; cependant, cela demeure une source d'interrogations pour prétendre à en sortir. Cette situation de crise laisse craindre ou espérer un changement profond. Elle est aussi celle des mots et celle des images, aucun domaine n'échappe à la crise. Et si les frontières de l'oeuvre d'art ne sont pas clairement définies, celles du sujet ne le sont pas davantage. Les frontières mêmes du sujet (...) sont malléables, dépendantes des contrées extérieures auxquelles il se frotte sans cesse. Aussi, le sujet lui-même est un sujet en mouvement dans une société toujours plus rapide, plus performante, plus financiarisée. Cependant, l'agitation ou le frémissement qui habite le sujet n'a pas pour seule origine un univers sociétal économique, les espaces ou objets esthétiques, naturels ou méditatifs influent également. Ainsi, en tant que créateur ou spectateur, le sujet se confronte à l'oeuvre d'art. S'il peut être touché, provoqué parfois, par l'extérieur, il est aussi travaillé de l'intérieur. Les arts et la littérature sont ici convoqués pour penser le rapport du sujet à son identité et au monde ; des études de cas porteront donc sur les démarches des artistes. En effet, en quoi les arts visuels et les récits contribuent-ils à la construction du sujet? En quoi la rencontre avec l'oeuvre agit-elle sur l'identité du sujet? Comment le sujet est-il « à l'oeuvre » lorsqu'il entreprend de rencontrer ou de créer des oeuvres? (shrink)

Ce texte, à la manière même de Bernard Teyssèdre, est centré sur l’esthétique de Hegel qu’il a rencontrée dès ses études et premiers enseignements sous l’aile d’Althusser, qu’il a alors examinée en raison du contexte des voyages du philosophe, prenant dès ce moment sa distance vis-à-vis d’une philosophie « pure » oublieuse de l’histoire, qu’il a ensuite approfondie à l’aune des arts visuels et plastiques ou de l’iconographie, qu’il a soutenue et promue institutionnellement, et qui, en outre, a (...) inspiré à Jean-Luc Godard une allusion filmique singulière. (shrink)

Dans la deuxième moitié des années 1980 s’est développée, dans l’ensemble du champ de la culture, une véritable esthétique de la bêtise. Quelques jeunes critiques d’art se sont alors emparés du phénomène et ont tenté de le théoriser, entre 1994 et 1998, dans les revues les plus lues de l’époque : Flash Art International, Artpress, Frieze. L’étude de ce corpus d’articles (signés par Joshua Decter, Éric Troncy, Jon Savage, Andrew Hulktrans et Jean-Yves Jouannais) témoigne à la fois des mutations de (...) la critique d’art de l’époque et de l’enjeu que représente alors l’art délibérément bête. On remarquera que la critique d’art se fait alors critique culturelle : elle regarde peu les œuvres, réduites au statut d’illustrations et d’arguments visuels. On s’interrogera également sur la place que les revues d’art contemporain ont accordée à la culture populaire médiatique la plus régressive du temps. Beavis & Butt-Head, Melrose Place ou encore Alerte à Malibu ont été ainsi disséqués dans les colonnes d’ Artforum ou de Flash Art. Alors que les œuvres d’art estampillées « art contemporain » donnaient lieu à des analyses étonnamment sommaires, ce sont les séries télévisées et les dessins animés qui ont conduit aux analyses les plus stimulantes. Elles l’ont fait en recourant au paradigme de la méta-criticalité cher au modernisme, conférant aux œuvres les plus régressives le statut d’image spéculaire, à la fois duplice et critique, de la culture de la bêtise qui les générait. Pointe alors le paradoxe suivant : alternant entre l’enthousiasme forcené et la déploration, la critique d’art des années 1990 a intellectualisé l’anti-intellectualisme le plus radical. (shrink)

A travers une phénoménologie où l'art éclaire le réel, à travers son choix des auteurs et des oeuvres qu'il a commentés, le philosophe Henri Maldiney (1912-2013) a proposé un décentrement du regard et du savoir propres à renouveler l'étude du paysage. Il part d'une question trompeusement simple : sommes-nous "devant" ou "dedans" le paysage? Comment s'approche le paysage? Comment se fait-il image? Ce recueil présente une pensée complexe de manière accessible à tous les spécialistes et les passionnés de littérature et (...) d'études visuelles. Exemples littéraires, picturaux et photographiques, témoignent de la fécondité d'une pensée fondée sur l'aisthèsis, la présence et le rythme."--Page 4 of cover. (shrink)

Le présent article porte sur les dispositifs visuels qu’on appelle en histoire de l’art et en sémiotique généralement « métavisuels » et qui ont été formulés pour notamment analyser des phénomènes de dédoublement et de cadrage dans l’image artistique. Nous allons explorer la possibilité d’utiliser ces dispositifs pour analyser les images scientifiques contemporaines, en les comparant à certaines œuvres artistiques. On tentera ainsi, en croisant les travaux de Victor Stoichita et Jean-François Bordron, de repérer un certain nombre d’opérations communes (...) qui traversent les différences figuratives et d’économie de valeurs entre les arts et les sciences. (shrink)

Les sciences cognitives poursuivent un objectif fort ancien, qui consiste, sommairement dit, à décrire et à expliquer les comportements intelligents. Elles appliquent à cet effet des principes méthodologiques moins traditionnels, dont l'adoption définit ce qu'il est convenu d'appeler le "tournant cognitif". Je me propose ici d'exposer brièvement ces principes, de les illustrer par des exemples appropriés et d’en discuter la signification philosophique. Pour l’essentiel, j’ai mis en avant un domaine qui me semble particulièrement pertinent pour les philosophes: l'analyse de la (...) catégorisation, c'est-à-dire du processus par lequel un ensemble d'entités (stimuli sonores ou visuels, objets concrets ou abstraits) en vient à être classifié en catégories séparées, qui peuvent être de type perceptif (phonèmes, couleurs) ou conceptuel (espèces naturelles, types d'événements, catégories esthétiques et morales). (shrink)

Par-delà toute prise de position idéologique ou politicienne, la réflexion sur l'écologie est devenue de plus en plus présente dans notre société contemporaine, et les musiciens n'ont pas tardé à se sentir fortement concernés, ce qui a suscité, de leur part, des réponses de multiples natures. Certains compositeurs ont cherché à investir des lieux plus ouverts que la traditionnelle salle de concert, tandis que d'autres ont eu recours aux moyens technologiques et médiatiques les plus récents pour capter et diffuser les (...) sons qui nous entourent afin de les reprendre à leur compte ou de dialoguer avec eux, voire les révéler tels quels. La musique ayant de plus en plus tendance à envahir notre quotidien, d'autres encore ont entrepris de créer de nouveaux types d'environnement et de signalétique sonores. Et ces tentatives s'accompagnent fréquemment de confrontations avec différentes disciplines artistiques. L'initiateur d'une telle démarche n'était-il pas Erik Satie avec sa "musique d'ameublement"? Mais qu'aurait-il pensé du matraquage de la Muzak quelques décennies plus tard? (shrink)

Il faut savoir gré à l’éditeur Gérard Monfort de poursuivre sa politique de traduction d’ouvrages étrangers d’histoire de l’art en publiant le livre de J.F. Hamburger, paru en 1997 aux Presses de l’Université de Californie, sous le titre Nuns as Artits. The Visual Culture of a Medieval Convent. L’objet de ce livre passionnant et novateur, dont il faut souligner également la qualité de la traduction, est un ensemble rare, découvert fortuitement par l’auteur, de dessins coloriés, sur feuilles v...

Peu avant sa disparition, Michel Makarius (1948-2009) préparait une histoire du flou dans les arts visuels, en particulier dans la peinture et la photographie, qui prenait son point de départ à la Renaissance et se prolongeait dans le monde contemporain, celui des installations vidéo de Bill Viola et des photographies du tchèque Josef Sudek. Les trois premiers chapitres de cet ouvrage, que son auteur n'aura pas eu le temps de mener à bien, constituent un essai autonome et stimulant (...) où l'on retrouve la plume élégante de Michel Makarius. Forme souvent déconsidérée - vague ou indécise -, le flou n'est-il pas, suggère Makarius, comparable à la couleur dans le débat qui l'a longtemps opposé au dessin, soit une manière de déstabiliser notre perception pour exprimer ce qui échappe à la vision nette et à l'emprise de la rationalité? Son propos ressort en particulier de ces quelques lignes de sa "Mise au point" introductive : "Notre approche de l'art par le biais du flou a pour vocation de dépasser une problématique strictement picturale pour mettre l'accent sur le statut de la représentation. Or la vision floue nous semble placée sur une ligne de crête : D'un côté, elle avalise la représentation du visible ; d'un autre, elle décrète ce visible irreprésentable ou représentable seulement de manière approximative. Etat intermédiaire d'une réalité qui se donne et se dérobe à la fois, le flou est le lieu où s'exerce une critique de la représentation par les moyens même de la représentation. L'altération du lien visuel exprime ainsi un rapport problématique au monde. Cette faille qui ne cesse de grandir au sein de l'histoire de la peinture vise donc, au-delà du visible, le réel représenté. Telle est la fonction critique de l'art enfin retrouvée". (shrink)

Depuis la Renaissance, une série de textes témoignent de l’intérêt des artistes pour l’informe, d’un passage du Traité de la peinture de Léonard de Vinci à Degas, Danse, Dessin de Valéry. Léonard de Vinci, Alexander Cozens ou Paul Valéry proposent des « exercice[s] par l’informe», selon l’expression de Valéry. Il s’agit bien d’« exercice[s] », d’activités répétées pour aiguiser les facultés de l’esprit. Ces exercices s’adressent avant tout aux artistes et plus particulièrement aux dessinateurs et aux peintres ; ils constituent (...) une préparation à la création artistique. Ils n’ont généralement pas pour but d’appréhender l’informe ; c’est pourquoi Valéry emploie la tournure « exercice[s] par l’informe» : travailler l’informe est un moyen, une activité qui a le plus souvent pour fin une œuvre qui manifeste un rapport renouvelé aux formes. Comme les « exercices spirituels » dont Pierre Hadot a montré l’importance dans la philosophie antique, ces exercices reposent sur une pratique plutôt que sur une théorie ; comme eux, ils engagent l’esprit — l’entraînement d’une faculté particulière réclame en fait le concours de plusieurs. Cette pratique, qui n’est jamais définitivement acquise, doit par conséquent être répétée. En effet, chacun de ces exercices possède une fonction critique et la critique doit être reconduite tant que perdure l’habitude ou l’illusion qu’elle combat. La différence essentielle tient à la visée de l’exercice : les pratiques que nous étudierons ne tendent pas à réformer le mode de vie du sujet et ainsi à transformer le sujet lui-même, mais à produire une œuvre. Vinci, Cozens et Valéry proposent des exercices artistiques. Si l’exercice spirituel est « une pratique destinée à opérer un changement radical de l’être », selon l’expression d’Hadot, l’exercice artistique possède sans doute un but plus modeste : il vise à développer les facultés fondamentales pour la création artistique, telles que l’imagination, « les capacités d’invention », selon l’expression de Cozens, ou la sensibilité. Les exercices spirituels tendent à apprendre à vivre, tandis que les exercices artistiques ont pour but d’apprendre à créer. Parmi ceux-ci, les exercices par l’informe se distinguent par leur radicalité. D’abord, ils jouent souvent un rôle liminaire : ils exercent l’esprit et dans certains cas le corps en vue de la première étape de la création artistique, l’invention. Mais surtout, ils exercent des facultés fondamentales pour la création artistique, en particulier dans le domaine des arts visuels, pour lesquels écrivent non seulement Vinci et Cozens mais aussi Valéry : les exercices par l’informe ont pour enjeu non seulement d’apprendre à créer, mais aussi d’apprendre à voir. (shrink)

« C’est une question de point de vue… » On associe aujourd’hui la perspective à l’individualisme, à l’affirmation d’une vérité privée et indépassable. C’est oublier la tradition de la perspectiva communis, celle qui fait de la perspective le vecteur d’un horizon commun. Au croisement de la science, de l’art et de la philosophie, le livre exhume une tradition que l’on se doit de redécouvrir : le point de vue, ce n’est pas seulement ce qui divise, c’est aussi ce qui se (...) partage. Au lieu d’incriminer le perspectivisme d’avoir fait le lit de la post-vérité, et de la perte d’une référence à un monde réel, il est temps de retrouver en quoi la perspective n’est pas qu’une affaire de relativisation, mais de réalisation. C’est à la perspective que nous devons notre perspicacité : « à travers » – voilà le mot-clé pour comprendre son opération. Une mise en regard d’enjeux anciens et contemporains, où s’entrecroisent les arts visuels, l’architecture, la phénoménologie et l’anthropologie sociale. Autant de manières de faire l’éloge d’une perspective qui se décline invariablement au pluriel. (shrink)

Il n’est pas courant que Clio se livre au compte rendu d’un numéro de revue, mais celui consacré aux récits de femme en Méditerranée par l’écriture, l’expression corporelle et les arts visuels faisait écho à plusieurs numéros de notre revue dont le dernier consacré à « Écrire au féminin » (2012/35). Rives méditerranéennes publie ici une partie des résultats d’un programme de recherche pluridisciplinaire et dans la longue durée de l’espace méditerranéen qui entendait « questionner les processu...

Véronique Dasen, professeure d’histoire de l’art et d’archéologie classique à l’Université de Fribourg, poursuit son travail sur l’histoire de la médecine et de la magie, des femmes et de l’enfance, en proposant un recueil très cohérent d’études antérieures (mais en partie inédites) développées et approfondies, portant sur la maternité et la petite enfance dans les mondes grec et romain. La première partie de ce grand livre, « Le secret d’Omphale », s’intéresse aux métaphores visuelles du ven...

Ce livre collectif est issu d’un colloque pluridisciplinaire tenu au Shakespeare Institute de l’Université de Birmingham durant l’été 2007. À partir de sources matérielles, visuelles et textuelles donnant accès aux « objets quotidiens » de l’Europe entre le xive et le xviiie siècle, il permet un fécond dialogue entre historiens, archéologues, littéraires, historiens de l’art et conservateurs de musée : comment définir les objets utilisés tous les jours par les hommes et les femmes du passé?...

Cet article démontre que le spectre d’une « intermédialité » ou d’une « transversalité » esthétique entre les arts verbaux et les arts « silencieux » est la source d’une angoisse profonde et la cause d’une polémique tenace dans la poétique gréco-romaine. À la ressemblance du discours aux arts « spatiaux » est attribuée continûment la corruption de vérité référentielle dans la littérature. Néanmoins, comme les interventions canoniques sur la question du visuel de Plutarque, Démétrios et Quintilien (...) dans la littérature le révèleront, ce rejet témoigne d’une inquiétude déplacée. Dans la capacité d’assouvir le monde temporel à l’œil de l’esprit au moyen de l’artifice, les arts spatiaux forment le miroir où le poétique reconnaît et refoule l’inventivité ontologique au cœur de la discursivité. Le fait que le dix-neuvième siècle marque la fin de la polémique classique contre la transversalité esthétique n’est pas contingent : la modernité esthétique est déterminée non seulement par une conciliation entre les arts mais également par une prise de possession consciente du potentiel ontologique du discours. (shrink)