À la question Voyez-vous l’art comme un monde d’homme? Louise Bourgeois répond Oui, c’est un monde où les hommes et les femmes essaient de satisfaire le pouvoir des hommes. C’est ainsi qu’elle fait le constat du peu de présence et de reconnaissance de la femme dans l’histoire de l’art. C’est ainsi qu’elle fait le constat du peu de présence et de reconnaissance de la femme dans l’histoire de l’art. Ce n’est que depuis les années soixante-dix que des historiennes de (...) l’art, comme Linda Nochlin,... (shrink)

En limitant leur sujet au Paris de la fin du XIXe siècle au début du XXIe siècle, Catherine Gonnard et Élisabeth Lebovici montrent non seulement que le XXe siècle est le siècle où les femmes prennent place dans l’histoire de l’art, mais que l’histoire de leur visibilité ne suit pas le découpage des courants artistiques conçus par l’histoire de l’art. On pourrait regretter que le cadre géographique ne soit pas plus élargi dans la deuxième moitié du siècle, alors que (...) New York l’emporte sur Pari... (shrink)

Odile Foucaud analyse la présence des femmes artistes sur la scène new-yorkaise depuis la fin des années 1960. Quelle place occupent-elles dans les circuits institutionnels et commerciaux, dans les expositions et les musées? Quel fut leur rôle dans le renouvellement de la création plastique? L’auteur, qui enseigne l’histoire de l’art contemporain, a recueilli le témoignage d’artistes de toutes nationalités qui ont une visibilité institutionnelle, en comparant les générations. Ainsi, Martha...

N’y eut-il pas de femmes artistes dans le symbolisme? Le plus souvent oubliées, ces actrices du mouvement du passage du siècle refont progressivement surface à travers les illustrations et les récits de cet ouvrage. Revendiquant l’apport des études culturelles et des gender studies, Charlotte Foucher Zarmanian exhume ce « symbolisme enfoui » (p. 13), point aveugle de l’historiographie des symbolistes comme de celle des femmes artistes. Elle y condense les résultats d’une thèse en histoire de...

La femme s'entête répond à La Femme sans tête (dite aussi Femme 100 têtes) de Max Ernst : loin de répéter les mêmes palinodies sur la créativité féminine (bridée, ou exaltée par le surréalisme), elle s'entête, passionnée tout en refusant la polémique à comprendre et à décrire. Voici donc, abondamment illustrés, un riche outil de travail et une série de portraits, souvent totalement inédits, d'artistes et d'écrivains.

Les années 1968 sont riches en ruptures et créations pour les plasticiennes vivant en France, sous la double influence des remises en cause des avant-gardes artistiques et du mouvement féministe. Parallèlement aux ruptures effectives dès le milieu des années 1960 dans les parcours individuels, des collectifs de femmes artistes se forment entre 1972 et 1978. Cet article analyse les théories, pratiques et activités des principaux groupes, en soulignant leurs points communs et leurs divergences.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, un nombre important de femmes peintres, françaises et étrangères, sont actives professionnellement à Paris, et exposent au Salon, la manifestation annuelle d’art contemporain. À la différence de leurs confrères, elles ont à se positionner par rapport à divers préjugés, notamment celui du dilettantisme qui influence leurs choix stylistiques. D’un autre côté, leurs écrits personnels (correspondances, mémoires, journaux intimes) mettent en évidence la vraie modernité de leur vie et de leur mode de pensée.

Les études récentes ont montré que les femmes ont participé, tout au long du Moyen Age, à l’activité économique. Pourtant, leur place dans la production artistique médiévale est généralement ignorée des historiens de l’art, alors même que l’étude de la production d’un artiste ou d’un milieu montre clairement, par les sources et les œuvres, qu’elles ont été présentes à chaque étape du processus de création. La confrontation de la norme à la pratique, par l’analyse de la réglementation de la (...) gilde de Saint-Luc de quatorze villes (Nord, Flandre, Hainaut et Brabant) et des registres d’inscription à la gilde des métiers du livre brugeois, a permis de mettre en perspective les activités des femmes dans les métiers d’art. Elles apparaissent comme maîtresses, ayant passé la maîtrise du métier – et pas seulement de métiers dits féminins –, dirigeant l’atelier, aux côtés du mari ou seules (célibataires ou veuves) apprenties, formant parfois des garçons ou des filles au métier. Elles sont aussi les premières victimes des crises économiques. (shrink)

Contrairement à ce qu’ont affirmé un certain nombre d’historiens et d’historiennes, les femmes ont une place dans l’espace social vénitien aux xve et xvie siècles. Elles appartiennent à l’espace domestique, mais elles sont aussi présentes à l’extérieur, dans les rues et sur les places. Cette étude s’appuie sur des sources picturales pour discuter la présence féminine dans l’espace extérieur et l’espace domestique vénitiens. Peintes par des artistes masculins, elles sont représentées selon des codes bien précis dans l’espace extérieur, (...) souvent à l’image de la Vierge Marie ou d’autres figures saintes. Mais nous verrons également que l’incursion des peintres au sein des case venetiane, qui entraîne une manière plus réaliste de représenter la figure féminine et leur offre une plus grande visibilité, leur permet de gagner une certaine liberté de mouvement, parfois au détriment de leur réputation. (shrink)

L’ouvrage de Marie Buscatto constitue une riche contribution à l’étude des rapports sociaux de sexe à l’intérieur du monde du travail et de l’art. Au travers d’une étude ethnographique de près de dix ans dans le milieu du jazz français, par des entretiens, des questionnaires et l’analyse de la presse spécialisée, l’auteur met en lumière la double ségrégation dont les artistes féminines (seulement 8% de la « population jazz ») font l’objet au sein de ce microcosme. Ségrégation de type (...) horizont... (shrink)

Dans ce livre richement illustré et documenté, Marie-Jo Bonnet s'interroge sur la symbolique du couple de femmes dans l'art, en privilégiant l'exemple français, et ressuscite des figures d'artistes oubliées, comme Louise Janin, ou méconnues, telles Louise Abbéma ou Claude Cahun. Tribades, précieuses, amazones et garçonnes sont conviées à livrer leurs secrets : Marie-Jo Bonnet s'intéresse à la mise en scène du désir, longtemps orchestrée en fonction des attentes du spectateur masculin,...

Enfant prodige, pianiste légendaire, compositrice talentueuse, professeur réputé, égérie d’hommes célèbres mais aussi fille, femme et mère au quotidien, ces multiples facettes de l’existence de Clara Wieck-Schumann, s’entrecroisent dans la biographie que nous propose la musicologue Brigitte François-Sappey. L’ouvrage est de belle facture avec une riche iconographie. Il s’appuie sur des sources variées, dont les lettres et journaux intimes de Robert et Clara, ce couple d’artistes devenu mythiq...

Les années 1968 sont riches en ruptures et créations pour les plasticiennes vivant en France, sous la double influence des remises en cause des avant-gardes artistiques et du mouvement féministe. Parallèlement aux ruptures effectives dès le milieu des années 1960 dans les parcours individuels, des collectifs de femmes artistes se forment entre 1972 et 1978. Cet article analyse les théories, pratiques et activités des principaux groupes, en soulignant leurs points communs et leurs divergences.

Cet article traite du concept de « dégénérescence », importé dans la psychiatrie française par Benedict-Auguste Morel dans les années 1850, et largement diffusé par la suite, dans ce champ ainsi que dans celui de la criminologie. On tente d’analyser la reconfiguration qu’impose ce concept au savoir psychiatrique en dégageant la manière dont il permet d’intégrer en un ensemble cohérent plusieurs modèles théoriques: un paradigme neurologique, une théorie de l’automatisme morbide, un certain évolutionnisme. Sur ces bases, on essaie d’établir les (...) similitudes de fonds existant entre les conceptions psychiatrique et criminologique de la dégénérescence, en montrant qu’elles mobilisent le même réseau « structurant » d’analogies entre les figures de l’anormal (le fou, le sauvage, l’enfant, la femme, l’animal); et l’on s’efforce de montrer que ces théories promeuvent une logique dans laquelle les infractions aux différents types de normes (biologiques, sociales, morales, juridiques, psychologiques, économiques) sont susceptibles de faire systématiquement référence les unes aux autres, de se traduire les unes dans les autres. Puis l’on caractérise les transformations que ce nouveau paradigme impose aux principes de la thérapeutique, de la pédagogie et de la prise en charge des malades mentaux et des déviants. Pour finir, on présente les éléments latents qui dans ce paradigme préparent et indiquent déjà sa remise en cause et son renversement à venir. (shrink)

Cet article retrace le succès précoce d’une artiste grecque ottomane, Eleni Iliadis, dans le monde artistique d’Istanbul pendant la Première Guerre mondiale et son éviction de l’histoire de l’art turque après la fondation de la République en 1923. En s’inspirant des nouvelles approches féministes de l’histoire de l’art, cet article rend visible l’histoire cachée d’Iliadis : son éducation artistique à Munich, les expositions auxquelles elle participe, les récompenses et le patronage de l’État qu’elle reçoit pendant la guerre à Istanbul, en (...) particulier pour sa peinture récemment redécouverte, Le Joueur de Guitare. J’examine les politiques genrées d’éducation artistique, de production et de réception dans le monde de l’art des débuts des années 1920 et analyse en quoi l’identité d’Iliadis en tant qu’artiste femme et non-musulmane a représenté un défi pour la nouvelle histoire nationale de l’art turque, dominée par les hommes, qui l’a finalement éradiquée de la mémoire culturelle. (shrink)

Negrete brings together women writers and artists known for their formal experimentation to show that "the aesthetic experiences afforded by their work are underwritten by a tenacious and uniquely feminine ethics of desire."-- taken from back cover.

À travers l’analyse d’une œuvre de Frida Kahlo, Autorretrato con Pelo Cortado (« Autoportrait aux Cheveux Coupés »), datée de 1940, nous nous proposons d’extraire la réflexion féministe de l’artiste sur le genre et l’ambiguïté sexuelle. Avec ses nombreux autoportraits, l’artiste nous a livré une fine analyse du statut et de la condition des femmes de son époque. En tant que femme artiste et femme d’artiste, Kahlo a toute sa vie cherché sa place socialement et professionnellement. Elle a mené (...) une œuvre dichotomique et pertinente quant aux relations hommes-femmes. Son visage et son corps sont progressivement devenus les instruments de sa critique. Autorretrato con Pelo Cortado atteint un haut degré critique, l’œuvre joue sur les complexités de la personnalité de Kahlo. En cela, elle nous apparaît être une œuvre manifeste reflétant la résistance de l’artiste face aux lois patriarcales du Mexique des années 1930-1950. (shrink)

Deux ouvrages croisent la création des femmes artistes et les luttes féministes, liés à deux expositions à Los Angeles et à New York. Le premier dresse pour les années 1960 et 1970 un bilan rétrospectif des rapports entre la création des femmes et les mouvements féministes aux États-Unis et en Europe occidentale, le second partant des années 1990 jusqu’à aujourd’hui se veut tourné vers l’avenir et ouvert aux autres cultures. Wack! Art and the Feminist Revolution : le (...) titre exclamatif entend... (shrink)

Contrairement à ce qu’ont affirmé un certain nombre d’historiens et d’historiennes, les femmes ont une place dans l’espace social vénitien aux xve et xvie siècles. Elles appartiennent à l’espace domestique, mais elles sont aussi présentes à l’extérieur, dans les rues et sur les places. Cette étude s’appuie sur des sources picturales pour discuter la présence féminine dans l’espace extérieur et l’espace domestique vénitiens. Peintes par des artistes masculins, elles sont représentées selon des codes bien précis dans l’espace extérieur, (...) souvent à l’image de la Vierge Marie ou d’autres figures saintes. Mais nous verrons également que l’incursion des peintres au sein des case venetiane, qui entraîne une manière plus réaliste de représenter la figure féminine et leur offre une plus grande visibilité, leur permet de gagner une certaine liberté de mouvement, parfois au détriment de leur réputation. (shrink)

Les dictionnaires et documents, tirés de la littérature ou des archives, qui sont examinés dans cet ouvrage disent plus de mal que de bien de la séduction. La séduction c'est « l'élan qui porte l'un vers l'autre », mais cet élan est dévié par la tromperie. La séduction peut être située dans la polémique de longue durée contre le maquillage et la vanité des femmes. Leon Battista Alberti compare la femme, qui a la déplorable habitude de se maquiller, à (...) l'artiste qui aurait l'habitude, to... (shrink)

Marcel Duchamp, plus qu’aucun autre artiste du XX e siècle, a marqué de façon irréversible l’histoire de l’art contemporain, provoquant avec Fontaine (1917) un point de non-retour ouvrant la voie à des pratiques artistiques libérées du joug académique. Alors que la question de l’érotisme est souvent convoquée par l’artiste d’une façon explicite ou allégorique, la réception de cet érotisme par les artistes femmes, engagées dans une représentation critique du sexe féminin et du genre au début des années 1970, (...) produit une interprétation inédite et féministe de l’œuvre de Duchamp. (shrink)

Ce bilan historiographique repose sur une vaste enquête menée à travers les différents champs historiographiques susceptibles d’informer l’évolution des pratiques et représentations de la nudité. L’objectif est d’éclairer les rapports dialectiques que le corps dénudé entretient avec les normes et les relations de genre en France au cours du second xixe siècle. Au cœur de la fabrique des archétypes du féminin et du masculin, les représentations différenciées du dénudement constituent un maillon essentiel dans la perpétuation de la domination masculine tout (...) au long de la période. Cependant, au tournant du siècle, le dénudement représente paradoxalement un instrument de libération individuelle pour une série de pionnières, artistes et sportives qui, en s’emparant de nouvelles représentations du corps, ont pu subvertir les normes de genre propres à la culture bourgeoise et conquérir ainsi une marge d’autonomie et de liberté sans précédent. (shrink)

Les discours de la morale à l’époque moderne exigent d’être pensés aux confins d’une anthropologie des moeurs, de l’histoire et de la philosophie, de l’épistémologie et de la littérature. C’est ce qu’ont mis en lumière les recherches contemporaines portant aussi bien sur l’histoire des mentalités et sur les rapports entre anthropologie et littérature que sur la dimension éthique des pratiques artistiques et la pensée morale. Dans ce contexte, comment aborder la réflexion morale sous l’Ancien Régime sans s’intéresser à ses fondements (...) philosophiques, aux différentes définitions dont elle fait l’objet ou à ses prolongements artistiques et littéraires? Théologiens, philosophes, moralistes, artistes, hommes et femmes de lettres sont autant de figures de la République des Lettres qui prennent la plume pour interroger la topique des vices et des vertus, qui échappent progressivement au domaine religieux pour investir celui de la philosophie et devenir ainsi l’objet d’un questionnement général sur l’homme et sur l’idée d’humanité. Ces actes du onzième colloque « Jeunes chercheurs du CIERL « proposent un regard critique sur la frontière entre vice et vertu : d’une laïcisation à une relativisation de la morale, elle semble se faire de plus en plus ténue et poreuse, donnant ainsi à voir les effets de tension qui parcourent la réflexion morale, et ce, dès la Renaissance. (shrink)

Chasseur alpin sur le front italien, mon père revint, après la débâcle, dans le village méridional qu'il habitait, seul juif en ce lieu consacré à la vigne et au vin. Il rassembla alors ceux qui avec lui voulurent faire parvenir en Allemagne, aussi régulièrement que possible, des colis aux prisonniers. J'avais deux ans, puis trois, puis quatre. Je prends ici le relais avec un premier colis aux prisonniers de Dieu. Deux autres suivront : Schreber théologien (L'ingérence divine II) et Une (...) femme sans au-delà (L'ingérence divine III). Des fantômes du Dieu mort hantent certains lieux stratégiques de l'analyse, inhibent leur exploration, perturbent l'exercice analytique qui, par là, tourne court. On ne l'apprend ici qu'au prix de quelques détours, en allant visiter certains auteurs et artistes qui, tel Lacan, ne méconnaissent pas que "Dieu n'a pas encore fait son exit". (shrink)

Dans le chapitre sur l’art de la religion, Hegel différencie quatre façons d’intégrer l’absolu: 1. l’intégration par les statues des dieux, 2. l’intégration par la langue, 3. l’intégration par le culte de la religion, les mystères et les festivités, 4. l’intégration par le langage supérieur de la tragédie. L’intégration est menée par l’artiste –l’esprit, c’est l’artiste. Pourtant, il s’avère que ces tentatives d’intégration échouent. Ce n’est que la personne qui philosophera de manière spéculative qui réalisera ce qui ne réussit pas (...) à l’artiste: l’unification avec l’absolu. L’intégration, que Hegel a présenté dans Phénoménologie de l’Esprit et qui s’est réalisée sous diverses formes de l’art de la religion, et l’appropriation de l’absolu mènent à la disparition de l’absolu: cela est d’abord utile à l’homme comme « une femme de ménage, un appartement et le banquet de sa victime ». Ensuite, l’être intérieur de l’absolu consomme « dans le mystère du pain et du vin », pour finalement s’annuler dans le rire de la comédie. L’artiste, l’intégrateur de l’absolu dans la vie du peuple, réussit finalement si bien qu’il inverse le rapport: c’est, enfin, un soi vrai qui s’élève, tel un maître, au-dessus de l’absolu. L’intégration de l’absolu échoue lors de l’hypocrisie de l’oeuvre d’art. Le chemin emprunté par l’artiste prépare le terrain pour la découverte d’une religion visible, et, indirectement, pour un retrait de la philosophie spéculative. (shrink)

« Le XIXe siècle a marqué un essor considérable dans le création musicale féminine » C’est ainsi que s’ouvre le livre très riche de Florence Launay, musicologue et artiste lyrique. Cette étude issue d’une thèse soutenue en 2004 – dont le champ de recherche a d’abord concerné une douzaine de compositrices, puis une trentaine grâce au New Grove Dictionnary of Women Composers (Londres 1992) et enfin un cercle beaucoup plus large –, entend montrer la part prise par les femmes (...) dans le domaine de l... (shrink)

_Nulla dies sine linea_ « Regarde de tous tes yeux, regarde » « Travaille ton instrument » Essentielle à toute activité artistique, la pratique d’exercices est pourtant rarement interrogée en tant que telle. Qu’est-ce qu’un exercice artistique? Quelles perspectives la pensée de l’exercice permet-elle d’ouvrir sur la compréhension des pratiques artistiques, sur leurs liens avec les savoirs et les techniques, sur leur dimension historique et sociale, sur les valeurs de transmission qu’elles font vivre? Réactivée dans la philosophie contemporaine, la notion (...) d’exercice n’est pourtant que rarement confrontée aux pratiques artistiques et aux élaborations théoriques de ces pratiques. Or l’artiste, c’est d’abord une femme ou un homme qui, pour faire et pour produire, doit s’exercer, et s’exercer sans relâche. Exercices d’apprentissage et de formation, antérieurs à l’œuvre ; e... (shrink)

Avec l’espace, disait Emmanuel Kant, le temps constitue la « forme a priori » de notre sensibilité. Autrement dit, le temps est l’horizon à travers lequel nous faisons l’expérience du monde, il structure notre façon d'aller à la rencontre de ce qui est. Or la modernité semble désormais compromettre les conditions de cette rencontre. Tout va de plus en plus vite : entre « fast-food », « speed dating » et haut débit, notre époque se distingue par la toute-puissance de (...) la vitesse. Ce qui est en jeu, ici, ce n’est plus seulement l’emballement de l’innovation technique, mais l’accélération du réel lui-même. Voilà l’une des désillusions du progrès : plus nous sommes équipés de machines, d’appareils censés nous faire gagner du temps, et plus nous avons le sentiment d’en manquer. Dans les relations sociales comme dans la vie intime, en politique comme en amour, notre quotidien est marqué par l’urgence, la peur de ne pouvoir suivre. La tyrannie du court terme comprime l’espace. Le triomphe de l’immédiat rend impossible toute vie au présent. Le règne de l’instantanéité enterre la mémoire et dynamite l’avenir. Bref, l’accélération des choses rétrécit le champ de l’expérience, à commencer par cette condition de toute vie humaine qu’on nomme confiance : « La confiance ne saurait être de l'ordre de l'instantané, écrit le philosophe Paul Virilio. Elle doit se construire, se mériter, dans le temps. La confiance instantanée, la foi instantanée, cela ne marche pas. Il faut du temps pour avoir confiance ». Reconstruire un espace de discussion, d’amitié et de justice, c’est donc ralentir le rythme, repartir à la conquête du temps long. Artistes, philosophes, géographes ou historiens, hommes d’images ou femmes de lettres, les intervenants tenteront de répondre ensemble à cette question : « Où est passé le temps? ». Trois jours durant, fidèle à sa tradition d'échanges et de dialogue, le Forum a confronté leurs réponses aux interrogations et aux objections du public. (shrink)

Feminist approaches to art are extremely influential and widely studied across a variety of disciplines, including art theory, cultural and visual studies, and philosophy. Gender and Aesthetics is an introduction to the major theories and thinkers within art and aesthetics from a philosophical perspective, carefully introducing and examining the role that gender plays in forming ideas about art. It is ideal for anyone coming to the topic for the first time. Organized thematically, the book introduces in clear language the most (...) important topics within feminist aesthetics: * Who is an artist and why are there so few women painters? * Art, pleasure and beauty * Music, literature and painting * The role of gender in taste and food * What is art and who is an artist? * Disgust and the sublime Each chapter discusses important topics and thinkers within art and examines the role gender plays in our understanding of them. These topics include creativity, genius and the appreciation of art, and thinkers from Plato, Kant, and Hume to Luce Irigaray and Julia Kristeva. Also included in the book are illustrations from Gauguin and Hogarth to Cindy Sherman and Nancy Spero to clarify and help introduce often difficult concepts. Each chapter concludes with a summary and further reading and there is an extensive annotated bibliography. Carolyn Korsmeyer's style is refreshing and accessible, making the book suitable for students of philosophy, gender studies, visual studies and art theory, as well as anyone interested in the impact of gender on theories of art. (shrink)

Sur un manuscrit de Francfort, et un autre de Baltimore, deux femmes, Guda et Claricia, sortent un peu de l’obscurité prêtée aux artistes du Moyen Âge. Les dessins qu’elles ont « signés », deux lettrines savamment enroulées, s’accompagnent de leurs noms et de leurs silhouettes. Que penser de ces images? Peut-on parler d’autoportraits, ou plutôt de témoignages appuyés de leur participation à la confection du manuscrit, voire de signatures composites et redoublées? Les artistes médiévaux o...

A première vue, Friedrich Nietzsche et Cesare Pavese n'ont rien en commun. Et pourtant! Tous deux sont orphelins de père. Tous deux ont grandi dans un entourage exclusivement féminin. Tous deux n'ont jamais su se faire aimer d'une femme. Tous deux sont également poètes. Tous deux ont eu une vie brève, solitaire et émouvante. Et tous deux ont amplement écrit sur Turin, sur son atmosphère si parfaitement " psychologique ". De cette ville, qui fut un temps la capitale de l'Italie, (...) Nietzsche n'en a dit que l'abord exaltant, aristocratique et baroque, tandis que Pavese en a recraché toute la tristesse, avec ses vastes quartiers industriels, ses usines qui noircissent le ciel, ses ouvriers exténués. C'est à Turin que Nietzsche perd définitivement la raison. Il a quarante-quatre ans. Et c'est à Turin que Pavese se suicide dans une chambre d'hôtel. Il a quarante-deux ans. Le philosophe allemand meurt le 25 août 1900. L'écrivain piémontais meurt le 26 août 1950 - un demi-siècle plus tard, à un jour près. En cherchant des rapprochements entre ces deux artistes exceptionnels, l'auteur pénètre dans leur drame intime, dans les blessures inguérissables de leur enfance ; et l'on revit les derniers instants tragiques qui les conduisirent à la folie et à la mort. Ce livre, s'il est empreint de gravité, est avant tout une rêverie faite de détours et de coïncidences. Les murs de Turin y transpirent. Ils parlent. Et il fallait bien près de trois cents dessins pour faire entendre ces voix. (shrink)

While different groups of viewers may have sought different values in Cézanne's art, the artist's manner of painting and personality both contributed to the ambiguity of his work. Until the last decade of his life he seldom exhibited, and even then his paintings seemed unfinished. He was generally regarded as an "incomplete" artist and often as a "primitive," one whose art was in some way simple or rudimentary, devoid of the refinements and complexities of his materialistic, industrialized society.1 He was (...) seen as an isolated man who lived apart from other painters and found human relationship and communication difficult. Yet for some symbolists it was this alienation and mystery which made Cézanne's art so attractive. As early as 1891, Fénéon found it appropriate to refer to "the Cézanne tradition," a designation which indicates the influence of the legendary account of the artist promulgated by Gauguin and his associates.2 Gauguin had painted landscapes with the reclusive artist during the summer of 1881, was impressed by his odd style, both personal and pictorial, and in a letter to Emile Schuffenecker of 14 January 1885 described Cézanne as embodying the mysticism of the Orient.3 Such a characterization held special meaning for those like Gauguin who had come more and more to search for an ultimate truth in the experience of the mystical, the transcendental, the intensely real. For the symbolist painter or writer, primitives lived in harmony with the real world; they had an intuitive, mythic understanding of their environment. Most modern Europeans, in contrast, viewed the world through false and short-sighted analytic reason and thus saw only immediate causes and effects, not eternal universal principles. They were Christians who could not see the truth of Buddhism; they were socially indoctrinated Parisians who could not see the purer structure of human society in provincial Brittany; they were refined painters of nature who could not see the expressive power of a flat area of color surrounded by a broad outline. For Gauguin and the symbolists, Cézanne, living in isolation in his seemingly unsophisticated native Provence, qualified as an enlightened contemporary, an inspiring force, a primitive artist. · 1. For Cézanne as "incomplete," see, e.g. Thadée Natanson, "Paul Cézanne." Revue blanche 9 , p. 496; and Gustave Geoffrey, "Paul Cézanne" , in La Vie artistique , p. 218. For Cézanne as "primitive," see, e.g., Georges Lecomte, L'Arte impressionniste , pp. 30-31; and Maurice Denis, "Cézanne" , in Théories, 1890-1910: Du symbolisme et de Gauguin vers un nouvel ordre classique, 2d ed. , p. 246. The late nineteenth-century notion of the "primitive" artist was very broad. Included in the category of primitives were artists of the ancient Orient, artists of the earlier stages of development of various Western styles , provincial or uneducated European artists, and those of contemporary non-European societies. With regard to the negative evaluation of modern Western European society, see, e.g., Victor de Laprade, Le Sentiment de la nature chez les modernes, 2d ed. , pp. 483-88; and Albert Aurier, "Essai sur une nouvelle méthode de critique" , "Le Symbolisme en peinture: Paul Gauguin" , and "Les Isolés: Vincent van Gogh" , in Oeuvres posthumes , pp. 202, 216, 262-63.· 2. Félix Fénéon, "Paul Gauguin" , in Oeuvres plus que complètes, ed. Joan Halperin, 2 vols. , 1:192.· 3. Lettres de Gauguin à sa femme et à ses amis, ed. Maurice Malingue , p. 45. Félix Fénéon, André Mellerio, and Emile Bernard also associated Cézanne's style with mysticism. Richard Shiff is an associate professor of art at the University of North Carolina at Chapel Hill. He has written a related article, "The End of Impressionism: A Study of Theories of Artistic Expression". His contributions to Critical Inquiry are "Art and Life: A Metaphoric Relationship" and, with Carl Pletsch, "History and Innovation". (shrink)

le thème littéraire du peintre et de son modèle (une femme désirée sous le regard d’un artiste masculin) est revisité ici pour le XIXe siècle, à partir des écrits personnels de Delacroix, Renoir, Morisot et Bashkirtseff. Comment, dans sa vie et dans son atelier, chacun vit-il la confrontation avec l’autre sexe? L’acte de peindre transcende les rapports ordinaires entre hommes et femmes, mais les règles sociales imposent des comportements différents selon les sexes. Qu’il s’agisse de la reconnaissance publique, de (...) la pratique d’un métier ou des formes d’expression de la sensualité picturale, les voies ouvertes aux unes et aux autres ne sont pas semblables. (shrink)

Résumé Alors que la société du coin de la rue est plutôt masculine, les femmes cherchent des espaces communs : sorties d’école, permanences médicales, centre social, et aujourd’hui jardin. Sur ce besoin s’est greffée une pratique artistique et politique de construction d’espaces d’attente où respirer ensemble. Dans les grandes métropoles européennes se créent à l’initiative d’activistes-artistes des « vacuoles » (Cf. Félix Guattari), des lieux où les habitants des quartiers pauvres peuvent eux aussi associer leurs idées et inscrire (...) leurs rêves, se rendre disponibles à l’événement. La construction collective en langues multiples, celle des immigrations locales, est charpentée par un travail d’analyse et de mise en commun, par l’édification lente d’un « plan de consistance » (Cf. Félix Guattari) translocal et transnational. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:preface That an overtly white-nationalist misogynist demagogue was voted into power in the United States is cause for alarm and despair. As the election results sink in and analyses take shape, we at Feminist Studies mark this moment via poetry, a tradition of feminist expression that we have long nurtured. We include in this issue a special section on poems responding to the election. Raw by necessity, they allow (...) for a collective processing of feelings experienced in this moment, even as we prepare for the courage and acuity needed in days ahead. The scholarly works in this issue offer reflections on the travels of the term gender: in French Canadian feminist circles; the misreadings of gender and sexuality in histories of post-WWII New York City; and the gains and gaps in activism against gender-based violence and inequality. Geneviève Pagé recounts how the term gender was taken up in French Canadian scholarship, while Alix Genter offers a visual history of what butchness meant in 1950s and 1960s New York City. Julie R. Enszer tracks the representation of women writers through literary grants offered by the National Endowment for the Arts and in Norton anthologies, making the case that gender parity remains an elusive goal. Elizabeth Jean Hornbeck narrates the 1980 horror film The Shining as a commentary on violence against women and child abuse that uses the Gothic form to salutary effect. Nikki Lane reviews recent scholarship in black queer ethnography, and Jennifer A. Wagner-Lawlor introduces us to the feminist eco-art of Pamela Longobardi. Our featured poets, apart from our special section, are Hannah Baker Saltmarsh and Karen An-hwei Lee. Our closing forum on trigger warnings narrates the innovative practices that Alexis Lothian and Ramzi Fawaz propose in response to a contentious pedagogical debate. 560Preface Geneviève Pagé describes the history of the journey of the term gender in feminist circles in Montreal, using this case to comment on the dilemmas that arise from Anglocentrism in feminism. Pagé argues that in many ways, the term gender was not well suited to the context she highlights: Quebec feminists already possessed an intellectual infrastructure for referencing the meanings of the term gender through alternative phrasing, such as rapport sociaux de sexe. Furthermore, the grammatical concept of genre was “a concept central to the French language, but only peripheral in the English language,” and therefore, its use in French carried a potential “naturalizing” connotation. Nonetheless, given the dominance of English in feminist theory, Pagé concludes that “the polysemic nature of gender” allowed “for a fluid and multiple account of the local and global processes at work in the construction of women and men” in this context. Alix Genter gives us a nuanced understanding of butch genders and butch-femme aesthetics. Rather than relying on a stereotypical version of the 1950s queerly legible butch in masculine clothes, Genter argues that butchness itself was visually nuanced and coded in different ways than expected. Referencing a rich archive of 1950s-era photographs, Genter demonstrates that butch-identified women “conveyed their identities through alternate means that included clandestine codes and plays on women’s fashions.” This approach to butch aesthetics and lesbian self-representation opens up the common notion of a strict butch-femme contrast and introduces the concept of conscious mutual survival between the two lesbian identities. The appreciation of nuance continues in Nikki Lane’s review essay of reflexive ethnographic research about black queer communities. Lane’s review of recent work by Jafari S. Allen, Marlon Bailey, Mignon Moore, and Mireille Miller-Young highlights the attention these authors give to the complex politics of sexuality in everyday experiences of black communities. With an emphasis on the illuminating potential of ethnography and qualitative methodologies, Lane discusses how each text adds to our understanding of processes of “racialization, gendering, and sexualization.” Lane concludes that black queer and feminist ethnographic methods help accrue an embodied knowledge—the “flesh”—of black queer experience. Preface 561 The art featured in this issue is by Pamela Longobardi, who uses found-plastic objects to create painting, sculptures, installations, assemblages, photographs, and community-art projects. As an artist with training in biology, Longobardi focuses on the... (shrink)

Résumé En 2007, bon nombre d’expositions, colloques et numéros monographiques de revues se sont penchés sur les rapports entre l’art et le féminisme, alors que la Documenta 12, très critiquée pour son approche conservatrice, restera peut-être dans l’histoire pour avoir été la première Documenta à montrer 50 % d’artistes femmes. En s’interrogeant sur ces différents phénomènes, cet article pose la question des temporalités du féminisme opposées à la linéarité du récit de l’histoire de l’art et propose une utilisation (...) stratégique du féminisme dans le domaine esthétique. (shrink)

Résumé En 2007, bon nombre d’expositions, colloques et numéros monographiques de revues se sont penchés sur les rapports entre l’art et le féminisme, alors que la Documenta 12, très critiquée pour son approche conservatrice, restera peut-être dans l’histoire pour avoir été la première Documenta à montrer 50 % d’artistes femmes. En s’interrogeant sur ces différents phénomènes, cet article pose la question des temporalités du féminisme opposées à la linéarité du récit de l’histoire de l’art et propose une utilisation (...) stratégique du féminisme dans le domaine esthétique. (shrink)

Dans cet ouvrage remarquable, Davesh Soneji, revisite deux siècles d’histoire artistique et sociale des danseuses indiennes, mieux connues sous le terme générique sanskrit de devadāsīs (deva, « divinité », et dāsīs, « servantes », « servantes des dieux »). Depuis la fin du xiiie siècle, la majorité des voyageurs européens en Inde ont évoqué ces femmes, à la fois danseuses, poétesses et musiciennes accomplies, dont la présence dans les temples les surprenait. Ces artistes étant aussi courtisan...

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:34 Feminist Studies 47, no. 1. © 2021 by Feminist Studies, Inc. James Bliss Defense, Redemption, Care: Black Feminist and Queer Studies Literary theory continues to be received by some as if it were an alien or antagonistic presence from whose leaden and reductive grasp it is imperative to keep literature protected. It is rare, however, that it is the literary, as such, that is being protected, rather than (...) a certain comfortable accommodation with it—not irreducible strangeness and surprise, but the security of knowing that one’s expectations will be fulfilled and one’s competence as a reader rewarded. The pleasures of accommodation and immediate assimilation are the first that theory asks us to forego—which may do as much to make it seem forbidding and “inhumane” as anything it actually proposes. —Elizabeth W. Bruss1 I. Theory Not for the first time, we find ourselves building new genres. Pursuing new writings. Not for the first time, the theoretical and the literary envelope, eclipse, and rearticulate one another. What’s more, the theoretical has been a mode of artistic practice for so long that every page is a palimpsest, a sedimentation of sedimentations of conceptual frames— swirled, spiraling genealogies. Fluent in invented tongues, in the idioms 1. Elizabeth W. Bruss, Beautiful Theories: The Spectacle of Discourse in Contemporary Criticism (Baltimore, MD: Johns Hopkins University Press, 1982), 483. 35 James Bliss Books Discussed in This Essay Black Feminism Reimagined: After Intersectionality. By Jennifer C. Nash. Durham, NC: Duke University Press, 2019. None Like Us: Blackness, Belonging, Aesthetic Life. By Stephen Best. Durham, NC: Duke University Press, 2018. Sensual Excess: Queer Femininity and Brown Jouissance. By Amber Jamilla Musser. New York: NYU Press, 2018. Queer Times, Black Futures. By Kara Keeling. New York: NYU Press, 2019. of invention, in the fluid looseness of disintegrated discourses, our works turn singular. The monograph as signature. The page promises to freeze the text, the object, the artwork, the lifeworld, the performance, and in that stillness to teach us its movements. New moves, secret passageways, lines of escape and gaps in the walls of institutions that die, dissolve, and ossify around and inside us. And here we are. The permanent apocalypse that racial capitalism has been for most life has reached the quadrangles of the college campus. What are we even doing anymore? In the great and dreadful remaking of higher education, as students face permanent indebtedness as the cost of entry into a world without work, what is the ethical impetus for our researches and the systems within which we publish? What are the ethics of critical cultural studies in a debt mine? By what arithmetic do we benefit the students we teach to “steal from the university ” when the university is so much more adroit at stealing from them (and us)? At the same time that the contours of our professional lives are, apparently, unraveling, we find ourselves in (another) new renaissance in Black studies and Black study. We find ourselves within (another) new moment of textual production around the trio of race/gender/sexuality— that is, around Blackness or around Black feminism. 36 James Bliss Or, Black invention—where the Black female, femme, feminine, and maternal operate as synecdochic figures for a species of poiēsis.2 In the 1980s, Jacques Derrida wryly called California the “state of theory” as a function of its tectonic instability.3 In the 2010s, Blackness became the state of theory as a function of its coincidence of death and life, ending and beginning, absence and excess, apocalypse and invention. Blackness, in this instance, is as material as it is metaphor, a projection of meaning across both the great ephemeral skin and the body as flesh. This piece emerges from a sense of the necessity and the hazards of an intellectual history of a moment during which, to take a suggestive phrase from Jared Sexton, “Blackness is theory itself, anti-blackness the resistance to theory.”4 But already language presents an issue. What is the relationship between Sexton’s “theory” and the “theory” found in the epigraph from Elizabeth Bruss? Or, between Sexton’s “theory” and Lewis R. Gordon’s “theory,” as Sexton borrows from Gordon’s “Theory in... (shrink)

La quête de repères identificatoires est probablement l'une des plus vieilles entreprises que l'humanité s'est donnée pour asseoir son histoire et construire sa mémoire. Toutes les sociétés, toutes les civilisations, fussent les pires totalitarismes, ont besoin d'une genèse héroïque — et donc exemplaire — pour fonder leurs origines. Une geste destinée à justifier leur présent ; un point de départ qui fixe un "avant" et un "après" et qui fait qu'à partir d'un événement créateur, selon la formule maintes fois annoncée, (...) toujours contredite : "rien ne sera plus jamais comme avant". On a tous besoin d'un père, tous besoin d'un géniteur, individuel ou collectif. Cette qualité peut naturellement se décliner sous différentes formes : le "père fondateur" est, selon les cas, un homme, une femme, un événement, un discours, un livre... Cet ouvrage se propose donc d'explorer ce concept, en croisant différentes approches : la linguistique, l'histoire, la philosophie, la littérature et le droit. (shrink)

Adaptation de plusieurs conférences de l’auteure, ce petit livre (par son format et son nombre de pages) a l’ambition de nous présenter, à partir du Portrait de femme noire (1800), visible au musée du Louvre depuis deux siècles, « une histoire impériale des formes » (p. 19) en replaçant l’expérience de la diaspora africaine dans le champ des beaux-arts occidentaux. L’œuvre d’art n’est plus seulement considérée comme le fruit d’une volonté individuelle de l’artiste mais doit être replacée dans...

Sur la couverture du catalogue de l'exposition présentée à l'automne 2003 au Muséum d'histoire naturelle de Lyon, on peut voir la photographie pleine page d'une femme en foulard, prise dans un décor oriental traditionnel, un lecteur de CD collé à l'oreille. Le décalage entre la pose, la tenue traditionnelle de cette femme et la modernité de l'objet surprend et accroche le regard. Le cliché de l'artiste iranienne, Shadi Ghaditian, date de 1998. Comme d'autres photographies exposées et...

Du début du xxe siècle aux années 1950, en Égypte, le geste de se dénuder se politise. Cet article s’intéresse à la façon dont des militantes et artistes mobilisent le dénudement dans leurs répertoires d’actions et dans leurs stratégies rhétoriques à des fins nationalistes ou féministes. Cette recherche propose ainsi un panorama chrono-thématique des questions relatives à la corporalité féminine, mises au-devant de la scène par ces femmes engagées. Des années 1900 aux années 1920, l’étude se focalise sur (...) les corps féminins dans la rue, visibles, mobilisés et révélés au nom du « bien-être de l’humanité ». Puis, pour évoquer le tournant des années 1920 et 1930, l’analyse porte sur les corps dans les sports ou à la plage, exposés et « bons » pour la nation. Enfin, la réflexion se déploie sur les « beaux » dénudements et la patrie dans les arts, la mode et les concours de beauté, du milieu des années 1930 aux années 1950. (shrink)

En 1983, un groupe de femmes japonaises francophiles, très intéressées par le féminisme français et les changements rapides de la vie des femmes en France depuis les années 1970, créent la Société Franco-japonaise des Études sur les Femmes. Le but est de promouvoir une meilleure compréhension entre les deux cultures et de développer des liens avec les Françaises sur un grand nombre de questions féminines. Le projet se révéla vite être un succès. Parmi les études entreprises par (...) la Société, l’analyse comparée de l’histoire des Françaises et des Japonaises, domaine très peu exploré alors, a suscité un vif intérêt chez les participantes. Cet article revient sur vingt années de réflexion, de recherche, et d’échange par un groupe d’historiennes non-professionnelles sur les relations entre histoire et expériences de vie personnelles. Il nous montre comment l’étude de l’histoire des femmes dans un contexte international peut être fructueuse et bénéfique, et combien une libre discussion collective, sans tabous, sur ce sujet peut éveiller ou approfondir la conscience féministe. (shrink)

Militante et réflexive, l’histoire des femmes a aussi besoin d’exprimer ses doutes et ses inconforts. Rattrapée par l’actualité, la violence et nombre d’événements cruels et tragiques, par des incertitudes majeures vécues par l’ensemble du monde intellectuel, elle pose aujourd’hui en cet article collectif des interrogations et des inquiétudes. Ce travail à plusieurs (les participantes du Groupe d’histoire des femmes du CRH) cherche à mettre à plat ce qui actuellement se dérobe à notre connaissance, en partant de notions-clés souvent (...) utilisées, comme consentement, sexualité, écriture, patriarcat, etc. Chacune de ces notions est discutée à la lumière des brouillages actuels, des temporalités nouvelles, de l’avènement triomphant du corps marchandise, de la pauvreté grandissante, etc. (shrink)

En 1983, un groupe de femmes japonaises francophiles, très intéressées par le féminisme français et les changements rapides de la vie des femmes en France depuis les années 1970, créent la Société Franco-japonaise des Études sur les Femmes. Le but est de promouvoir une meilleure compréhension entre les deux cultures et de développer des liens avec les Françaises sur un grand nombre de questions féminines. Le projet se révéla vite être un succès. Parmi les études entreprises par (...) la Société, l’analyse comparée de l’histoire des Françaises et des Japonaises, domaine très peu exploré alors, a suscité un vif intérêt chez les participantes. Cet article revient sur vingt années de réflexion, de recherche, et d’échange par un groupe d’historiennes non-professionnelles sur les relations entre histoire et expériences de vie personnelles. Il nous montre comment l’étude de l’histoire des femmes dans un contexte international peut être fructueuse et bénéfique, et combien une libre discussion collective, sans tabous, sur ce sujet peut éveiller ou approfondir la conscience féministe. (shrink)