Première section. Représentations et esthétiques du désordre -- Deuxième section. Encadrer les désordres, s'accommoder des désordres -- Troisième section. Sens et stratégies des désordres -- Quatrième section. Autour du désordre : débats et discordances.

En focalisant notre attention sur l'atelier comme lieu de formation des improvisateurs et improvisatrices de théâtre, cet article vise à réintroduire le Théâtre d'Improvisation dans le processus d'apprentissage qui l'accompagne. Dirigé par un·e chef·fe d'atelier chargé·e de la gestion des exercices, des consignes ainsi que des retours, l'atelier se construit comme un jeu interactionnel et discursif visant à transmettre des compétences à improviser. Ce processus suppose des modalités d'ajustements collectifs et de compréhension mutuelle entre les comédien·ne·s qui s'exercent et le·la (...) chef·fe d'atelier qui prend le rôle de conseiller·ère, d'évaluateur·rice et d'enseignant·e. En ce sens, le travail d'atelier relève d'une dynamique particulière en tant que performance avant la performance publique, impliquant d'élargir la notion d'exercice à ses débordements interactionnels. Au sein de ce cadre pédagogique, le retour, moment d'échanges en aval de l'exercice, devient un phénomène primordial. S'il recouvre différentes fonctions telles que l'évaluation, la critique ou le conseil, le retour offre aussi la possibilité de déréférencer le propos de l'exercice en question pour traiter du Théâtre d'Improvisation comme pratique. Le retour dans sa dimension épisémiotique permet dès lors de saisir le passage de l'exercice, comme phénomène éphémère et localisé à la pratique du Théâtre d'Improvisation, comme discipline stabilisée et collective. (shrink)

En focalisant notre attention sur l'atelier comme lieu de formation des improvisateurs et improvisatrices de théâtre, cet article vise à réintroduire le Théâtre d'Improvisation dans le processus d'apprentissage qui l'accompagne. Dirigé par un·e chef·fe d'atelier chargé·e de la gestion des exercices, des consignes ainsi que des retours, l'atelier se construit comme un jeu interactionnel et discursif visant à transmettre des compétences à improviser. Ce processus suppose des modalités d'ajustements collectifs et de compréhension mutuelle entre les comédien·ne·s qui s'exercent et le·la (...) chef·fe d'atelier qui prend le rôle de conseiller·ère, d'évaluateur·rice et d'enseignant·e. En ce sens, le travail d'atelier relève d'une dynamique particulière en tant que performance avant la performance publique, impliquant d'élargir la notion d'exercice à ses débordements interactionnels. Au sein de ce cadre pédagogique, le retour, moment d'échanges en aval de l'exercice, devient un phénomène primord... (shrink)

Qu'est-ce que penser? Construire le réel ou le décrire? Ou bien encore ne peut-on connaître du réel que ce qu'il n'est pas? Toute production de connaissance est prise de risques, risque de l'autre mais aussi risque de soi. Tout travail théorique traduit en théorie(s) angoisses, désirs, sympathies, et fantôme de soi. Et si toute activité de recherche comme d'ailleurs toute activité de création artistique n'était que mise en abîme? Entre psychanalyse et philosophie, la théorie du membre-fantôme interroge le (...) statut du savoir contemporain. Puis l'ouvrage se propose d'en faire un levier d'analyse d'un parcours singulier de chercheure. (shrink)

Cet article propose un regard historique sur la notion d’exercice en art, à travers le cas du métier de comédien dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Alors qu’une véritable théâtromanie s’empare de la société française, les acteurs et les actrices doivent répondre aux exigences d’un public friand de nouveautés à l’affiche. L’article met en lumière des pratiques peu visibles du travail artistique, comme l’effort de mémorisation des rôles, ou les modalités d’organisation des exercices au sein de la (...) première école dramatique française (1786-1789). Nous montrons également que la reconnaissance croissante de la centralité de l’exercice, à la fois corporel et intellectuel, dans le métier de comédien contribue à définir la spécificité de l’art dramatique dans le second XVIIIe siècle. (shrink)

Les honoraires sont une forme de rémunération rudimentaire et mal définie, en total décalage avec l’économie actuelle du travail prise dans son ensemble. Le travail artistique se trouve au cœur d’une industrie multimilliardaire et pourtant aucune norme, convention ou réglementation ne vient encadrer la rémunération des artistes. Les artistes fournissent une force de travail. En tant que représentant de cette force de travail, W.A.G.E. demande qu’une rémunération mandatée et transparente soit fixée, correspondant au travail (...) effectué par les artistes pour les expositions, les programmes et les publications. (shrink)

Résumé Gerard Richter et Paul Cézanne ont l’un et l’autre déclaré « peindre comme un appareil ». Le premier affirme pourtant refuser toute culture de la peinture qui lui rappellerait le second. Partant de l’idée que le contemporain recèle toujours de la diversité, le présent article soutient que G. Richter n’a pas de raison d’attaquer spécifiquement Cézanne. L’un et l’autre artiste ont sur la condition du travail artistique des positions comparables. Ce qui peut les opposer, c’est le point (...) de départ du travail, lié à une donne plus naturelle chez l’un que chez l’autre, mais non ce qu’il s’agit de faire : séparer l’idée du peindre de son implication dans l’art oratoire des figures, réaliser sans faire signifier, œuvrer sans imiter. Au-delà des incertitudes par ailleurs essentielles du jugement de goût, par-delà les différences évidentes dans l’allure des œuvres, une idée non de la peinture mais du peindre lie Richter à Cézanne. Cette idée procède d’une opposition de principe à la position historique du « libéral » en art. (shrink)

La photographe, vidéaste, plasticienne et dessinatrice Michèle Magema analyse sa pratique artistique, marquée par l’exil et l’appartenance à des territoires multiples. La métamorphose, le Tout-Monde, l’état de postcolonie, la monstration du corps féminin : autant de motifs de son travail artistique. Oyé Oyé est une installation mêlant images de défilés du temps de Mobutu et reconstitution par l’artiste des codes gestuels imposés aux écoliers sous la dictature. Under The Landscape reproduit et interroge les frontières politiques du Congo. (...) Evolve revient sur la catégorie coloniale d’« évolué ». Rappelle-moi de ne pas oublier nos territoires rêvés interroge le « retour au pays natal » de l’artiste, après plus de trente ans d’absence. Michèle Magema définit son travail comme une création de fiction, une exploration des relations entre le Congo, la France et la Belgique, une étude des effets politiques du monde globalisé sur les individus. (shrink)

La théorie nietzschéenne du génie, dans la mesure où elle réhabilite positivement la contrainte et la convention dans la création artistique, permet de dépasser la mystérieuse théorie romantique d'inspiration naturaliste. Sur quoi repose cette théorie esthétique nietzschéenne ? Sur l'assimilation de la langue de l'artiste à une convention efficiente, c'est-à-dire lui permettant de communiquer activement avec un public, et donc d'être compris. La véritable convention est celle qui naît du besoin, et qui, – intégrée dans un travail de (...) soi sur soi commandé par la contrainte, le sérieux et la discipline, – se transforme en une nouvelle habitude, et devient une seconde nature, sous l'effet de la répétition acharnée. Elle s'oppose au laisser-aller, et rend possible la constitution d'une véritable culture dépassant l'opposition de la convention et de la nature. Elle définit selon l'auteur le style de l'esprit libre, soit l'artiste capable « de danser dans les chaînes », c'est-à-dire de jouer avec la convention. La véritable liberté artistique ne consiste donc pas à s'affranchir de la tradition, mais à la maîtriser et à jouer avec elle. La théorie de la création artistique élaborée par Nietzsche fournit ainsi le paradigme d'une libération de l'esprit. (shrink)

Depuis la Renaissance, une série de textes témoignent de l’intérêt des artistes pour l’informe, d’un passage du Traité de la peinture de Léonard de Vinci à Degas, Danse, Dessin de Valéry. Léonard de Vinci, Alexander Cozens ou Paul Valéry proposent des « exercice[s] par l’informe», selon l’expression de Valéry. Il s’agit bien d’« exercice[s] », d’activités répétées pour aiguiser les facultés de l’esprit. Ces exercices s’adressent avant tout aux artistes et plus particulièrement aux dessinateurs et aux peintres ; ils constituent (...) une préparation à la création artistique. Ils n’ont généralement pas pour but d’appréhender l’informe ; c’est pourquoi Valéry emploie la tournure « exercice[s] par l’informe» : travailler l’informe est un moyen, une activité qui a le plus souvent pour fin une œuvre qui manifeste un rapport renouvelé aux formes. Comme les « exercices spirituels » dont Pierre Hadot a montré l’importance dans la philosophie antique, ces exercices reposent sur une pratique plutôt que sur une théorie ; comme eux, ils engagent l’esprit — l’entraînement d’une faculté particulière réclame en fait le concours de plusieurs. Cette pratique, qui n’est jamais définitivement acquise, doit par conséquent être répétée. En effet, chacun de ces exercices possède une fonction critique et la critique doit être reconduite tant que perdure l’habitude ou l’illusion qu’elle combat. La différence essentielle tient à la visée de l’exercice : les pratiques que nous étudierons ne tendent pas à réformer le mode de vie du sujet et ainsi à transformer le sujet lui-même, mais à produire une œuvre. Vinci, Cozens et Valéry proposent des exercices artistiques. Si l’exercice spirituel est « une pratique destinée à opérer un changement radical de l’être », selon l’expression d’Hadot, l’exercice artistique possède sans doute un but plus modeste : il vise à développer les facultés fondamentales pour la création artistique, telles que l’imagination, « les capacités d’invention », selon l’expression de Cozens, ou la sensibilité. Les exercices spirituels tendent à apprendre à vivre, tandis que les exercices artistiques ont pour but d’apprendre à créer. Parmi ceux-ci, les exercices par l’informe se distinguent par leur radicalité. D’abord, ils jouent souvent un rôle liminaire : ils exercent l’esprit et dans certains cas le corps en vue de la première étape de la création artistique, l’invention. Mais surtout, ils exercent des facultés fondamentales pour la création artistique, en particulier dans le domaine des arts visuels, pour lesquels écrivent non seulement Vinci et Cozens mais aussi Valéry : les exercices par l’informe ont pour enjeu non seulement d’apprendre à créer, mais aussi d’apprendre à voir. (shrink)

La manifestation artistique Mothership (Nantes, 2010), conçue par Michaël Sellam, artiste invité à l'école des beaux-arts de Nantes, autour d'un scénario inspiré du cinéma de science-fiction et de " mondes parallèles ", nous a permis de mener un questionnement inédit portant sur le travail d'artistes émergents faisant appel aux techniques du numérique (son, multimédia...) Si les oeuvres ont été abordées sous l'angle classique de l'analyse voire de la psychanalyse, et de la déconstruction, elles ont surtout été le point (...) de départ de discussions et réflexions philosophiques originales prenant appui sur une théorie des appareils - à distinguer des simples dispositifs et systèmes de communication - visant à appréhender les enjeux actuels de l'art et de la culture, innervés par une techno-science qui se voudrait porteuse d'espoir et d'utopie, quand elle se trouve bien souvent emportée dans des dérives commerciales, totalitaires et sectaires : l'individu, pris dans une temporalité vide, effrénée, et dépossédé d'une technique qu'il n'a pu intérioriser, se retrouve prolétarisé (Stiegler). Quelles seraient les alternatives à un tel phénomène? Comment, par l'expérience, matérialiser les immatériaux. La figure polymorphe - à la fois fantastique, imaginaire, sociale et politique - de l'extraterrestre (étranger, handicapé, hérétique, parasite, fou, génie, monstre, ange ou sauveur...) s'est progressivement imposée, nous conduisant à interroger les problématiques portant sur la différence et sur les différends qu'elle suscite, sur l'errance, la spectralité, l'événement et l'univers infini, l'archaïque et l'ultramoderne... Le rapport entre art et croyance, science et idéologie, foi et savoir (Derrida) s'est révélé déterminant dans notre réflexion, la pierre angulaire se situant dans la technique, potentiellement aliénante du fait des normes qu'elle met en jeu, ou au contraire émancipatrice, quand elle parvient à dépasser sa condition hylémorphique. (shrink)

Le present travail propose une analyse philosophique de l'esthetique d'Andre Breton. ;Meme si, en raison de l'importance du surrealisme au XXeme Siecle, cette doctrine semble bien incontournable pour quiconque s'interesse a l'esthetique, elle n'a guere fait, a ce jour, l'objet d'une veritable reflexion philosophique. Notre travail repose donc d'abord sur l'hypothese que l'oeuvre de Breton presente un interet du point de vue philosophique, hypothese qui est etablie en introduction. Faisant ensuite etat des difficultes que rencontre tout examen philosophique (...) du surrealisme, nous precisons le sujet que nous avons retenu compte tenu de ces difficultes: il s'agit de la question de l'art comme manifestation sociale et donc des deux problemes suivants: celui de l'autonomie de l'art, d'une part; celui de l'engagement de l'artiste, d'autre part. ;La suite de notre travail est consacree a une lecture interne des textes de Breton qui permet de cerner le point de vue surrealiste sur ces deux problemes, cette demarche etant menee selon l'approche diachronique que nous avons retenue. Nous sommes parvenus a etablir que Breton croit d'une part en l'autonomie du probleme artistique et d'autre part que l'art authentique est, par la seule vertu de cette authenticite, revolutionnaire et engage. Les corollaires de ces idees sont qu'aucun artiste ne saurait, au risque de nier la signification et la portee de sa demarche propre, ignorer, dans sa discipline, l'etat donne du probleme artistique; que rien ni personne ne saurait dicter a l'art la nature ou la fonction de sa demarche; enfin, que c'est l'art authentique qui fait l'art revolutionnaire et non pas l'art revolutionnaire qui fait l'art authentique. ;Au total, l'oeuvre de Breton promeut une conception revolutionnaire de l'art dont nous avons cherche a degager l'essentiel du point de vue philosophique--option metaphysique moniste d'un univers cryptogrammatique, surrationalisme, surdetermination de l'esthetique par l'ethique--et qui font de son oeuvre une des plus passionnees et des plus convaincantes defense et illustration de l'art au XXeme Siecle. (shrink)

Dans ce travail, nous tentons de démontrer que l’interrogation merleau-pontienne sur l’art s’ordonne selon trois mouvements spéculatifs distincts et successifs. Dans les années quarante, l’élaboration d’une phénoménologie de la perception conduit Merleau-Ponty à aborder l’art à partir de l’oeuvre d’art et du sujet percevant qui la reçoit, c’est-à-dire du spectateur. Au début des années cinquante, cette phénoménologie de l’oeuvre d’art et de la perception esthétique fait place à une philosophie de l’expression. Le point de départ du questionnement artistique (...) change : il est, non plus le sens exprimé, mais l’acte expressif ou créateur. La signification de l’oeuvre d’art se voit dès lors ressaisie à partir du sens d’être de l’artiste : l’oeuvre est une réponse aux manques perceptifs de l’artiste. À la fin des années cinquante, le cheminement merleau-pontien connaît un tournant ontologique. Merleau-Ponty en vient à régresser en-deçà de l’artiste, vers l’Être même, lequel s’impose finalement comme le créateur véritable. La dernière philosophie de l’art merleau-pontienne prend dès lors les allures d’une traditionnelle philosophie de l’inspiration.In this work, we undertake to demonstrate that the merleau-pontian inquiry into art orders itself according to three distinct and successive speculative movements. In the 1940s, the elaboration of a phenomenology of perception led Merleau-Ponty to approach art starting from the work of art and the perceiving subject who receives it, the spectator. From the beginning of the 1950s, this phenomenology of the work of art and aesthetic perception gave way to a philosophy of expression. The point of departure for artistic questioning changes: it is no longer the meaning expressed, but the expressive or creative act. The signification of the work of art sees itself from this moment understood starting from the meaning of being for the artist: the work is a response to perceptive omissions of the artist. At the end of the 1950s, the merleau-pontian progress of thought experiences an ontological turning. Merleau-Ponty wants to regress below the artist, toward Being itself, which imposes itself finally as the true creator. The last merleau-pontian philosophy of art takes from this moment the aspects of a traditional philosophy of inspiration.In questo lavoro cerchiamo di mostrare come l’interrogazione merleau-pontiana attorno all’arte si dispieghi secondo tre movimenti speculativi distinti e successivi. Negli anni Quaranta l’elaborazione di una fenomenologia della percezione porta Merleau-Ponty a esaminare l’arte a partire dall’opera e dal soggetto percipiente che la fruisce, ossia dallo spettatore. All’inizio degli anni Cinquanta, tale fenomenologia dell’opera d’arte e della percezione estetica cede il passo a una filosofia dell’espressione. Il punto di partenza dell’interrogazione artistica cambia: non è più il senso espresso, ma l’atto espressivo o creativo. Il significato dell’opera d’arte è quindi ricompreso a partire dal senso d’essere dell’artista: l’opera è una risposta alle lacune percettive dell’artista. Alla fine degli anni Cinquanta assistiamo a una svolta ontologica nell’itinerario merleau-pontiano. La ricerca di Merleau-Ponty ci conduce al di qua dell’artista, verso l’Essere stesso, che s’impone infine come l’autentico creatore. L’ultima filosofia dell’arte merleau-pontiana assume i contorni di una tradizionale filosofia dell’ispirazione. (shrink)

L’exercice artistique suppose un rapport au temps spécifique : l’homme s’exerçant à son art répète, reprend, corrige ses gestes. Mais en va-t-il de même concernant la réception des œuvres : la perception du spectateur s’exerce-t-elle par répétition et variation des expériences esthétiques? L’objet de cet article est de montrer qu’il existe un type d’exercice dont le mécanisme repose plutôt sur la déstabilisation des habitudes de perception. À partir des réflexions valéryennes sur l’informe dans l’Introduction à la méthode de Léonard (...) de Vinci et Degas, Danse, Dessin, nous proposons de penser un exercice de la perception qui passe par la décomposition de ses mécanismes. Cette idée trouve sa réalisation dans des dispositifs artistiques labyrinthiques tels que l’exposition Contact d’Olafur Eliasson (Fondation Louis Vuitton, 2014-2015) qui, en perturbant les échelles d’espace et de temps, oblige le récepteur à produire consciemment le travail de cohérence de la synthèse perceptive. (shrink)

L’exercice artistique suppose un rapport au temps spécifique : l’homme s’exerçant à son art répète, reprend, corrige ses gestes. Mais en va-t-il de même concernant la réception des œuvres : la perception du spectateur s’exerce-t-elle par répétition et variation des expériences esthétiques? L’objet de cet article est de montrer qu’il existe un type d’exercice dont le mécanisme repose plutôt sur la déstabilisation des habitudes de perception. À partir des réflexions valéryennes sur l’informe dans l’Introduction à la méthode de Léonard (...) de Vinci et Degas, Danse, Dessin, nous proposons de penser un exercice de la perception qui passe par la décomposition de ses mécanismes. Cette idée trouve sa réalisation dans des dispositifs artistiques labyrinthiques tels que l’exposition Contact d’Olafur Eliasson qui, en perturbant les échelles d’espace et de temps, oblige le récepteur à produire consciemment le travail de cohérence de la synthèse perceptive. (shrink)

L’exercice artistique suppose un rapport au temps spécifique : l’homme s’exerçant à son art répète, reprend, corrige ses gestes. Mais en va-t-il de même concernant la réception des œuvres : la perception du spectateur s’exerce-t-elle par répétition et variation des expériences esthétiques? L’objet de cet article est de montrer qu’il existe un type d’exercice dont le mécanisme repose plutôt sur la déstabilisation des habitudes de perception. À partir des réflexions valéryennes sur l’informe dans l’_Introduction à la méthode de Léonard (...) de Vinci_ et _Degas, Danse, Dessin_, nous proposons de penser un exercice de la perception qui passe par la décomposition de ses mécanismes. Cette idée trouve sa réalisation dans des dispositifs artistiques labyrinthiques tels que l’exposition _Contact_ d’Olafur Eliasson qui, en perturbant les échelles d’espace et de temps, oblige le récepteur à produire consciemment le travail de cohérence de la synthèse perceptive. (shrink)

Nous sommes des êtres de chair, mais cette évidence s'obscurcit dès qu'il est question de déterminer l'étendue des aptitudes du corps et la nature de ses rapports avec l'esprit. Que peut au juste le corps? Telle est l'interrogation qui sous-tend depuis longtemps la réflexion philosophique et qui rend nécessaire aujourd'hui encore l'élaboration d'un " Connais-toi toi-même " corporel. Il importe alors d'examiner le corps à l'œuvre et d'explorer les diverses facettes de la corporéité pour en montrer la prodigieuse puissance. A (...) cet effet, il convient d'abord de cerner l'essence et la sphère d'extension de ce concept en épousant le mouvement qui, de l'inerte au vivant, des corps bruts au corps humain, préside à la constitution des multiples formes corporelles. Il s'agit ensuite de mesurer la puissance du corps à l'aune de ses capacités pratiques : puissance technique du corps en travail et au travail, puissance artistique et éthique du corps promoteur de valeurs, puissance sexuelle enfin qui nous enseigne de manière problématique aussi bien la différence entre nous et nous-mêmes - tant nous ne sommes pas ce que nous croyons être - que la différence entre le masculin et le féminin. Cet ouvrage est tout autant une méditation et une synthèse philosophiques qu'un hymne à la joie du corps. (shrink)

L'art contemporain n'a cessé de bousculer les évidences et les catégories par lesquelles l'esthétique entendait rendre compte de l'art, au point que la distinction entre art et non-art devient problématique, en tout cas ne peut être abordée que d'une manière interne à chaque contexte artistique. Le présent volume propose un ensemble d'études qui font de la notion de frontière un objet d'investigation et un outil d'exploration. De la rigidité à la perméabilité sur le plan institutionnel, du défi à toutes (...) les formes de transaction, c'est à une cartographie conceptuelle du monde de l'art plus mobile qu'il souhaite travailler. (shrink)

Au siècle du capitalisme organisateur, les symboles humains, la création artistique et le sens esthétique sont sous assistance respiratoire. C’est bien les logiques commerciales et de la financiarisation de l’art qui leur administrent une perfusion. Le moteur du sens esthétique est ainsi dans une relative hétéronomie. C’est justement parce qu’il est possible de mettre des grains de sable dans ce « moteur esthétique, fille du capitalisme », qu’il faut résister à cet enlaidissement de la vie en mettant en question (...) — sous plusieurs angles et de manière répétitive — le fonctionnalisme qui envahit « la dimension esthétique » de l’homme à travers l’exploitation de son attention et de son imaginaire. Dans cette recréation du sens esthétique, l’objet d’art y aura un autre statut. Il nous forcera à un déplacement des regards, de l’objet vers le travail sur l’objet, de l’objet comme produit aux conditions de production qui renseignent et sur le travailleur et sur ses conditions de travail. Un regard qui dépasse la matérialité de l’objet avec sa commercialisation possible vers ce que cet objet prometou ne promet pas, vers ce que cet objet communique ou empêche de communiquer. Il faut restituer à l’objet d’art cet aura qui lui est toujours enlevé par la culture de masse qui peut agacer avec ses raccourcis, ses petites connivences, ses consécrations calculées, ses marchés organisés, ses grand-messes culturelles et son dédain de tout ce qui ne rentre pas dans la comptabilité. Le sens esthétique sera ainsi un travail sur les motivations du Sujet, les complications de son imaginaire, ses utopies ainsi que sur le statut de l’objet d’art qui pointe du doigt nos vies… si compliquées. (shrink)

Le génie de Léonard de Vinci, celui de Michel-Ange ressortent mieux sur le fond révélateur de l’Académie de Careggi, où Marsile Ficin règne en maître, évoquant sinon invoquant Platon. La culture platonicienne entretenue par Ficin - mais Cristoforo Landino ou Ange Politien sont tour à tour convoqués - délimite le contour d’un nouvel ordre artistique dont André Chastel, dans un travail de jeunesse qui engage déjà ses subtiles analyses d’histoire de l’art et des idées, rend raison avec passion. (...) En quelques pages lumineuses, Jean Wirth donne à ce maître livre sa juste place dans une tradition historiographique qu’il a contribué à renouveler. (shrink)

Aux initiatives actuelles pour tenter de faire de la musique avec l’intelligence artificielle, par exemple de Google ou des équipes d’Elon Musk, il manque l’essentiel : l’intention artistique et le feedback émotionnel. Telle est l’analyse de Jean-Claude Heudin, chercheur en intelligence artificielle et sciences de la complexité, mais aussi musicien et compositeur qui travaille sur un projet d’IA pour la musique électronique : Angelia.

Résumé Ce dossier se propose d’analyser les démarches artistiques qui travaillent à l’intérieur de contraintes préétablies, de cerner les modalités et les enjeux de ces contraintes choisies et de montrer comment se construisent avec elles, dans une diversification de ses modèles, de nouvelles approches de la création dans tous les domaines des arts.

Résumé Alors que la société du coin de la rue est plutôt masculine, les femmes cherchent des espaces communs : sorties d’école, permanences médicales, centre social, et aujourd’hui jardin. Sur ce besoin s’est greffée une pratique artistique et politique de construction d’espaces d’attente où respirer ensemble. Dans les grandes métropoles européennes se créent à l’initiative d’activistes-artistes des « vacuoles » (Cf. Félix Guattari), des lieux où les habitants des quartiers pauvres peuvent eux aussi associer leurs idées et inscrire leurs (...) rêves, se rendre disponibles à l’événement. La construction collective en langues multiples, celle des immigrations locales, est charpentée par un travail d’analyse et de mise en commun, par l’édification lente d’un « plan de consistance » (Cf. Félix Guattari) translocal et transnational. (shrink)

L’industrie de la culture qui est apparue en parallèle avec l’affaiblissement du dipôle travail social – art contemporain, a en même temps affaibli la possibilité des avant‐gardes de constituer une activité purement intellectuelle et artistique. C’est clair que l’apparition de cette culture de masse vient se lier avec l’évincement de l’art moderne authentique et la disparition quasi-totale de la culture populaire. Je pense que c’est indispensable de mentionner les points de vue des philosophes allemands, Theodor Adorno et Walter (...) Benjamin car je considère que malgré leurs limites historiques, ils exercent une influence déterminante sur la pensée contemporaine qui se relate à l’art dans le cadre de la société moderne postindustrielle. (shrink)

L’amateur – qui aime une chose, développe une activité pour son plaisir – est une figure qui dessine le paysage artistique contemporain. Le champ artistique étant soumis aux injonctions à la professionnalisation, réfléchir l’art en tant que manière d’être et d’agir en amateur, permet de repenser la pratique artistique. Engager celle-ci dans la sphère de l’amateurisme signifie alors remettre en question les attentes de production, d’efficacité et de visibilité, critiquer la notion de travail, pour prendre le (...) temps de faire, expérimenter et développer une pratique peut-être plus sincère, certainement plus amoureuse. Cette double figure de l’artiste amateur de et amateur en, offre ainsi un positionnement critique des plus pertinents au tournant du xxi e siècle. (shrink)

Figure du mouvement Arts and Crafts et militant socialiste, William Morris (1834-1896) n’a jamais séparé ces deux versants de son existence : quand la pratique artisanale et artistique participe d’une défense du travail contre sa dénaturation moderne, l’engagement politique vise à produire les conditions d’une vie digne qui ne peut se concevoir sans beauté. En introduction à la traduction de deux conférences de Morris inédites en français, nous revenons ici sur le rôle central que joue la notion d’ornement (...) dans sa réflexion, puisqu’elle se trouve justement à la croisée de ses conceptions esthétiques et politiques. (shrink)

Les formes et enjeux d’une patrimonialisation post-industrielle débordent la traduction littérale d’un patrimoine entendu comme héritage. Elle nous invite à considérer les traces de l’industrie – en l’occurrence de la mine – comme inscrites dans un processus toujours inachevé de protection, d’interprétation et de création, dont les enjeux ne sont assurément pas réductibles à la passion du collectionneur, ni même à la mise en tourisme d’un patrimoine envisagé comme vitrine culturelle d’une région. À partir d’un travail de recherche-accompagnement réalisé (...) en 2002-2003 pour la région Nord – Pas-de-Calais, nous interrogeons les formes de communication et de patrimonialisation du bassin minier visant, notamment, à le faire reconnaître au titre d’un patrimoine mondial de l’UNESCO. La problématique d’une reconversion prend ici son sens dans des formes actives d’interprétation culturelle, notamment artistique et environnementale, qui participent d’une relecture de l’activité économique et sociale passée et présente.The questions raised by post-industrial museums and their different forms challenge the idea of “heritage” taken as meaning an “inheritance”. They are an invitation to consider the traces of an industry – mining in this case – as part of an unfinished process of conservation, interpretation and creation, which is driven by more than a passion for collection or even the need to attract the interest of tourists in a heritage collection intended as a showcase for a region. A research and accompaniment project in 2002-2003 for the Nord – Pas-de-Calais region was our starting point for this investigation into the forms of communication and the treatment of heritage in this mining area, which was aiming, in particular, to achieve recognition as a UNESCO world heritage. Here, the economic conversion issue takes on particular significance in the active forms of cultural – and especially artistic and environmental - interpretation that stem from new ways of envisaging economic and social activities past and present. (shrink)

This study treats the writings of Fuchs as an example of recent materialistic historiography. Critical appreciation of his work involves critical appreciation of the whole concept of cultural history which prevailed in Socialist popular science in the last decade of the nineteenth century. The influence of dialectical materialism was slight, that of positivism greater. An excursus attempts to show how, with technical progress, the work of philosophers and scholars was impaired by this positivism even in the middle of the century. (...) The way in which Fuchs, writing from a Socialist position, attacked the bourgeois art history of a man like Wölfflin is described, but without neglecting his kinship to great bourgeois scholars like Brandes and Bastian. His biological conception of art is then analyzed in its historical conditions, and its close relationship to the intuitive methods of the collector demonstrated. As a collector Fuchs was rooted in the French tradition, but he brought to it the strict morality of German historiography. The Jacobin element in his historical writing is traced back to Schlosser. It appears that Fuchs could not entirely avoid collisions between his Jacobin morality and the materialist conception of history. His work displays a similar tension between that theory of history and his sexual ethics. On the other hand, he was able to throw much light on creative art from the study of sex. His most brilliant theoretical work is in his studies of Daumier. Daumier was also one of his chief subjects as a collector. The study closes with Fuchs’s role in the history of art collecting.Ce travail porte sur les écrits de Fuchs, considérés comme exemple de la méthode matérialiste contemporaine.Le jugement critique porté sur l’oeuvre de Fuchs se confond avec un jugement critique sur la notion d’histoire de la culture, qui dominait alors la science populaire d’inspiration socialiste. L’influence du matérialisme dialectique sur celle-ci était limitée ; Finfluence du positivisme était d’autant plus grande. Une disgression essaie de montrer, comment déjà au milieu du xixe siècle, ce positivisme avait nui aux réflexions des philosophes et des savants sur le progrès technique. On indique comment Fuchs, d’un point de vue socialiste, s’oppose à l’histoire de l’art bourgeois d’un Wölfflin, sans méconnaître la parenté entre Fuchs et de grands savants bourgeois comme Brandes et Bastian. On précise ensuite les conditions historiques dans lesquelles Fuchs a développé son interprétation biologique de l’art ; la méthode intuitive qui correspond à la tendance spontanée du collectionneur, se révèle étroitement liée à cette interprétation. Le collectionneur Fuchs se rattache à la tradition française, à laquelle se joint le moralisme rigide qui vient de l’historiographie allemande. On remonte jusqu’à Schlosser pour expliquer les origines du jacobinisme qui apparaît dans les récits historiques de Fuchs. On aperçoit que celui-ci n’a pu éviter complètement les conflits entre jacobinisme moraliste et matérialisme historique. De même, son mode de considération historique n’est pas toujours en accord avec son éthique sexuelle. Par ailleurs, il apporte à la science des connaissances importantes sur le rôle de la sexualité dans la création artistique. Les études sur Daumier sont sans doute l’oeuvre la plus haute du théoricien Fuchs. Daumier a été également pour le collectionneur Fuchs un des thèmes les plus significatifs.La fin de l’article éclaire le rôle de Fuchs dans l’histoire des collections artistiques. (shrink)

Dans le dialogue V des Dialogues des courtisanes de Lucien, apparaissent trois femmes impliquées dans une relation érotique et qui accomplissent des pratiques sexuelles variées. Il ne s’agit pas d’interpréter ces différents actes érotiques comme les traces de catégories sexuelles pertinentes dans le monde antique pour définir une “identité”. L’analyse des voix énonciatives permet au contraire de voir dans ce dialogue une mise en scène et une mise en abyme du travail de l’auteur face à un public demandeur de (...) clichés et d’idées toutes faites. Le dialogue ne fait apparaître ni butch, ni fem, ni identité liée à une orientation sexuelle ; il est un discours sur les techniques de création artistique et érotique. (shrink)

Dans le dialogue V des Dialogues des courtisanes de Lucien (IIe siècle ap. J.-C.), apparaissent trois femmes impliquées dans une relation érotique et qui accomplissent des pratiques sexuelles variées. Il ne s’agit pas d’interpréter ces différents actes érotiques comme les traces de catégories sexuelles pertinentes dans le monde antique pour définir une “identité”. L’analyse des voix énonciatives permet au contraire de voir dans ce dialogue une mise en scène et une mise en abyme du travail de l’auteur face à (...) un public demandeur de clichés et d’idées toutes faites (et souvent contradictoires). Le dialogue ne fait apparaître ni butch, ni fem, ni identité liée à une orientation sexuelle ; il est un discours sur les techniques de création artistique et érotique. (shrink)

Le tissu comme support, matériau ou modèle traverse l'histoire de l'art, et se manifeste également sous la forme d'analogies ou de métaphores dans d'autres disciplines artistiques. La racine étymologique qui lie la notion de texte au champ lexical du tissage établit un jeu d'échos entre la patience de Pénélope à défaire et refaire son ouvrage et le travail même du poète et l'image du tissage surgit encore, tout naturellement, dans la terminologie de Derrida pour définir ce qui fait l'essence (...) même d'un texte. La diversité des hantises exercées par la notion de texture et par l'objet tissu conduit à un questionnement mettant en jeu la connaissance des textiles aussi bien que l'analyse des pratiques artistiques et des formes esthétiques auxquelles le tissage a pu donner lieu. Ce volume se fonde donc sur une approche croisant histoire de l'art, esthétique et littérature pour interroger la façon dont l'image de la chose tissée travaille le monde de la création artistique. La recherche collective qui prend forme dans ces pages propose d'explorer les prouesses d'une métaphore peut-être irremplaçable, et peut-être nécessaire à la survie de l'oeuvre d'art en son essence. (shrink)

Les tendances à la dématérialisation observables dans le capitalisme à partir des années 1960, de l’économie politique (le travail immatériel) aux pratiques artistiques (l’art conceptuel), ont suscité des tentatives pour repenser le matérialisme. Elles s’articulent autour de la recherche d’un matérialisme capable de rendre compte des rapports symbiotiques entre les objets matériels et leurs idéalisations. Les courants récents du tournant matériel, le réalisme agentiel de Barad par exemple, pourraient être lus comme une réponse à ce défi. Pourtant, l’absence notable (...) de Marx dans ces théories crée un angle mort considérable. L’idéel (1962) du philosophe soviétique Evald Ilyenkov offre une perspective dialectique de ces problèmes en revenant à l’interprétation de Marx de ce concept en tant que forme de pratique sociale. En soulignant l’objectivité des formes idéelles contre leurs notions individualistes comme projections mentales, ou positivistes qui les réduisent à la structure neuronale du cerveau, Ilyenkov pose la nature irréductiblement sociale de la connaissance. Par une analyse des perceptions sensorielles, qui sont comprises comme possédant une histoire sociale, Ilyenkov ouvre la question de la convergence des paramètres idéels et matériels dans une société communiste. Le programme politique qui sous-tend son projet pourrait être défini comme une lutte pour des formes culturelles qui ne s’opposent pas au sujet comme étranger et hostile, mais devient sa fonction directe. (shrink)

L'art, loin des habitudes qui figent tout réel élan créateur, est la jeunesse du monde. Il a tout à créer. Tout à construire, tout à proposer. Les temps de l'art mimétique comme ceux de l'art visionnaire sont révolus, pour laisser place à ceux de l'intuition. Cet ouvrage revendique ainsi la liberté de s'imposer des règles, de nouvelles règles et préconise un art de l'intuition, un art de la sensibilité, qui puisse s'exprimer avec spontanéité, une spontanéité qu'il n'est possible d'obtenir qu'après (...) un long travail. L'art ne doit plus être pensé comme une intention. Suivant ce principe, le scénario dans le récit doit être abandonné. Du point de vue de la forme, la poésie doit pouvoir mélanger dans le même poème vers libres. vers en prose, versets et alexandrins, selon le souhait du poète. De même, il faut oser une autre forme de peinture, qui ne soit ni figurative, ni abstraite, mais intuitive, née du flou ou de l'éblouissement, de la fulgurance intuitive! Franchir les frontières, à commencer par celles de l'intolérance, en faisant dialoguer et se croiser différentes disciplines artistiques, pour aller vers un espace pluriartistique, ouvre ainsi de nouvelles perspectives de création."--Page 4 of cover. (shrink)

L’objet de l’article est d’interroger le statut d’une œuvre d’art à partir du problème de l’interprétation posé initialement par Arthur Danto. Une œuvre d’art demande-t-elle nécessairement à être interprétée? L’argumentation se déploie à une double échelle. À une échelle ontologique, l’enjeu est de savoir sous quelles conditions un objet appartient à la classe des œuvres d’art. À une échelle dénotative, l’enjeu est de savoir si toute représentation artistique requiert un travail interprétatif. L’auteur défend une théorie de l’interprétation restreinte, (...) d’inspiration pragmatiste, en vertu de laquelle l’interprétation, comme activité suspensive et réflexive, n’intervient que lorsque le rapport au sens est troublé, confus, problématique. Ainsi une œuvre d’art n’est soumise à interprétation que lorsque son statut ontologique ne va pas de soi et lorsque son potentiel de dénotation contrarie notre rapport familier au sens. (shrink)

En quoi consiste l'acte de créer? Quelle est son incidence sur son auteur? Telles sont les questions qui constituent le coeur de cet ouvrage. Le lien qui unit un créateur à son oeuvre depuis l'émergence d'un simple projet jusqu'à sa concrétisation est ici abordé. L'idée directrice est que la création, en particulier dans les champs philosophique et artistique, travaille à une transformation, parfois discrète, du réel et permet à un sujet de se construire, et, parfois même, de s'épanouir. De (...) nombreux auteurs (philosophes, artistes, psychanalystes, sociologues...) ayant traité la relation entre existence et création sont convoqués. L'analyse de leurs textes trace un itinéraire dynamique où l'on saisit que l'acte créateur, quel que soit son domaine d'expression, constitue toujours une force de résistance à l'inertie du réel. (4e de couv.). (shrink)

Résumé L’art américain des années 1960 et 1970 témoigne de mutations singulières à la fois en termes de pratiques et de lieux qui les accueillent. Le processus – processus de création, processus d’altération des matériaux, de développement de l’image filmé, de déploiement des gestes dansés ou d’une musique sérielle – œuvre comme une expérience primant sur l’objet et ouvrant vers la conjonction de temporalités distinctes, celle de l’atelier et celle de l’espace d’exposition. Le glissement esthétique de l’œuvre vers le processus, (...) accompagné d’un glissement sémantique de l’œuvre vers le « travail », participe alors d’un contexte plus vaste, dépassant le domaine artistique, comme un symptôme de mutations politiques, sociales et institutionnelles. (shrink)

L'expérience de la domination et de la marginalisation -- politique, économique, sociale, culturelle -- ressentie par beaucoup de Touaregs dans l'ordre des États modernes se traduit par une image récurrente : celle d'un corps mutilé, amputé, blessé, empêché de se mouvoir. Face à la fragmentation et à la paralysie du corps social, territorial, individuel, revient l'idée qu'il faut le souder, le remembrer, le réemboîter pour lui restituer sa mobilité. C'est dans cette perspective que, depuis plusieurs décennies, des initiatives aussi nombreuses (...) que variées investissent des scènes d'actions multiples, de l'insurrection armée au travail de l'imaginaire. Dans le domaine littéraire et artistique, la ' furigraphie ' du peintre et poète touareg Hawad, apparaît comme un de ces moyens ' de dépasser les limites, de contourner l'enfermement, de faire ricocher les échos de (s)es paysages et de construire des espaces inédits pour penser, ressentir et dire autrement le monde '. (shrink)

Résumé L’expérience de la domination et de la marginalisation — politique, économique, sociale, culturelle — ressentie par beaucoup de Touaregs dans l’ordre des États modernes se traduit par une image récurrente : celle d’un corps mutilé, amputé, blessé, empêché de se mouvoir. Face à la fragmentation et à la paralysie du corps social, territorial, individuel, revient l’idée qu’il faut le souder, le remembrer, le réemboîter pour lui restituer sa mobilité. C’est dans cette perspective que, depuis plusieurs décennies, des initiatives aussi (...) nombreuses que variées investissent des scènes d’actions multiples, de l’insurrection armée au travail de l’imaginaire. Dans le domaine littéraire et artistique, la « furigraphie » du peintre et poète touareg Hawad, apparaît comme un de ces moyens « de dépasser les limites, de contourner l’enfermement, de faire ricocher les échos de (s)es paysages et de construire des espaces inédits pour penser, ressentir et dire autrement le monde ». (shrink)

La faiblesse de la pensée politique, qui caractérise notre époque, tend à isoler toujours plus la propriété intellectuelle de l'environnement et à la séparer du public et de l'intérêt général. Pourtant, c'est bien l'intérêt général, le public et l'espace public qui fondent la propriété intellectuelle en général et la propriété littéraire et artistique en particulier. Le monopole d'exploitation conféré à un auteur ne peut se justifier que par l'intérêt général que lui porte son public et qui le récompense ainsi (...) de son travail. Impraticable pour la vie de l'esprit, le champ de la nature s'est opposé au champ de la culture et nos sociétés démocratiques reposent sur ce postulat que l'état de nature précède l'état politique. Réconcilions environnement et culture, étendons le champ de la légitimité démocratique à l'espace naturel, concevons la « propriété » intellectuelle, non plus tant comme autant de collections de propriétés privées, mais comme la structure d'un espace public. Ainsi pourrions-nous étendre cette « propriété » intellectuelle refondée, en conférant des droits intellectuels au bénéfice de personnes privées ou publiques qui réaliseraient un travail particulier au bénéfice de l'espace naturel, à savoir l'espace du vivant, dans l'intérêt général. Il ne s'agit plus d'avoir ou de posséder, mais bien d'être en conscience dans un espace commun partagé par tous et respectant notre environnement. (shrink)

Les archives municipales de Berlin ont conservé tous les documents produits par la Maison berlinoise du travail culturel, Berliner Haus für Kulturarbeit, qui a été fondée en 1953 sous le nom de Berliner Volkskunstkabinett et dissoute en 1991. Ces archives permettent de suivre en filigrane les réflexions conduites en RDA sur le thème de l’action culturelle publique, dont les deux interrogations principales peuvent se résumer ainsi : comment peut-on encourager différentes formes de participation des travailleurs et ainsi favoriser le (...) développement d’un art censé être authentiquement populaire et acquis à la cause de la révolution socialiste? Et comment l’art peut-il être le vecteur d’une identification « nationale » avec l’État de RDA? Nous proposons d’étudier ces archives sous l’angle du combat mené par le SED, le parti communiste au pouvoir en RDA, pour créer une société révolutionnaire, pour rendre possible l’utopie d’une société parfaitement égalitaire par le moyen de l’art. En effet, si les choix économiques, politiques, sociaux du SED sont bien connus aujourd’hui, les chercheurs se sont pour l’instant moins intéressés au langage du politique dans le domaine artistique, et notamment à la question centrale de savoir comment ce régime concevait son rôle et sa responsabilité à l’égard des pratiques artistiques des ouvriers. (shrink)

Le parcours de Victor Basch, germaniste d’origine allemande d’abord professeur de littérature étrangère à la fin du XIXe siècle puis d’esthétique dans les années 1920-1930, illustre tout particulièrement l’importance des transferts franco-allemands qui ont présidé à l’institutionnalisation de l’esthétique en France. Parti de la nécessité d’établir la réflexion sur l’art sur des bases non normatives, Basch devint un introducteur privilégié de l’esthétique psychologique allemande en France. En suivant le cheminement de Basch, cet article veut montrer autant la place essentielle qu’a (...) occupée à travers lui l’esthétique allemande dans le contexte français, que les limites de ses analyses des processus « sympathiques » permettant, selon lui, autant la création que la jouissance artistique ou le travail du chercheur en esthétique. Malgré l’insistance sur l’expérimentation ces analyses finissent par cantonner le beau dans une sphère idéale et déterminèrent ainsi les réticences de Basch face aux analyses sociologiques de l’art et sa participation à un discours dualiste sur l’Allemagne. (shrink)

Nulla dies sine linea (Pline l’Ancien à propos d’Apelle) « Regarde de tous tes yeux, regarde » (Jules Verne et Georges Perec) « Travaille ton instrument » (Pierre Schaeffer) Essentielle à toute activité artistique, la pratique d’exercices est pourtant rarement interrogée en tant que telle. Qu’est-ce qu’un exercice artistique? Quelles perspectives la pensée de l’exercice permet-elle d’ouvrir sur la compréhension des pratiques artistiques, sur leurs liens avec les savoirs et les techniques, su...

Nulla dies sine linea « Regarde de tous tes yeux, regarde » « Travaille ton instrument » Essentielle à toute activité artistique, la pratique d’exercices est pourtant rarement interrogée en tant que telle. Qu’est-ce qu’un exercice artistique? Quelles perspectives la pensée de l’exercice permet-elle d’ouvrir sur la compréhension des pratiques artistiques, sur leurs liens avec les savoirs et les techniques, su...

_Nulla dies sine linea_ « Regarde de tous tes yeux, regarde » « Travaille ton instrument » Essentielle à toute activité artistique, la pratique d’exercices est pourtant rarement interrogée en tant que telle. Qu’est-ce qu’un exercice artistique? Quelles perspectives la pensée de l’exercice permet-elle d’ouvrir sur la compréhension des pratiques artistiques, sur leurs liens avec les savoirs et les techniques, sur leur dimension historique et sociale, sur les valeurs de transmission qu’elles font vivre? Réactivée dans la philosophie contemporaine, (...) la notion d’exercice n’est pourtant que rarement confrontée aux pratiques artistiques et aux élaborations théoriques de ces pratiques. Or l’artiste, c’est d’abord une femme ou un homme qui, pour faire et pour produire, doit s’exercer, et s’exercer sans relâche. Exercices d’apprentissage et de formation, antérieurs à l’œuvre ; e... (shrink)

Résumé Si l’art n’est pas une simple activité plastique et visuelle, peut-il encore être une manière d’être d’individus qui revendiquent leur appartenance à un groupe social dont le monde du travail est étranger à tous ceux régis par les logiques entrepreneuriales? Un artiste contemporain peut-il encore ne pas être un simple travailleur, un producteur de contenu culturel? En quoi cela bouleverserait-il la conception et l’aspect des œuvres qu’il produit ou pas? Entendu comme disposition esthétique, le désœuvrement volontaire désigne moins (...) la disparition matérielle de l’œuvre que l’urgence d’échapper aux commandes implicites d’une rationalisation managériale et idéologique de la création artistique. (shrink)

Qu'est-ce que les temps actuels font au cinéma et au film? La question revêt une double dimension, historique et prospective. Il s'agit de saisir le film en devenir à travers ses métamorphoses et ses interactions dans le champ artistique, politique et social. Le médium ne saurait se réduire à un seul mode de production et de circulation. En se rapprochant toujours davantage de la vie, le film est devenu le lieu de la double transformation des subjectivités et de toutes (...) les réalités. Les chapitres de ce livre oscillent entre ces deux pôles. L'auteur incite le lecteur - même non spécialiste - à un travail de réflexion sur la nature du film, ses dispositifs, sa matière et ses composantes, ses relations à la science et à la technique, son idéologie et son imaginaire. L'écriture, audacieuse, documentée et critique témoigne d'une subjectivité en prise avec le réel du cinéma"--Page 4 of cover. (shrink)

Apparu avant l’image photographique et audiovisuelle, le reportage dessiné connaît depuis une vingtaine d’années un développement sous la forme de bandes dessinées. En revues ou bien en livres, ce travail sur la réalité apparaît en réaction ou en décalage avec le traitement des mass media. Subjectivité annoncée, vision non-conformiste et approche artistique vont de pair avec une posture, un point de vue et des codes qui lui sont propres. C’est un renouvellement du reportage qui est en jeu, en (...) dehors des représentationsstandardisantes.Journalism in drawings emerged well before photographic and audiovisual images, and has re-emerged in the last twenty years in the form of comic strips. In magazines or books, these investigations of reality appear to be reacting against or offering a different take on the way current affairs are treated in the mass media. Deliberate subjectivity, a non-conformist vision and an artistic approach go hand in hand with the author’s own standpoint, viewpoints and codes. What is emerging is a new approach to journalism, outside the bounds of standardising representations. (shrink)