Tristan Murail est, avec Gérard Grisey, un des deux grands représentants de ce qu'il est convenu d'appeler la "musique spectrale". L'expression indique une référence constante à la structure microscopique des spectres sonores : c'est la vie intérieure des sons, avec leur harmonicité ou inharmonicité, leurs transitoires d'attaque ou d'extinction, qui constitue chez Murail le modèle par excellence pour construire des formes musicales. Cet ouvrage - le premier entièrement consacré à l'œuvre de Murail - évoque sa situation esthétique face à d'autres (...) courants de la musique d'après 1945. Un long entretien donne la parole au compositeur, pour retracer un parcours qui l'a mené de Messiaen à Scelsi et au-delà, ainsi qu'au pédagogue (Murail enseigne depuis plusieurs années aux Etats-Unis). Une analyse approfondie de l'une de ses pièces marquantes, L'Esprit des dunes, permet d'entrer dans son atelier, de suivre le processus de création qui conduit de l'analyse des sons à l'invention des formes. Enfin, Tristan Murail lui-même revient en détail sur chacune de ses œuvres, nous livrant son regard rétrospectif en un document précieux. (shrink)

L’angle sous lequel Kant aborde le jugement esthétique (de goût) est transcendantal, il s’agit d’établir la possibilité qu’un tel jugement soit de validité universelle et nécessaire. On est donc loin d’une perspective historique sur les arts que développera Hegel. Cependant, les conditions de possibilité recherchées sont celles de jugements appartenant à l’expérience d’individus humains et à celle de l’humanité au cours des siècles. C’est sur la présence de cet aspect temporel du jugement réfléchissant esthétique et de la production des beaux-arts (...) dans la première partie de la troisième Critique et sur ses enjeux que se centre le propos de ce texte. (shrink)

Ces textes sont ceux d'un artiste engagé dans la société et d'un critique affirmé. Ils abordent des thématiques fondamentales: le rapport de l'artiste avec son sujet de travail, la lecture explicative de textes littéraires et le dialogue avec les auteurs, le questionnement sur les fondements des manifestations culturelles en société. Mais ils évoquent aussi des aspects plus régionaux, avec un entretien sur un rite de société, l'explication de quelques fondamentaux de la musique en Afrique, un historique des arts visuels en (...) Côte d'Ivoire et au Togo. Ils ne pouvaient se clore que par l'analyse des corrélations entre fonds et formes, pour trouver et déterminer des évidences plastiques. (shrink)

La production d’images par ordinateur fait apparaître deux aspects d’une telle importance pour le futur imminent que tous les autres aspects de cette nouvelle technique seront ici éliminés. Ces deux aspects sont l’auto-programmation et l’imagination conceptuelle. Il s’agit là d’une révolution de la structure de la société et de la conscience, de l’émergence d’une existence nouvelle.

L’article entend confronter la théorie moderne de l’art au phénomène d’esthétisation de la sphère marchande mis en évidence par la sociologie, en prenant pour cadre de référence l’esthétique de la réception de Hans Robert Jauss. Bien que s’appliquant surtout à la littérature, la théorie de Jauss n’est pas sans concerner aussi les arts plastiques. La synthèse qu’elle opère entre, d’un côté, le formalisme russe du début du xx e siècle, qui, le premier, s’employa à isoler les propriétés internes des œuvres (...) d’art, et, de l’autre, l’historicisme d’inspiration marxiste qui s’attacha pour sa part à rendre compte de leurs évolutions en fonction de l’histoire générale de la société, semble particulièrement propice à l’abord d’un problème qui est à la fois symbolique, esthétique et historique. En effet, dès lors que de nombreux produits et services de consommation tendent à adopter certaines caractéristiques de l’œuvre d’art, l’analyse formelle, qui constitue l’arc-boutant de l’approche esthétique moderne, entre dans un périmètre d’application beaucoup plus large que celui dont participe l’histoire de l’art. Dans ce cas, l’importance accordée à la forme des objets, prise en ce sens esthétique, devient en elle-même une composante de l’histoire sociale, dans la mesure où elle ne concerne plus seulement les évolutions de la production artistique, mais intéresse aussi, en leurs principes, celles plus générale de la production marchande. Moyennant un approfondissement de leur versant social – ceci en se demandant, non pas comment l’expérience artistique transforme le monde vécu, mais comment le monde vécu transforme lui-même le monde artistique – les analyses de Jauss nous permettent ainsi de reformuler, en des termes propres à la théorie de l’art, la question de la convergence catégorielle mise en évidence par la sociologie, et, de là, d’engager une réflexion nouvelle sur les transformations de la sphère artistique à l’heure du capitalisme esthétique. (shrink)

L'art occupe dans la pensée de Deleuze une place déterminante. De la littérature au cinéma, de la lettre à l'image, Deleuze théorise le domaine de l'art avec des concepts très nouveaux, attrayants et difficiles : corps sans organes, machines désirantes, devenir-animal, rhizome, lignes de fuite... Il s'agit ici d'en exposer le fonctionnement exact en montrant pourquoi l'art, selon Deleuze, devient une machine à explorer les devenirs des sociétés : critique et clinique, il détecte et rend sensibles les forces sociales. Mais (...) l'art produit surtout des effets réels, et non pas simplement imaginaires : l'image n'est donc pas une donnée mentale mais bien une réalité existante. Cet ouvrage se propose de faciliter l'accès à l'œuvre décisive de Deleuze, en restituant ses parcours dans un souci d'extrême clarté. (shrink)

La dialectique entre art et engagement interroge la possibilité et les moyens d’esthétisation des sujets politiques et sociaux. En Allemagne, un genre artistique explore particulièrement cette problématique : le théâtre documentaire dont les formes contemporaines montrent la nette évolution des médias de masse et de leur rôle dans notre société. Cette approche documentaire soulève plusieurs questionnements quant à la véracité des faits et théories exposés, aux limites floues entre fiction et réalité, mais aussi quant à la pseudo-objectivité des propos diffusés. (...) Par ailleurs, l’intrication de l’emploi esthétique de médias divers et d’une volonté de popularisation de discours politiques rapproche de facto l’art documentaire d’un art de la propagande non-officielle et interroge sur les motivations des dramaturges impliqués, entre détournement distancié et manipulation du public. Les expressions contemporaines héritées du théâtre documentaire se retrouvent dans des cadres dépassant la scène, prenant plutôt la forme de « projets » multi-supports et plurimédiaux présentés par des collectifs artistiques tels Zentrum für politische Schönheit (Centre pour la beauté politique) ou The International Institute for Political Murder de Milo Rau. Ceux-ci interrogent les utilisations contemporaines des médias dans une société du spectacle poussée à l’extrême et jouent du concept de fake news pour continuer d’interpeller leur public sur des problématiques politiques et citoyennes dans un contexte d’une nouvelle remontée des fascismes. Dans ce contexte, jusqu’où peut mener une telle spectacularisation du politique? (shrink)

Les rituels sont les synapses dans le tissu culturel d'où sont issus les éléments qui gouvernent la vie en commun et la communication des êtres humains. Il en est ainsi depuis le commencement de toute société humaine. Mais ce n'est qu'au XX siècle que se manifeste un véritable intérêt pour le fonctionnement et l'importance culturelle des rituels. Il s'agit d'un tournant inspiré par les théories des ethnologues, et placé sous le signe du cultural turn et du performative turn du XX (...) siècle. On se détourne alors des pratiques jusque-là en vigueur de l'abstraction et de la représentation. Or, depuis le «Banquet» de Platon et l'instauration de la «Cène» chrétienne, l'un des rituels les plus importants est l'acte socialement codé de l'ingestion de nourriture, le repas. Avec l'Eat art dont il est le concepteur, Daniel Spoerri a repris ce thème et contribué, par le truchement du rituel piège, à poser un regard neuf sur l'acte de manger au XXe siècle. Tel que Spoerri le met en scène, le «rituel piège» attire l'attention sur le rôle de fondation de sens que joue le rituel dans la culture. Mais il fait apparaître également que les rituels se transforment en pièges idéologiques où tombe quiconque les prend « à la lettre » ou comme des évidences. Spoerri est un des artistes du XX et de ce début du XXI siècle qui, par le biais de leur art, rendent compte de la double fonction du rituel dans la culture: d'une part, le rituel maintient en vie le processus culturel; d'autre part, il est producteur d'idéologies qui font passer des mythes politiques pour naturels, prenant au piège consommateur de nourriture et consommateur d'art tout à la fois.Rituals are the synapses in the cultural fabric which has produced the elements that govern the coexistence and communication of human beings. This is so since the beginning of human society. But it is only 20th century that demonstrates a genuine interest in the operation and cultural importance of rituals. It is a milestone inspired by the theories of ethnologists, and placed under the sign of the cultural turn and performative turn of the twentieth century. It then turns practices far into force of abstraction and representation. However, since the "Banquet" of Plato and the establishment of the "Last Supper" Christian, one of the most important rituals is the act socially coded ingestion of food, meal. Eat with the art of which he is the designer, Daniel Spoerri took up this theme and contributed through the ritual trap, put a new perspective on the act of eating in the twentieth century. Spoerri as the stages, the "ritual trap" draws attention to the role of Foundation meaningful ritual plays in the culture. But it also shows that the rituals are transformed into ideological traps which falls whoever takes "the letter" or as evidence. Spoerri is one of the artists of the 20th and the beginning of the 21st century, through their art, reflect the dual role of ritual in culture: on the one hand, the ritual keeps life the cultural process, on the other hand, it is a producer of ideologies that pass for political myths natural trapping consumer food and consumer of art at the same time. (shrink)

L'expression marché de l'art, couramment employée, le plus souvent au singulier, soulève une foule de questions, qui vont de l'opposition que l'on établit instinctivement et sans doute un peu vite entre l'art et l'économie marchande, à l'existence d'une multitude de disciplines artistiques différentes, s'adressant des publics, en passant par le caractère de bien public de l'oeuvre, par les formes très particulières que peut revêtir sa consommation et par la présence sous-jacente, anticipée, des générations futures, notamment dans les règles juridiques et (...) l'action de la puissance publique. La place, aujourd'hui prépondérante, prise de longue date par la collectivité dans ce mouvement, justifie que l'on parle de service public culturel et que l'on s'interroge sur la place faite à l'art dans les sociétés du xxe siècle finissant. (shrink)

Les etudes reunies dans ce volume ont ete originellement publiees sous le titre general L 'industrialisation des arts du beau, et parachevent la reflexion esthetique d'Etienne Gilson, inauguree dans l'Introduction aux arts du beau, et poursuivie dans Peinture et realite ou encore Matieres et formes. Reprenant l'ordre de reflexion de ce dernier ouvrage (les arts plastiques, la musique, la litterature), l'auteur - non sans rappeler certaines analyses des penseurs de l'ecole de Francfort - donne ici a penser en quoi l'infinie (...) reproduction technique et industrielle d'une oeuvre d'art modifie non seulement l'experience esthetique dont elle est l'objet, mais aussi la culture dans laquelle cette reproduction massive prend place. Mettant ainsi en perspective les notions de culture de masse et d'industrialisation, Etienne Gilson les differencie au sein d'une relation complexe, ou l'industrialisation des produits culturels n'est que le moyen de creer une culture de masse, dont elle devient a la fois la cause et l'effet. Il devient alors possible de s'interroger sur le sens des beaux-arts de masse au sein de cette culture, ainsi que sur le rapport qu'entretient l'oeuvre originale avec ses reproductions industrielles. C'est enfin au cas de l'Eglise catholique post-conciliaire et a ses efforts de massification que s'etend la reflexion, s'ouvrant ainsi par-dela le domaine des beaux-arts a la notion de societe de masse dans toute son ampleur. (shrink)

Versé autant dans les arts libéraux que dans les arts mécaniques, Spinoza fut aussi tailleur de verre à Amsterdam, sans doute acteur de théâtre, probablement dessinateur. Il fréquenta la boutique d'antiquaire de Franciscus Van den Enden et fut proche de la société des arts Nil volentibus arduum ; il habitait non loin de Rembrandt et Potter et appréciait la compagnie de peintres et de décorateurs. Élaborée au coeur du siècle d'or de la peinture hollandaise, cette philosophie a souvent inspiré les (...) artistes. Comment expliquer un tel regard non philosophique sur une philosophie qui ne présente pas une pensée développée sur les arts? Comment expliquer qu'on ait tenté d'emprunter les voies de l'esthétique pour pénétrer une philosophie qui ne constitue pas ce champ de réflexion en un domaine autonome? (shrink)

Ce livre est le premier en hongrois à s'intéresser au rôle des femmes dans les arts et la société avant la Deuxième Guerre mondiale. Il reprend les communications présentées lors du colloque « Rôle et Création » organisé par le Petöfi Museum of Literature à Budapest en mars 1996. Ce colloque rassemblait pour la première fois des spécialistes d'histoire et d'histoire de l'art travaillant sur les femmes (27 auteurs, dont 6 hommes). Dans sa première partie, l'ouvrage explore le rôle des (...) .. (shrink)

Ce livre est le premier en hongrois à s'intéresser au rôle des femmes dans les arts et la société avant la Deuxième Guerre mondiale. Il reprend les communications présentées lors du colloque « Rôle et Création » organisé par le Petöfi Museum of Literature à Budapest en mars 1996. Ce colloque rassemblait pour la première fois des spécialistes d'histoire et d'histoire de l'art travaillant sur les femmes (27 auteurs, dont 6 hommes). Dans sa première partie, l'ouvrage explore le rôle des...

Les archives municipales de Berlin ont conservé tous les documents produits par la Maison berlinoise du travail culturel, Berliner Haus für Kulturarbeit, qui a été fondée en 1953 sous le nom de Berliner Volkskunstkabinett et dissoute en 1991. Ces archives permettent de suivre en filigrane les réflexions conduites en RDA sur le thème de l’action culturelle publique, dont les deux interrogations principales peuvent se résumer ainsi : comment peut-on encourager différentes formes de participation des travailleurs et ainsi favoriser le développement (...) d’un art censé être authentiquement populaire et acquis à la cause de la révolution socialiste? Et comment l’art peut-il être le vecteur d’une identification « nationale » avec l’État de RDA? Nous proposons d’étudier ces archives sous l’angle du combat mené par le SED, le parti communiste au pouvoir en RDA, pour créer une société révolutionnaire, pour rendre possible l’utopie d’une société parfaitement égalitaire par le moyen de l’art. En effet, si les choix économiques, politiques, sociaux du SED sont bien connus aujourd’hui, les chercheurs se sont pour l’instant moins intéressés au langage du politique dans le domaine artistique, et notamment à la question centrale de savoir comment ce régime concevait son rôle et sa responsabilité à l’égard des pratiques artistiques des ouvriers. (shrink)

À la fois omniprésent et incernable, le temps est une dimension omniprésente de nos existences, indissociable de notre rapport au cosmos, à la vie biologique, à la conscience mais aussi à l’histoire, à la culture et à la société. Parce qu’elle est au confluent de plusieurs champs d’expérience et de réflexion, la question du temps offre une passerelle privilégiée pour croiser des approches rarement invitées à se rencontrer : celles des sciences d’un côté (physique, biologie, médecine, cosmologie), celles des arts (...) de l’autre (littérature, cinéma, arts plastiques, musique, théâtre). Au-delà des questions qui touchent à la réorganisation des partages cognitifs et disciplinaires (entre sciences et arts), l’objectif de cet ouvrage est de montrer la fécondité des transferts épistémologiques entre ces deux domaines. D’un côté, les sciences constituent un réservoir inépuisable pour les arts, auxquels elles proposent une multiplicité de modèles du temps opérant à différentes échelles : temporalités non linéaires, réversibles, cycliques ou emboîtées, qui peuvent être dynamisées par des bifurcations, des catastrophes ou des phénomènes d’émergence imprévisibles. De l’autre, les arts sont un lieu privilégié de modélisation, d’exposition et de mise à l’épreuve de modèles temporels, qui tantôt croisent la rationalité dominante (sciences, historiographie), tantôt en réactivent des dimensions occultées (mythe, rite, etc.). Frayant à la fois dans l’imaginaire et le rationnel, ces représentations du temps permettent d’exhiber la complexité d’un phénomène qui ne peut être appréhendé que dans l’entre-deux des savoirs et des arts. (shrink)

Pris en son sens le plus étroit, l'art (au singulier) semble être une particularité européenne moderne et un produit culturel de l'histoire. La distinction entre art et non-art est particulièrement délicate et semble de plus en plus difficile à délimiter clairement dans nos sociétés contemporaines, où le beau investit de nombreuses sphères artisanales et industrielles tout en s'absentant des productions désignées spécifiquement par le vocable "artistique". Dans ce court essai, l'auteur propose d'examiner la question de l'art et du non-art dans (...) le double cadre de la mondialisation et de la modernisation. L'objet est de comprendre la nouvelle matrice culturelle qui se dessine aujourd'hui, où l'art se fond de plus en plus avec la notion de "culture" et questionne ainsi la "désartification" (Nathalie Heinich) de nos sociétés occidentales contemporaines qui va de pair avec leur "culturation". (shrink)

Aujourd’hui délaissées, parfois devenues gênantes, les collections médicales furent pourtant à l’avant-garde du renouveau de la médecine au début du XIXe siècle, avant que celle-ci ne devienne la médecine telle que nous la connaissons aujourd’hui. Selon une vision courante de l’histoire de la médecine, les collections médicales auraient perdu de leur utilité lorsque la médecine a accédé au statut de science expérimentale, les musées d’anatomie faisant alors place aux laboratoires. Les collections d’anatomie-pathologie comme le musée Dupuytren ne seraient que le (...) reliquat de cette histoire, le témoignage d’un échec méthodologique à opposer aux succès de la physiologie expérimentale. Cette narration de l’histoire de la médecine est-elle cependant correcte ? Dans quels buts épistémologiques les médecins ont-ils créé ces collections ? Quelles connaissances cherchaient-ils à obtenir par ce biais ? Plus généralement, pourquoi collecter en médecine – et en science – et pourquoi collectionner ? Pour répondre à ces questions, je m’intéressai principalement dans cette contribution aux pratiques de collecte et de collection chez les médecins de la Société Anatomique de Paris au XIXe siècle et au rôle joué par ces pratiques dans la construction de la collection Dupuytren. (shrink)

Si l'art n'est pas d'abord considéré en tant que production d'objets mais comme manière d'être au monde, intéressant tout homme et toute société, si la foi n'est pas considérée en tant qu'adhésion intellectuelle aux vérités de la foi, mais comme acte capable d'illuminer et transformer le monde, alors, loin d'être uniquement en rapport d'interaction, d'interdépendance, ou de ressemblance, l'art, la foi et le politique sont une unique réalité vivante. En ce sens, chacune des trois entités sera d'autant mieux comprise et (...) pensée qu'elle sera vue comme l'une des modalités de la même dynamique. Cette thèse se développe en trois étapes éclairant successivement les présupposés de sa démonstration, son effectivité dans la personne individuelle comme dans la société, enfin sa portée programmatique : le monde n'aura d'avenir qu'en assumant le ressort poétique qui le constitue et l'anime depuis le commencement. (shrink)

Aux frontières de l’art et de l’expérience scientifique, des artistes s’aventurent à reprogrammer les mécanismes du vivant, à les réincarner en s’appuyant sur les données les plus récentes de la biologie pour produire des réalités vivantes inédites. Transposés du monde clos des laboratoires au monde de l’art, ces artefact vivants, sont-ils en mesure de modifier le regard que nous portons sur la science et plus encore sur le vivant et d’infléchir nos comportements à l’égard d’entités vivantes reprogrammées sur mesure? Sont-ils (...) les pièces à conviction d’une science en train de transformer la société et les valeurs qui s’y rattachent? L’identité humaine court-elle le risque de se perdre à travers cette collection d’entités biologico-futuristes qui transgressent la logique du vivant? Dans une société libérale où prévaut l’autonomie artistique, quand la performance technique semble se confondre avec la valeur esthétique de l’œuvre et que l’artiste relève autant de l’ingénieur que du concepteur, cet art protéiforme qui œuvre en laboratoire hors de tout programme appliqué à la médecine et à l’industrie, est-il en mesure de produire tous les possibles en matière de fabrication du vivant? Notre propos consistera à interroger d’un point de vue éthique la production de ces artistes qui érigent en dogme la rationalisation des phénomènes biologiques, interfèrent l’organisation spontanée des organismes vivants, et dessinent les contours d’une biosphère inédite. (shrink)

La supposition d’un antagonisme entre art et marché ne va pas de soi. Le fonctionnement intrinsèque de la culture représente un système de marchés – même s’il ne s’agit pas toujours de marchés commerciaux. Dans nos sociétés de l’information et des médias, une part considérable des produits de consommation courante tombe sous la rubrique de la consommation culturelle. Les marchés culturels ont toujours été de ce type : on y offre de l’information qui est payée, en contrepartie, sous forme d’attention. (...) Cet article explore quelques-unes des implications de tels entrecroisements. (shrink)

"Quelles sont les origines de l'esthétique contemporaine, les raisons qui l'ont installée si durablement dans le paysage artistique et celles qui l'ont amenée à séduire un public toujours plus nombreux? Après avoir souligné l'incompréhension initiale du public, nous montrerons que le surgissement de mouvements artistiques comme Fluxus et, surtout, l'adoption par l'avant-garde artistique américaine de concepts de la philosophie analytique, ont été déterminants dans son avènement. L'insistance de cette nouvelle esthétique sur les objets et le langage a rencontré les fondamentaux (...) de notre "société du spectacle". Ainsi les intérêts industriels et artistiques ont-ils fusionné en un marché global de l'esthétique qui consolide leurs intérêts communs. Enfin, notre société individualiste a dénié toute autorité aux institutions pour juger de l'art. L'individu est maintenant souverain juge. C'est en cédant son privilège d'unique représentant de l'esthétique postmoderne que l'art contemporain a trouvé sa rédemption aux yeux du public.". (shrink)

Georges Hérelle (1848-1935), professeur de philosophie, intéressé par les arts et traditions populaires, membre de nombreuses sociétés savantes, est réputé pour ses travaux sur les pastorales basques, la Champagne moderne ou encore ses traductions littéraires de l’italien vers le français. Grâce à l’ouvrage de Clive Thomson (Université de Guelph, Canada), qui a examiné attentivement l’impressionnant fonds qu’il a légué à la Bibliothèque municipale de Troyes, il est désormais possible d’enfin...

L’art pariétal du Paléolithique supérieur présente, à côté d’un extraordinaire répertoire animalier bien diversifié, un grand nombre de signes qui ne trouvent pas d’équivalents dans la perception de la réalité sensible. Tandis que les images des humains ou des créatures mi-humaines mi-animales sont très rares, ces formes aniconiques, souvent géométrisantes et aisément classifiables, sont globalement plus nombreuses que les animaux. Si saisir l’intentionnalité qui a poussé les premiers artistes à peindre sur les parois représente un défi pour nos compétences interprétatives, (...) les « signes » constituent l’aspect le plus énigmatique de ce défi. Il y a trente ans, en 1988, dans la revue Current Anthropology, a été publié un article de James D. Lewis-Williams et Thomas A. Dowson, « The Signs of All Times. Entoptic Phenomena in Upper Paleolithic Art », ouvrant une nouvelle perspective sur l’origine des signes. En appliquant le modèle neuropsychologique à l’imagerie bidimensionnelle de l’art des grottes, il est possible d’identifier à des signes à valeur universelle, selon les auteurs, les apparitions entoptiques présentes, avec leurs diverses modalités combinatoires, dans l’art rupestre de « tous les temps ». Cette interprétation de l’art des sociétés préhistoriques, qui resitue la naissance des images dans les territoires visionnaires des cultures chamaniques, a soulevé en France des perplexités et des polémiques innombrables, parfois acerbes. Il est prioritaire alors de voir si le modèle neuropsychologique est effectivement en mesure d’offrir un cadre explicatif des données archéologiques des grottes ornées et de ses « constructions symboliques », en mesure d’intégrer tous les indices disponibles dans une construction théorique cohérente. The parietal art of the Upper Paleolithic shows, alongside with an extraordinary and highly diversified animalistic repertoire, a large number of signs which cannot be found in the perception of sensible reality. While images of humans or of anthropo-zoomorphic creatures are very rare, these aniconic forms—while often geometric and appropriate for classification—are globally more copious than animals. If understanding the intentions that prompted the first artists to paint on the walls represents a challenge for our interpretative skills, then the “signs” constitute the most enigmatic aspect of this challenge. Thirty years ago, in 1988, an article written by James D. Lewis-Williams and Thomas A. Dowson, and entitled “The Signs of All Times. Entoptic Phenomena in Upper Paleolithic Art”, was published in the Current Anthropology journal. This article opened up new perspectives on the origin of signs. According to its authors, by applying the neuropsychological model to the two-dimensional imagery of cave art, it is possible to identify universal signs ascribable to the entoptic appearances that can be found—in their different combined modes—in the rock art of all times. This interpretation of the art of prehistoric societies, which has led to the emergence of images within the visionary territories of shamanic cultures, has provoked countless—and sometimes harsh—disputes in France. It has therefore become a priority to evaluate whether the neuropsychological model is actually able to provide an explanatory picture of the archaeological evidence of historiated caves and their constructions symboliques that would be capable of integrating all the clues available into a coherent theoretical structure. (shrink)

A tort. Marcuse est d'abord un philosophe qui s'inspire de la grande tradition de la philosophie allemande, celle de Kant, Hegel et Marx. Commentateur scrupuleux de Hegel, Marcuse en produit une lecture critique vivifiante, loin des idées toutes faites sur ce maître éminent. Fidèle à Marx - mais pas aux marxisme standard, ce qui lui a valu l'hostilité de tous les gardiens du temple marxiste - il lie étroitement la critique sociale à la théorie analytique de Freud. Bref avec Marcuse, (...) c'est tout un pan de la culture moderne que nous sommes invités à reparcourir. Mais Marcuse est aussi l'un des penseurs de la théorie critique. Son objet, c'est la société industrielle avancée, la nôtre. On pourrait croire que ses oeuvres décrivent notre présent alors qu'elles ont été écrites voilà un demi-siècle et plus. La "désublimation répressive", l'utilisation du principe de plaisir au profit de la domination, c'est bien quelque chose qui a pris aujourd'hui une ampleur que l'on pouvait à peine soupçonner au moment où Marcuse écrit Eros et civilisation ou L'homme unidimensionnel. Comment ne pas voir que l'extension indéfinie du marketing et des techniques de la communication produisent cette uni-dimensionnalité de la pensée que Marcuse analyse et dénonce si vigoureusement? Enfin Marcuse est un philosophe de la culture. L'art et le sens du beau sont, pour lui, essentiellement libérateurs. S'il continue de penser nécessaires l'émancipation politique et la transformation des rapports sociaux, il sait que la libération humaine est celle de l'individu qui doit reprendre possession de lui-même en se débarrasser de l'aliénation. Il ne s'agit pas de dessiner un avenir plus rationnel mais surtout la perspective d'une vie plus libre et plus belle. (shrink)

Pourquoi prend-on plaisir à dessiner et à regarder des images? A écouter de la musique, à en faire, à lire et à écrire, à aller au spectacle? Pour le comprendre, cette investigation nous entraîne vers des territoires inattendus, là où surgissent les idées et se manifeste la création. On y découvre que la joie singulière procurée par l'appréciation, ou la création d'une oeuvre, correspond à une sorte d'état second, un mode de vigilance aussi indispensable au bon fonctionnement de notre monde (...) mental que le sont le sommeil et les rêves. Une hypothèse novatrice qui explique la présence de l'activité esthétique dans toutes les sociétés humaines et nous offre la possibilité de repenser radicalement notre rapport à l'art, la beauté, l'artiste et la création. -- payot. (shrink)

Une forme d'art comprend-elle le critère de son acceptation ou de son rejet par la société dans laquelle elle prend forme? Le public auquel une oeuvre d'art s'adresse possède-t-il la compétence de faire l'exploration qu'elle lui propose? La Lettre à d'Alembert sur les spectacles de Rousseau et la Conférence de Schiller : « Was kann eine gute stehende Schaubùhne eigentlich wirken ? » donnent chacune réponse à ces deux questions par la caractérisation d'une manière de sentir et d'agir propre aux (...) protagonistes du domaine esthétique. Je propose d'examiner si les principes sur lesquels l'un appuie sa condamnation de la représentation théâtrale, l'autre son apologie de l'efficace de la scène, ont leur source et leur valeur dans l'expérience du plaisir du théâtre.Does a kind of art hold in itself the criterion of its acceptance or of its reject by the society in which it takes shape ? Is the public to whom a work of art is aimed enabled to make the exploration it suggests to him ? The Lettre à d'Alembert sur les spectacles by Rousseau and the lecture of Schiller: "Was kann eine gute stehende Schaubùhne eigentlich wirken?" give each one answer to both questions by the caractérisation of a way of feeling and working proper to aesthetic protagonists. I suggest to examine if the principles on which lay the reproof of the theatrical representation by Rousseau and the justification of the stage's efficacious by Schiller stem from and are worth according to the experience of theatrical enjoyment. (shrink)

L'époque a le goût de la mort : mort de Dieu, mort de la morale, mort de l'art, peut-être même mort de la civilisation et de la planète... Cette tendance catastrophiste risque bien, non de nous éclairer sur notre situation, mais de nous aveugler. Nous finissons par ne plus distinguer les "paillettes d'or" (Diderot) du présent. Cela est sans doute plus manifeste dans les arts qu'ailleurs. Ce livre veut attirer l'attention sur la permanence du pouvoir créateur humain, notamment à travers (...) l'art contemporain, pourtant si bafoué par de nouveaux prophètes de malheur. La beauté n'a pas disparu pour qui sait la découvrir. Elle a une dimension morale, car la beauté fait vivre et respirer, instille le goût d'assumer son existence, donc de vouloir la vie plutôt que rien. Elle a une dimension religieuse en tant qu'elle fait signe vers plus grand, plus beau, plus vivant qu'elle. La sécularisation de nos sociétés peut certes troubler nos regards, nous rendant insensibles à ces dimensions de la beauté. Il n'en reste pas moins que, pour quiconque entretient en soi une vie culturelle et spirituelle, la beauté n'a pas cessé d'être évocatrice, et donc d'inspirer le désir de vivre, par-delà les "mille morts amères" qui parsèment nos vies. (shrink)

Excerpt from Science Et Religion dans la Philosophie Contemporaine Avant d'aborder l'etude des rapports de la science et de la religion, tels qu'ils se presentent dans la societe actuelle, il y a interet a faire une revue rapide de l'histoire de ces rapports dans les civilisations dont la notre est l'heritiere. About the Publisher Forgotten Books publishes hundreds of thousands of rare and classic books. Find more at www.forgottenbooks.com This book is a reproduction of an important historical work. Forgotten Books (...) uses state-of-the-art technology to digitally reconstruct the work, preserving the original format whilst repairing imperfections present in the aged copy. In rare cases, an imperfection in the original, such as a blemish or missing page, may be replicated in our edition. We do, however, repair the vast majority of imperfections successfully; any imperfections that remain are intentionally left to preserve the state of such historical works. (shrink)

Dans la musique récente ainsi que dans les arts sonores, l'émergence du son s'affirme comme noeud de questionnements théoriques et pratiques. Parmi ces questions, plusieurs portent sur l'interaction permanente du son avec ce qui l'entoure : l'espace physique, l'environnement, le milieu, l'auditeur... Ainsi débouche-t-on sur l'écologie du son au sens large du terme "écologie" comme rapport du son à l'oikos, le monde. On pourrait donc demander : quels sont les liens de la musique ou du son avec l'environnement et la (...) nature, avec la société, et, plus généralement, quels sont les liens entre musique-son et monde? (shrink)

Cet article porte sur la question du génie créateur de la femme africaine et sa capacité à intégrer l’abstraction ; il s’intéresse notamment aux conditions d’émergence de sa production culturelle, découlant de la révolution “féministe”. Il souligne que, même si la prise de la parole dans l’espace public par la femme est un phénomène récent, son expression par l’image remonte à la nuit des temps. L’art relevant du domaine de la fonctionnalité dans les sociétés agraires où la femme, généralement, joue (...) un rôle religieux, l’esthétique relève ainsi de son univers. (shrink)

Par l'auteur de la Soft-Idéologie, un éclairage total des moyens actuels de censure de masses. La face obscure de la société mondiale du tout-communication enfin révélée dans ses moindres détails. Pourquoi les convictions de ceux que l'on appelle les " élites " ne séduisent plus les masses? Comment une guerre idéologique, que les libéraux avaient l'habitude de remporter, a finalement basculé en faveur du camp conservateur? En quoi les nouvelles technologies ont-elles été les premiers outils de ce renversement? Pour comprendre (...) ce phénomène à l?œuvre, François-Bernard Huyghe part d'un constat : la gestion économique de droite alliée à des références morales de gauche se heurtent au mécontentement populaire.0Ce qui ne serait rien si ce couple ne menait à l'effondrement de la crédibilité des appareils politiques, culturels et médiatiques. C'est donc à une " crise de la séduction " à laquelle nous assistons, et dont Emmanuel Macron est l'avatar. Les promoteurs de " la société ouverte " ont accumulé des erreurs qui ont non seulement conduit à leur effacement, mais ont aussi détruit un logiciel idéologique qu'il leur faudra, à terme, renouveler.0Diagnostic lucide et sans concession, ce livre est aussi le savant exposé des moyens mis en œuvre par les deux camps idéologiques pour imposer leur hégémonie. (shrink)

L'humour en musique n'a pas bonne presse. Labile, déroutant, anecdotique, il a été vilipendé par certains philosophes et compositeurs de la modernité – Schopenhauer, Adorno, Varèse et Boulez en tête – tandis que d'autres – Bergson, Jankélévitch – y voyaient l'expression d'une légèreté sérieuse, l'essence même de l'art. Après une période de déni, consécutive à la Seconde Guerre mondiale, l'humour musical se manifeste depuis les années 1960 chez de multiples compositeurs comme Mauricio Kagel, Gyêrgy Ligeti, Luc Ferrari, Luciano Berio, Bruno (...) Maderna, Arvo Part, Krzysztof Penderecki, Régis Campo, etc. Les quatorze articles réunis dans ce volume tentent tout d'abord d'en éclaircir les principales nuances et de caractériser les cousinages avec le comique, la satire, la parodie, l'ironie. Un deuxième temps est consacré à l'étude du rire musical, ses techniques et sa sémantique. Sans être toujours attaché à l'humour, il engendre des significations secondaires : la peur, la folie, le désespoir. La dernière partie aborde l'esthétique de la satire, qui révèle de riches intertextualités, en particulier à travers le détournement de citations. Y sont également abordés les liens qu'entretiennent l'humour et ses dérivés avec les mutations postmodernes et hypermodernes des sociétés occidentales. (shrink)

Par-delà toute prise de position idéologique ou politicienne, la réflexion sur l'écologie est devenue de plus en plus présente dans notre société contemporaine, et les musiciens n'ont pas tardé à se sentir fortement concernés, ce qui a suscité, de leur part, des réponses de multiples natures. Certains compositeurs ont cherché à investir des lieux plus ouverts que la traditionnelle salle de concert, tandis que d'autres ont eu recours aux moyens technologiques et médiatiques les plus récents pour capter et diffuser les (...) sons qui nous entourent afin de les reprendre à leur compte ou de dialoguer avec eux, voire les révéler tels quels. La musique ayant de plus en plus tendance à envahir notre quotidien, d'autres encore ont entrepris de créer de nouveaux types d'environnement et de signalétique sonores. Et ces tentatives s'accompagnent fréquemment de confrontations avec différentes disciplines artistiques. L'initiateur d'une telle démarche n'était-il pas Erik Satie avec sa "musique d'ameublement"? Mais qu'aurait-il pensé du matraquage de la Muzak quelques décennies plus tard? (shrink)

A travers cette série d'entretiens et d'articles qui courent de la fin de la guerre au milieu des Trente Glorieuses, on retrouve le Merleau-Ponty d'Humanisme et Terreur et des Aventures de la dialectique, un philosophe engagé dans les questions politiques et sociales de son temps. Après la Libération, dans une France qui entre de plain-pied dans la modernité, prise dans la tourmente de la Guerre froide qui voit s'affronter modèle américain et modèle soviétique, comment trouver une voie nouvelle pour la (...) démocratie sans renoncer aux espoirs d'avant-guerre? Comment penser la question de l'engagement et le rôle du philosophe dans une société en pleine mutation? A la notion d'adversaire, qui suppose un conflit, Merleau-Ponty substitue celle d'adversité, inspirée de l'expérience de l'artiste qui, face à la résistance du matériau, ne saurait cependant renoncer à l'élaboration de l'oeuvre. Ainsi, le philosophe engagé s'exerce-t-il en toute chose, en tout événement, à rechercher la voie d'un " progrès de conscience ". Au fil des conversations, il témoigne de l'expérience des Temps modernes et de son compagnonnage avec Sartre, de la genèse de la phénoménologie, de sa passion pour la littérature et les arts, mais aussi de ses réflexions sur la psychanalyse ou de son regard sur l'Afrique et Madagascar à la veille de l'indépendance. (shrink)

Crise de l'art ou consensus culturel? Aujourd'hui, l'important n'est plus, semble-t-il, que la critique esthetique ait encore a dire sur Josef Beuys mais que le Centre Pompidou puisse faire croire qu'il dit tout de lui. Le culturel, dans son mecanisme institutionnel et mediatique bien huile, apparait comme l'ultime parade que l'ordre social ait su trouver pour conjurer sa peur - ou sa haine - de l'art. Cependant la critique n'a pas a se laisser abuser ni intimider par l'artifice du consensus (...) culturel qui regne actuellement. Il lui revient de continuer a evaluer les oeuvres, pour autant que le jugement sur l'art engage aussi la societe et l'epoque dans lesquelles cet art se deploie. La reflexion esthetique ne se reduit pas au jugement de gout, elle commence avec lui et se poursuit apres lui. (shrink)