Walter Benjamin a suggéré de voir dans le fascisme une « esthétisation de la politique ». Avant lui, ce même diagnostic était appliqué non pas aux régimes autoritaires, mais, au contraire, aux régimes démocratiques. De Platon à Carl Schmitt, la philosophie a dénoncé la démocratie comme une multitude inconsistante et « bigarrée », qui préfère le jeu à l’ordre. Rebentisch estime que derrière ce jugement dépréciatif, les ennemis de la démocratie ont en fait parfaitement saisi quelques-uns de ses traits (...) distinctifs qu’il s’agit aujourd’hui de défendre dans une culture démocratique. La démocratie ne peut se passer de la mise en scène, car c’est sur scène qu’elle peut figurer le visage qu’elle veut se donner collectivement, consciente de l’écart qui subsiste toujours entre les identités actuelles et les identités possibles. (shrink)

L’article entend confronter la théorie moderne de l’art au phénomène d’esthétisation de la sphère marchande mis en évidence par la sociologie, en prenant pour cadre de référence l’esthétique de la réception de Hans Robert Jauss. Bien que s’appliquant surtout à la littérature, la théorie de Jauss n’est pas sans concerner aussi les arts plastiques. La synthèse qu’elle opère entre, d’un côté, le formalisme russe du début du xx e siècle, qui, le premier, s’employa à isoler les propriétés internes des (...) œuvres d’art, et, de l’autre, l’historicisme d’inspiration marxiste qui s’attacha pour sa part à rendre compte de leurs évolutions en fonction de l’histoire générale de la société, semble particulièrement propice à l’abord d’un problème qui est à la fois symbolique, esthétique et historique. En effet, dès lors que de nombreux produits et services de consommation tendent à adopter certaines caractéristiques de l’œuvre d’art, l’analyse formelle, qui constitue l’arc-boutant de l’approche esthétique moderne, entre dans un périmètre d’application beaucoup plus large que celui dont participe l’histoire de l’art. Dans ce cas, l’importance accordée à la forme des objets, prise en ce sens esthétique, devient en elle-même une composante de l’histoire sociale, dans la mesure où elle ne concerne plus seulement les évolutions de la production artistique, mais intéresse aussi, en leurs principes, celles plus générale de la production marchande. Moyennant un approfondissement de leur versant social – ceci en se demandant, non pas comment l’expérience artistique transforme le monde vécu, mais comment le monde vécu transforme lui-même le monde artistique – les analyses de Jauss nous permettent ainsi de reformuler, en des termes propres à la théorie de l’art, la question de la convergence catégorielle mise en évidence par la sociologie, et, de là, d’engager une réflexion nouvelle sur les transformations de la sphère artistique à l’heure du capitalisme esthétique. (shrink)

Derrière un seul et même mot – l’« esthétisation » – se cachent des constats que tout ou presque sépare. Peu étonnant que les différents débats autour de cette notion, en France, en Allemagne ou aux États-Unis, aient souvent engendré des incompréhensions mutuelles. Avant même de savoir si l’esthétisation du monde est un phénomène désirable ou condamnable, il faut éclairer les arrière-plans conceptuels qui orientent ce diagnostic, et qui lui confèrent un sens parfois diamétralement opposé. En ouverture du (...) dossier, l’article entreprend de faire la généalogie de ces débats, avec trois moments-clés – le moment 1800, l’entre-deux-guerres (1919-1939), et enfin les années post -68 (1970-1990). Il propose ensuite une typologie pour s’orienter dans ces débats et comparer les quatre versions de ce qu’« esthétisation » peut vouloir dire. (shrink)

À rebours de la thèse sur la modernité comme une époque où la rationalisation aurait pris le dessus sur la dimension esthétique et affective, Reckwitz repère les différentes étapes de la construction d’un capitalisme esthétique, où l’inventivité revêt désormais un rôle crucial. Tandis que la créativité était brandie par les avant-gardes artistiques du xix e et du xx e siècle comme un idéal permettant de subvertir les normes sociales, la créativité représente aujourd’hui elle-même une norme incontournable. « Soyez créatifs » (...) : cette injonction paradoxale s’applique désormais à tous les sujets du capitalisme tardif. Extrait de sa grande étude sur L’Invention de la créativité, ce chapitre replace l’enjeu de l’esthétisation au cœur de ce que Reckwitz nomme le « dispositif de la créativité ». (shrink)

Le projet lyotardien de « réécrire la modernité » se construit à partir de la division kantienne entre le jugement déterminant et le jugement réfléchissant esthétique. La seule voie, pour l’œuvre d’art, de ne pas retomber dans une représentation, serait de devenir le témoin du « désastre » sublime, ou, autrement, d’une incompatibilité principielle entre le mode logique et le mode esthétique. Cependant cette projection du caractère tautégorique du jugement réfléchissant sur une œuvre d’art s’avère, d’une part, problématique car il (...) s’agit d’un concept extra-artistique et, d’autre part, potentiellement contradictoire car elle semble reproduire – sur un niveau diffèrent, certes – la logique de la représentation (dans le sens où il s’agit de représenter le « désastre » sublime par le moyen de la peinture par exemple). (shrink)

La dialectique entre art et engagement interroge la possibilité et les moyens d’esthétisation des sujets politiques et sociaux. En Allemagne, un genre artistique explore particulièrement cette problématique : le théâtre documentaire dont les formes contemporaines montrent la nette évolution des médias de masse et de leur rôle dans notre société. Cette approche documentaire soulève plusieurs questionnements quant à la véracité des faits et théories exposés, aux limites floues entre fiction et réalité, mais aussi quant à la pseudo-objectivité des propos (...) diffusés. Par ailleurs, l’intrication de l’emploi esthétique de médias divers et d’une volonté de popularisation de discours politiques rapproche de facto l’art documentaire d’un art de la propagande non-officielle et interroge sur les motivations des dramaturges impliqués, entre détournement distancié et manipulation du public. Les expressions contemporaines héritées du théâtre documentaire se retrouvent dans des cadres dépassant la scène, prenant plutôt la forme de « projets » multi-supports et plurimédiaux présentés par des collectifs artistiques tels Zentrum für politische Schönheit (Centre pour la beauté politique) ou The International Institute for Political Murder de Milo Rau. Ceux-ci interrogent les utilisations contemporaines des médias dans une société du spectacle poussée à l’extrême et jouent du concept de fake news pour continuer d’interpeller leur public sur des problématiques politiques et citoyennes dans un contexte d’une nouvelle remontée des fascismes. Dans ce contexte, jusqu’où peut mener une telle spectacularisation du politique? (shrink)

Cet article se penche sur une figure de l’imaginaire collectif, à savoir Mickey Mouse. Cette souris sympathique qui a fait le tour du globe dans les années 1930 est devenue l’animal héraldique du triomphe des économies pulsionnelles et d’une mercantilisation du rêve de bonheur. En partant d’une réflexion sur la contiguïté entre l’activité ludique et l’art de l’animation, l’article tente d’aborder la question de « l’esthétisation de la politique » par le biais du jeu. Une référence constante à la (...) fonction du conte dans le monde enfantin nous permet d’articuler quelques enjeux de ce que W. Benjamin analyse, dans son essai sur L’Œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique, sous le terme de « seconde technique ». (shrink)

Walter Benjamin utilise le « manifeste sur la guerre italo-éthiopienne » de Marinetti pour étayer sa fameuse théorie de l’esthétisation. Il verse l’artiste italien au compte de l’art pour l’art, alors même que son propos vise plutôt, assez grossièrement, la mise de l’art au service de la guerre et de la politique. C’est faire référence aux innovations formelles préconisées par les futuristes, mais dont, pour le coup, le rapport avec l’idéologie fasciste, même proclamée, est pour le moins ambigu. L’identification (...) de l’artiste innovateur, déconstructeur et provocateur à l’homme nouveau fasciste, « fier, volontaire, ascétique et guerrier », ouvre sur une impasse. (shrink)

U prvom delu ovog teksta autorka se bavi teorijskim i metodoloskim posledicama upotrebe pojma polja Pierrea Bourdieua u istrazivanju oblasti knjizevne proizvodnje. Ove posledice su ispitane kroz opozicije karakteristicne za tradicionalnu sociologiju umetnosti i knjizevnosti, izmedju sociologije i hermeneutike, internalisticke i eksternalisticke analize konteksta i teksta, sadrzaja i forme, socijalnog i estetskog. Drugi deo je posvecen analizi glavnih ideja Bourdieuove sociologije kulturne proizvodnje. Teorija knjizevnog polja koju predlaze Bourdieu, dopusta da se razume specificnost svojstava i zakona polja knjizevne proizvodnje. Ispituje (...) se u kojoj meri je ovaj sociolog modifikovao svoj metod analize da bi realno konstruisao polje proizvodjaca kulturnih dela, polje dela, kao i sistem odnosa koji se uspostavljaju izmedju ova dva skupa odnosa. (shrink)

Peut-on utiliser la dimension théâtrale pour penser les généalogies de Michel Foucault? Quelle est la valeur de vérité d’une histoire qui affirme être une « fiction » et procède par scènes, personnages, « dramatiques de la vérité »? Pour répondre à ces interrogations, le présent article utilise la notion de théâtre dans un sens anti-représentatif et expérientiel : comme un mouvement toujours recommencé d’action et de transformation. En questionnant les critiques de la méthode foucaldienne formulées par des historiens tels que (...) Carlo Ginzburg et Hayden White, nous montrerons comment Foucault mobilise dans ses textes une pensée-théâtre historique qui joue comme une arme de problématisation ironique des grands mythes de l’histoire elle-même. Le théâtre est pour Foucault un instrument pour mener une réflexion historico-politique sur la vérité en dehors des catégorisations et des moralisations traditionnelles de la philosophie et de la science occidentales. Mais la dramatisation philosophique du discours historique opérée par Foucault ne représente-elle pas alors le risque concret d’un dangereux relativisme intellectuel et politique : l’exemple parfait d’une « rhétorique » de l’histoire, qui sacrifie la vérité à l’efficacité de la parole? (shrink)

English summary: This ambitious volume examines the Foucaults later writings from the 1980s. Foucaults contemporaries were baffled by his new perspective from this period in which he explored the modalities of a relationship with the self and the truth, seeming to blur the image of a Foucault concerned with describing and denouncing the forms of contemporary power. This study brings to light the theoretical and practical aspects of this period, in order to a reinvention of our own actuality. French description: (...) Les recherches menees par Foucault au cours des annees quatre-vingt demeurent, a beaucoup d'egards, indecidables. Doit-on parler, a leur propos, d'un retour aux questions classiques du sujet, de la morale, de la liberte? D'un abandon de la mise en perspective politique? D'un dandysme esthetisant? Les contemporains furent profondement deconcertes par des analyses qui, en se concentrant sur les modalites du rapport a soi et a la verite dans l'Antiquite ou le christianisme primitif, paraissaient brouiller l'image d'un Foucault attache a decrire et denoncer les formes du pouvoir moderne. Le present ouvrage se propose de relever le defi pose par ce dernier moment, aussi fecond que provocateur, de la pensee foucaldienne, d'en degager les enjeux theoriques et pratiques, et de se donner les moyens, a partir d'eux, de reinventer notre actualite. (shrink)

En 1980, lors d'une décade de Cerisy consacrée à Derrida, Lyotard somme ce dernier de confronter son hégélianisme à celui d'Adorno et de s'expliquer sur la possibilité de l'enchaînement du sens "après Auschwitz". En 1982, lors d'une décade dédiée à Lyotard et consacrée à la question "Comment juger?", Derrida répond et ne répond pas : il s'interroge sur le "pathos" de la question adornienne de Lyotard, mais il ne se réfère pas à la Dialatique négative. Cette querelle forme le foyer (...) à partir duquel une analyse méthodique des lectures et non-lectures lyotardiennes et derridiennes d'Adorno devient possible. Avec cette étude, Michèle Cohen-Halimi invite à penser l'histoire de la philosophie sous le signe du conflit. Derrida et Lyotard dans leur rapport et non-rapport philosophique mutuel comme dans leur relation contrastée à la Dialectique négative se font, à leur insu, les historiens d'un temps de la pensée qui est encore le nôtre. Car toute une part de notre contemporanéité philosophique procède de cette non-réception de la Dialectique négative et apparaît sous trois traits caractéristiques : Lyotard a traduit l'innommable adornien par l'imphrasable puis par la phrase-affect ; cette traduction toujours plus affine du régime kantien de définition de l'irreprésentable a fini par produire une "esthétisation" de l'innommable adornien. L'alternative philosophique est ainsi devenue : soit dire l'incommensurable d'Auschwitz et le dire de telle sorte qu'il soit dit, soit dire cet incommensurable pour que seule soit dite sa non-dicibilité, et qu'il ne soit pas dit. Pour Adorno, c'est la possibilité de dire l'impossibilité qu'il faut pousser et non l'impossibilité de dire qu'il faut formuler. Le second trait est corrélatif du premier : l'antinomie française Kant/Hegel a été le dispositif opératoire le plus récurrent dans la querelle de Cerisy, l'investissement anti-hégélien d'une certaine tradition hétérologique française s'y est montré agissant. L'"irreprésentable", l'"intraitable" se sont traduits dans le vocable "Juif", et ont constitué ce vocable en synonyme de la différence de toutes les différences ou différence exemplaire. Derrida s'est singularisé par sa mise en garde contre l'exemplarité juive, mais cette problématisation nuancée s'est étrangement maintenue à grande distance de la question soulevée par la Dialectique négative : comment la métaphysique pourrait-elle ne pas avoir été entamée, affectée, bouleversée, par la barbarie? (shrink)

In deze beschouwing ordent Karsten Harries zijn gedachten over het fenomeen ‘kitsch’. Hij gaat daarbij uit van de vraag of kitsch eigenlijk wel zo afkeurenswaardig is. Of hoort ze bij de menselijke natuur en haar hang naar romantiek en nostalgie? We kwalificeren iets als kitsch als we denken dat het voortkomt uit onoprechtheid en getuigt van slechte smaak. Maar is de nostalgie, het dromerige of stichtelijke van kitsch niet beter dan postmoderne ironie of moedeloosheid? Daar staat tegenover dat kitsch onder (...) het mom van authenticiteit de werkelijkheid afbeeldt, maar deze feitelijk met zijn leugens aan het zicht onttrekt. Iets dergelijks geldt ook voor kitsch en religie: niet langer tracht het kunstwerk een werkelijkheid uit te beelden die ons voorstellingsvermogen te boven gaat, maar het wordt in de plaats van die werkelijkheid gesteld. In de politiek kan eenzelfde esthetisering de werkelijkheid een schijn van betekenis geven die mensen blind maakt voor de menselijkheid van hun medemensen. Niet kitsch, maar alleen het ‘aura’ van kunst kan en moet ons ontvankelijk maken voor deze werkelijkheid, die uitstijgt boven wat de rede kan bevatten. (shrink)

La 4e de couverture indique : "Les démocraties économiques produisent en accéléré un appauvrissement du monde. Elles programment même un dégraissage de leurs populations actives de l'ordre de 80 %. Pour légitimer leurs régulations, justifier leurs performances catastrophiques et les crimes spéculatifs de leurs banques, elles n'agitent que ce schibboleth appelé par Joseph Stiglitz "le consensus de Washington" : libéralisation, privatisation et austérité. Elles développent sans sourciller une esthétisation pathologique du monde à l'aide d'un chamanisme économique qui les dispense (...) de se soumettre à ce qui devrait régler leur développement : le jugement d'objectivité qu'elles sont appelées à porter sur leurs propres résultats. C'est ainsi qu'elle parasitent, sous couvert d'expérimentation, la puissance de l'imagination créatrice que l'être humain s'est forgée pour surmonter l'absence de ses coordinations héréditaires à l'environnement. La maladie mortelle qu'elles propagent n'est pourtant qu'un autisme de la réflexion. Le sursaut doit venir d'un dialogue transculturel, seul remède pour guérir de la mondialisation.". (shrink)

Le théâtre dans l'oeuvre et la pensée de Foucault, ce n'est ni une simple métaphore pour caractériser des événements de sens ou des ruptures pratiques, ni un concept esthétisant qui dédoublerait l'idée de vérité pour la vider de ses prétentions épistémologiques, ni un réservoir d'exemples colorés pour illustrer des expériences historiques. Le théâtre, c'est un opérateur philosophique, une manière de penser autrement. Cet ouvrage montre à quel point, au fil des récits de Foucault, la vérité trouve dans l'histoire l'élément moins (...) de sa réalisation que de sa mise en scène et, partant, de son indéfinie fragmentation : pluralité des voix, dramatiques des prises de parole, résistances et rébellions des corps, spectacles du pouvoir, tragique des vérités impossibles. Si le chemin que trace la vérité dans la vie des hommes relève à ce point de la représentation, du drame ou de la farce, c'est qu'elle n'est pas le reflet calme des choses. La vérité, c'est un trouble critique dans l'expérience de soi, c'est une performance politique. S'appuyant non seulement sur ses ouvrages publiés mais aussi sur un ensemble d'inédits, ce livre déploie le theatrum philosophicum de Foucault, et, plus largement, de la pensée contemporaine. (shrink)

La genèse de la vedette de cinéma qu’effectue Walter Benjamin au chapitre 10 de L’Œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique (dernière version, 1939) trouve une résonance politique dans une note de bas de page du même chapitre où la star acquiert un statut analogue au dictateur, quand la technique (de reproduction) de l’œuvre d’art devient elle-même, à travers le cinéma, œuvre d’art. Si les démocraties bourgeoises contiennent, dans leur rapport aux médias de masse, la possibilité de leur basculement (...) dans le fascisme, c’est parce que leurs gouvernants, au même titre que l’acteur de cinéma, deviennent des marchandises, soumises à la loi de la forme équivalente (de la marchandise). L’« esthétisation de la politique » doit dès lors être comprise comme la restitution de l’« aura » et de la « valeur cultuelle » qui l’accompagne, dans et par les conditions qui par définition en constituent la liquidation, à savoir la technique, qui sont l’attribut du pouvoir. Sublimer la marchandise en la présentant sous les espèces de l’œuvre d’art quand celle-ci devient marchandise – ainsi s’institue la star –, et identifier l’homme politique à une œuvre d’art – à une star –, revient à faire de lui l’incarnation du pouvoir : un dictateur. (shrink)

Sous l'intitulé métaphorique de La Sphère du Droit, Étienne Forcadel nous a laissé en fait deux textes autonomes, qui, couvrant sa carrière du début à la fin, illustrent de façon exemplaire l'originalité de sa démarche, pleinement jurislittéraire. Manifeste d'elegantia doctrinale, nourri des controverses qui ont accompagné l'essor de l'Humanisme juridique, l'ouvrage procède en effet à une esthétisation mûrement réfléchie de l'Histoire et de l'épistémologie du Droit.

Sans en faire de quelque façon son thème ni un de ses messages, la musique techno, dans son bruyant silence, semble laisser entendre que les figures socio-historiques du Sens ne font plus sens, et ne peuvent plus en conséquence fragmenter le monde selon une partition ethnique et politique qui l'avait jusque là distribué en identités séparées ou opposées. Cette musique serait alors celle du commun du monde, musique éminemment cosmopolitique... Comme on peut s'en rendre compte dans les raves - mais (...) aussi dans de nombreuses pratiques artistiques contemporaines -, l'art et le politique ne sont plus séparés comme s'ils définissaient des champs opératoires hétérogènes, mais sont en quelque sorte soudés l'un à l'autre dans des agencements collectifs souples et éphémères se formant autour de sensations communes. Qu'il y ait toutefois une telle convergence de l'art (les arts et les techniques) et du politique, ne signifie pas pour autant que nous sommes renvoyés à une esthétisation du politique (la communauté comme œuvre d'art), ni même à une politisation de l'art (l'art social ou l'art critique). Cela nous indique peut-être seulement qu'il nous reste à mettre en oeuvre un art qui ne soit plus seulement représentation de l'Idéal, une technique qui ne soit plus finalisée exclusivement par les impératifs économiques, et un espace politique qui ne repose plus sur une quelconque vérité. Tout un programme qui renvoie, au fond, à la possibilité d'inventer singulièrement et collectivement une existence qui ne serait plus détournée de sa " finitude " et de son libre déploiement dans l'horizon d'une mondialité métissée et a-territoriale. Cela pourrait bien être pour notre temps, pour " nous " qui le partageons - n'en déplaise aux défenseurs de la pureté et de l'Idéal - à la fois notre tâche et notre destin. (shrink)

L’« artification » peut être conçue comme un processus entraînant « le passage du non-art à l’art ». Selon une perspective phénoménologique (notamment husserlienne), ce passage semble impliquer deux mouvements neutralisants qui le constituent et que l’on pourrait nommer « imagification » et « esthétisation ». D’une part, une telle neutralisation est l’indice d’une suspension de tout intérêt, à la fois de l’artiste et du spectateur, pour l’existence ou la non-existence de « l’objet artifié » (Husserl reprend et relance (...) ici une ligne kantienne). D’autre part, ce désintéressement ouvre en même temps l’expérience, pour l’artiste et pour le spectateur, à un intérêt diffèrent, à savoir un intérêt axiologique visant à une saisie de valeurs. (shrink)

La pensée esthétique de Schopenhauer trouve sa vérité dans la confrontation à l’éthique. L’art est selon lui le moyen que trouve le sujet pour s’extraire du monde. L’esthétique est le lieu où le discours analyse la distance avec le monde permise par l’art. Dans ce mécanisme est anticipé le philosophe artiste nietzschéen, mais aussi est entérinée par delà la progression de l’esthétique à l’éthique une esthétisation de l’éthique. Celle-ci sera celle de la souffrance dont la tragédie est l’illustration.

L’article propose d’éclairer le différend philosophique entre Schiller et Fichte, en mettant en évidence leurs conceptions respectives de la Bildung et le lien qui s’y noue entre esthétique et politique. L’objectif est de confronter la philosophie schillérienne de la Bildung développée dans ses Lettres sur l’éducation esthétique de l’homme à la reprise à la fois positive et restrictive que fait Fichte, principalement dans ses écrits de la période d’Iéna, de certaines thématiques de cet ouvrage et de la stratégie de résistance (...) culturelle qui s’y déploie, pour mettre en lumière le rapport inverse qui opère, chez l’un et l’autre, entre esthétisation de la politique et politisation de l’esthétique. (shrink)

Dans notre article, nous nous proposons d’étudier la désignation de la pensée du commencement-initial par Heidegger comme “le style de I’etre-homme à venir’ dans ses Contributions à la Philosophie (1936-1938). Nous traitons le rapport du “style” à l’historialité de la pensée et en particulier à la tonalité affective fondamentale de la retenue. Par la suite, nous soulevons la question du style dans l’art en retraçant l’origine du “style de la pensée initiale” dans la critique heideggérienne de l’esthétique et de safondation (...) métaphysique. Plutôt que témoigner de l’esthetisation de sa pensée, ce thème met en lumiere son projet de “destruction” de I’esthétique telle qu’elle a lieu dans le premier cours sur Nietzsche. Nous soutenons que l’analyse du grand style nietzschéen tel qu’il a lieu dans ce cours sert de filconducteurpour sa qualification de I’autre commencement de la philosophie de “style de pensée”. Par ailleurs, la réflexion des deux penseurs sur le motif du style témoigne de leur intérêt commun à la catégorie esthétique du sublime. Les Contributions à la Philosophie poursuivent ce motif à ses conséquences ontologiques ultimes.This paper focuses on Heidegger’s designation of inceptive thought (anfängliches Denken) as the “style of the being-human that is to come” in his Contributions to Philosophy (1936-38). Its relation to historicity and the ground attunement of retention (Verhaltenheit) will be discussed. The question of style in art will then be raised by tracing back the “style” of inceptive thinking to Heidegger’s critique of Western aesthetics and its metaphysical foundation. Rather than witnessing the “aesthetisation” of the thought performing the “leap” beyond metaphysics, this motive brings forth his project of “destruction” of aesthetics as it takes place in the first lecture course on Nietzsche. This article claims that the analysis of Nietzsche’s grand style (grosse Stil) in this very course serves as the leading thread in his repeatedallusions to the “other inception” in philosophy in terms of a “style of thought”. Moreover, the reflexion on the style in both thinkers reveals an interest in the aesthetic category of the sublime. Heidegger’s Contributions to Philosophy leads this motive to its ultimate ontological consequences. (shrink)

Dans notre article, nous nous proposons d’étudier la désignation de la pensée du commencement-initial par Heidegger comme “le style de I’etre-homme à venir’ dans ses Contributions à la Philosophie (1936-1938). Nous traitons le rapport du “style” à l’historialité de la pensée et en particulier à la tonalité affective fondamentale de la retenue. Par la suite, nous soulevons la question du style dans l’art en retraçant l’origine du “style de la pensée initiale” dans la critique heideggérienne de l’esthétique et de safondation (...) métaphysique. Plutôt que témoigner de l’esthetisation de sa pensée, ce thème met en lumiere son projet de “destruction” de I’esthétique telle qu’elle a lieu dans le premier cours sur Nietzsche. Nous soutenons que l’analyse du grand style nietzschéen tel qu’il a lieu dans ce cours sert de filconducteurpour sa qualification de I’autre commencement de la philosophie de “style de pensée”. Par ailleurs, la réflexion des deux penseurs sur le motif du style témoigne de leur intérêt commun à la catégorie esthétique du sublime. Les Contributions à la Philosophie poursuivent ce motif à ses conséquences ontologiques ultimes.This paper focuses on Heidegger’s designation of inceptive thought (anfängliches Denken) as the “style of the being-human that is to come” in his Contributions to Philosophy (1936-38). Its relation to historicity and the ground attunement of retention (Verhaltenheit) will be discussed. The question of style in art will then be raised by tracing back the “style” of inceptive thinking to Heidegger’s critique of Western aesthetics and its metaphysical foundation. Rather than witnessing the “aesthetisation” of the thought performing the “leap” beyond metaphysics, this motive brings forth his project of “destruction” of aesthetics as it takes place in the first lecture course on Nietzsche. This article claims that the analysis of Nietzsche’s grand style (grosse Stil) in this very course serves as the leading thread in his repeatedallusions to the “other inception” in philosophy in terms of a “style of thought”. Moreover, the reflexion on the style in both thinkers reveals an interest in the aesthetic category of the sublime. Heidegger’s Contributions to Philosophy leads this motive to its ultimate ontological consequences. (shrink)

Cet article examine la portée politique de l’esthétique des atmosphères de Gernot Böhme, en analysant sa filiation avec la théorie critique de Walter Benjamin. Puisque Böhme se réclame des analyses de ce dernier sur l’aura, il convient de les mobiliser pour envisager l’efficace des atmosphères, qu’il se propose lui-même d’explorer. L’étude proposée par Benjamin de la fantasmagorie du Paris du XIXe siècle, aura paradoxale, permet de penser la dimension sensible des rapports de force à laquelle s’intéresse Böhme et s’avère un (...) outil précieux pour cerner les effets des esthétiques urbaines contemporaines sur le corps des usagers. (shrink)