Kants Musikästhetik wird weithin unterschätzt. Dabei bietet sie die entscheidenden Ansätze zur Befreiung der Musik aus den Fängen der Nachahmungsästhetik, wie sie vor allem E.T.A.Hoffman kongenial umgesetzt hat.

Nietzsche's discovery of the "breath" or spirit of music in the words of Greek tragedy was his testament to oral culture in antiquity and it is significant that his theoretical account of the prosody of ancient Greek endures to this day. Drawing little emaphatic resonance from his readers , Nietzsche reprised yet another tradition of poetic song composition, namely the art of the troubadours in order to rearticulate his argument in The Gay Science. I here explore the passion of the (...) 'knightly art', of poetic song and explore in addition Nietzsche's conception of Wissenschaft . The art of poetry was less an antiquarian rhetorical concept than a practical guide for those of us who seek to be "the poets of our lives".Mit der Enteckung des Geistes oder 'Artems' der Musik in den Worten der grichischen Tragödie deutete Nietzsche die orale Kultur in der Antike auf eine neue Weise. Bisher wurden diese Entdeckung und ihre Konsequenzen für Verständnis der modernen Kultur aber kaum beachtet. Die Abhandlung untersuchtd Nietzsches Auffassung der 'gaya scienza' am Beispiel des Troubadours und der mit ihm verbundenen, jedoch verlorengegangenen mündlichen Tradition von poetischer oder liedhafter Komposition. Nietzsches Deutung der Leidenschaft der ritterlichen Gesangskunst wird en einen Zusammenhang mit seiner Auffassung von Wissenschaft gebracht, und diese wird mit der provençalischen scienza sowie der englischen und französischen science verglichten. (shrink)

Von schrottiger und guter und der heute üblichen Abwertung aller Musik wissen die Co-Autoren versiert zu berichten. Sie kennen und belichten den an seiner Digitalisierung gescheiterten Musikmarkt und dessen Abgründe sehr genau. Genussvoll analysieren sie am Beispiel eines Generationenkonflikts den Müllstatus, den Popmusik 2012 eingenommen hat. „In ihrem Essay Musik = Müll beschreiben die beiden Co-Autoren, warum die absichtliche Produktion von Müll heute genauso zum Medienalltag gehört wie der achtlose Musikkonsum im Minutentakt. Und die beiden wissen, wovon sie (...) schreiben. Der Komponist, Autor und gelernte Elektroakustiker Hans Platzgumer spielte und produzierte unter anderem mit den Goldenen Zitronen, Tocotronic und HP Zinker. Außerdem sind House- und Technoplatten von ihm bei Labels wie Domino Records oder Playhouse erschienen. Didi Neidhart ist seit mehr als 30 Jahren DJ und Musikjournalist, außerdem popkultureller Forscher und Chefredakteur des österreichischen Musikmagazins Skug. Doch trotz der geballten Sachkenntnis der beiden wird das gut 130 Seiten starke Buch nie wichtigtuerisch oder professorenhaft, was hauptsächlich an einem erfrischenden Generationenkonflikt liegt: Hans Platzgumer hat nämlich einen schwer pubertierenden Sohn, der die allerschlimmste aktuelle Popmusik als Rebellionsgrundlage gegen seinen schwer im Underground verwurzelten Musikervater nimmt... Gegen Ende kommen beide zu einer allgemeinen Gesellschaftskritik, die stellenweise zu weit geht respektive zu kurz greift. Abgesehen davon ist Musik = Müll jedoch ein sehr unterhaltsames Plädoyer für eine musikalische Wertschätzungs- oder zumindest Aufmerksamkeitssteigerung. Denn: Soll doch ruhig jeder hören, was er will. Hauptsache, er hört es richtig an“ (Groove). (shrink)

Streaming macht Musik im Überfluss verfügbar. Fast jede Musikaufnahme ist jederzeit überall zugänglich. Das kann als Demokratisierung von Kultur gefeiert werden, in der auch das Besondere und Marginalisierte einen Platz hat. Wie Vorschlagsalgorithmen uns dabei helfen zu wissen, was wir hören wollen, kann andererseits als Befriedigung von kulturindustriell erst geschaffenen Bedürfnissen kritisiert werden. In jedem Fall stellt Musik-Streaming aufmerksamkeitsökonomisch eine Herausforderung dar. Der Beitrag analysiert einige Strategien zur Bewältigung des Überangebots. So schaffen Playlists Ordnung und Empfehlungen geben Orientierung. (...) Wir finden eine Praxis der Beschleunigung durch Skippen und Vorspulen neben der Suche nach Entschleunigung durch Rückzug in die begrenzte vertraute Vinyl-Sammlung. Der technische Wandel geht mit einer Transformation ästhetischer Praktiken der Musikrezeption einher. (shrink)

Die 'Musica' ist in Weltvorstellungen des Mittelalters und der Frühen Neuzeit oft nicht nur ein Bestandteil des Wissens neben vielen anderen, sondern stellt ein übergeordnetes Ordnungsprinzip dar. Erstmals untersucht dieses Buch die genaue Stellung von Musik innerhalb der universalen Ordnung der Dinge, wie sie sich in enzyklopädischen Texten auch jenseits des fachdisziplinären Diskurses darstellt. Anhand zentraler Leitthemen wie Produktivität, Kombinatorik und Kosmologie führt die Untersuchung von der mittelalterlichen Logik Ramon Llulls über zahlreiche Stationen bis hin zur Weltkonzeption Athanasius Kirchers. (...) Noch im 17. Jahrhundert, so wird deutlich, kann die Rolle der Musik nur vor dem Hintergrund der anhaltenden Wirksamkeit mystischer, magischer und kosmologischer Denkweisen verstanden werden. (shrink)

If one intends to analyse the relevant features, dimensions und conditions of experienced time, music is a particularly suited field. Music excellently exposes temporal structures and modes of time experience. Temporality is an essential feature of music in such a way that music has often been called “the art of time ”. The variety of music-specific qualities can be related to two fundamental structural features of music: the irreversible course of tones, i.e. sound events in time (music in time); the (...) temporal structures 'represented' in music (time in music). It is noteworthy that, on the one hand, music serves as the heuristic example in important philosophies of time, especially in philosophical theories of inner time consciousness. On the other hand, theories of musical time allow substantial conclusions to be drawn in philosophical accounts of time. The concepts of music and time, in their respective meaning, seem to be linked to each other in a non-contingent way. German Will man Merkmale, Dimensionen und Bedingungen erlebter Zeit erkunden, dann ist Musik ein besonders geeignetes Phänomen. Musik gibt in ausgezeichneter Weise Aufschluss über Zeitstrukturierung und Weisen der Zeiterfahrung. Zeitlichkeit ist ein so wesentliches Merkmal von Musik, dass man Musik häufig ,die Zeitkunst par excellence' nennt. Damit sind verschiedene Eigenschaften von Musik angesprochen, die sich großenteils auf zwei Grundsachverhalte zurückbeziehen lassen: der irreversible Verlauf der Tonoder Klangereignisse in der Zeit (Musik in der Zeit); die Zeitstrukturen, die in einer Musik zur ,Darstellung' kommen (Zeit in der Musik). Philosophiegeschichtlich fällt auf, dass Musik in bedeutenden philosophischen Zeittheorien, insbesondere in Theorien des inneren Zeitbewusstseins, als heuristisches Exemplifikationsmedium verwendet wird. Theorien musikalischer Zeit ergeben im Gegenzug substantielle Rückschlüsse für philosophische Zeittheorien. Musikbegriff und Zeitbegriff scheinen in ihrer jeweiligen Bedeutung auf eine nicht-kontingente Weise aufeinander verwiesen zu sein. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:Reviewed by:Musik–Vielfalt–Integration–Inklusion: Musikdidaktik für die eine Schule [Music–Diversity–Inclusion–Integration: A New Philosophy of Music Education for an Inclusive School] by Irmgard MerktBeatrice McNamaraIrmgard Merkt, Musik–Vielfalt–Integration–Inklusion: Musikdidaktik für die eine Schule [Music–Diversity–Inclusion–Integration: A New Philosophy of Music Education for an Inclusive School] (Regensburg: Conbrio, 2019)Irmgard Merkt, a German music education scholar, is a pioneer of intercultural music education with regard to the development of the concept Schnittstellensansatz, literally “interface (...) approach,” as an initial concept of intercultural music education in the 1980s. Her book Musik–Vielfalt–Integration–Inklusion: Musikdidaktik für die eine Schule [Music–Diversity–Inclusion–Integration: A New Philosophy of Music Education for an Inclusive School] is a new philosophy of music education for schools, in which children and young people with and without disabilities as well as children and young people from the most diverse milieus and cultural backgrounds share a learning space.1 Merkt advocates for a broad concept of inclusion that refers both to the inclusion of children with different skills and abilities on a physiological and psychological level along with the integration of pupils from different cultures of origin. The overriding goal for the author is recategorization,2 which makes the terms “common school,” “school for all” or “inclusive music instruction” obsolete and which allows pupils to attend a kind of school and a kind of music education [End Page 187] that is inherently inclusive. Merkt even goes as far as promoting the dissolution of subject-specific margins of music education and establishing an omnipresence of music in everyday school life instead.3 However, I think it should be pointed out that completely dissolving or dismissing music education into interdisciplinarity or integrating music education into subject groups such as Aesthetic Education,4 would be compliant with attempts made on the level of educational policy in order to reduce the quantity of qualified music teaching within the curriculum.5 Nevertheless, Merkt’s critique of the German school system is nothing short of appropriate in view of the prevalent system-immanent character of exclusion as the recent Programme for International Student Assessment-report of 2018 reveals.6 Furthermore, it is essential to draw conclusions as to the extent to which music instruction can do justice to the diversity of the student body, both on an integrative and on an inclusive level.The first chapter of Musik–Vielfalt–Integration–Inklusion offers an overview of past and present viewpoints on the topic of inclusion. Ensuing, the second chapter outlines the evolution of music education and teacher training in view of students with special needs. Chapter Three focuses on integration, Chapter Four traces the lines of development in the field of intercultural music pedagogy, while in Chapter Five Merkt advocates an encompassing culture of recognition in which educators, learners, and different music cultures are acknowledged to an equal extent. In Chapter Six the author delves into the very beginning of music and its coincidence with the evolution of humanity from homo sapiens to homo musicus through the lens of science and musicology. The seventh chapter of the book constitutes a synopsis of the main ideas which are then amalgamated into the concept of “Mit einer Frage um die Welt” [around the world with one question].A key tenet of Merkt’s publication is decategorization. The term inclusion, going back to its Latin origin of inclusio or includere is bound to the existence of its antonym exclusion. Despite endeavors nowdays to reverse the term’s meaning from reclusion to all-embracing,7 efforts to establish inclusion would not be necessary without exclusionary preconditions. On a terminological level, the expression inclusion implicates that there is an existing dualism between an inclusive or enclosed in-group and an exclusive or excluded out-group. This close and inextricable linkage between the existence of inclusion and exclusion, shows the importance of Merkt’s endeavor of highlighting efforts and development of decategorization, both on a terminological and legislative level, as well as on the ideological level. She is portraying concepts of thinking and acting in view of disability as a recurring process of progression and regression in reference to exclusionary... (shrink)

Musikalische Werke sind keine Personen. Dennoch sagen wir zum Beispiel, ein Werk sei melancholisch, drucke Freude aus oder verbreite eine zuversichtliche Stimmung. Doch mit welchem Recht? Die Beantwortung dieser Frage ist grundlegend fur die Musikphilosophie. In der Monographie wird systematisch das Wesen und, auf den Resultaten dieses ersten Teils aufbauend, im zweiten Teil der Wert der Expressivitat von Musik untersucht. Dabei wird ein historisch und empirisch informierter, integrativer Ansatz musikalischer Expressivitat ausgearbeitet. Die Untersuchung tragt so zu einem besseren Verstandnis (...) des Mediums Musik und seiner Bedeutung fur das menschliche Dasein bei. (shrink)

In der Tradition der Musik ist diese selbst immer wieder als eine Kunstform verstanden worden, die in einem besonders innigen Verhältnis zu dem steht, was uns auszeichnet: unsere Identität. Die Beiträge des Bandes spielen in unterschiedlicher Weise den Gedanken durch, dass Musik an der Konstitution von Subjekten sowie der Gestaltung individueller und kollektiver Selbstverständnisse in geschichtlichen Lebensformen beteiligt ist. Dabei wird vor allem nach der Rolle musikalischer Praktiken und Erfahrungen für die Konstitution, Transformation und Reflexion unserer Selbst als (...) Subjekte gefragt und das Verhältnis von Musik und Subjekt konstruktiv thematisiert. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:Reviewed by:Why music? The Foundations of Music Education from Plato until Today by Øivind VarkøyDaniela BartelsØivind Varkøy, Warum Musik? Zur Begründung des Musikunterrichts von Platon bis heute [Why music? The Foundations of Music Education from Plato until Today], Stefan Gies, trans. with the assistance of Hanne Fossum (Innsbruck, Esslingen, Bern-Belp: Helbling, 2016)Øivind Varkøy's book Why music? was first published in Norway in 1993 and translated into Swedish three (...) years later. In 2016, a newly revised edition was published in German. This review refers to the German edition and a special focus will be on the third chapter, because Varkøy's convincing interpretation of Kant's theory of aesthetic judgement presents a counter narrative to other interpretations of this theory that have been in circulation in North America for quite some time.In the introduction, Varkøy explains that it is his intention to present a diverse array of reasons for teaching music. He also explains why (future) music teachers should reflect on these reasons and the possible values of their professional actions: "A clear stance on the value of one's own work will have a positive effect on one's professional identity and the psychological and physical well-being."1 In the first chapter, he takes the readers back to the world of "the old Greeks"—an [End Page 224] expression that is often used in Europe—and he specifically addresses the values Plato and Aristotle have ascribed to music. The chapter starts with the mythos about mousiké as a gift from the gods and Varkøy explains that this term used to stand for much more than music. It included diverse forms of art such as language, poetry, and dance which were seen as means that can express order and beauty as well as a realization of harmonia which "holds the world together."2 As far as philosophies of music education are concerned, both Plato and Aristotle stress that music education serves the character formation of young people and both are quite strict concerning the way music should be taught to the young. To give an example, Plato rejects that the aulos is used in schools, because it is a woodwind instrument that served as a means of intoxication in rituals. Plato's point was that it would make the youth soft and therefore unable to contribute to the establishment of a 'good' state system. Varkøy stresses that Plato did not differentiate between the aesthetic and the ethical dimension of music, since the term kalokagathia stands for both 'the beautiful' and 'the good.' It almost seems as if Varkøy had the North American debate between the so-called 'aesthetic' and 'praxial educators' in mind when he wrote this chapter, and it is a pity that he does not go into more detail concerning the terms 'the beautiful' and 'the good.' On the other hand, he gives a clear summary of the different functions Aristotle has ascribed to music. He emphasizes that Aristotle mentions the three functions of music as a source of well-being and enjoyment, as a means of character formation, and as an intellectual activity that can lead to a "higher level" of experience.3 In Aristotle's thinking, all of these functions are of value. Concerning the functions and values of music that are discussed, Varkøy abstains from passing his own judgment which leaves a welcome space for one's own thinking.In the second chapter, Varkøy focuses on the functions of music between the time of early Christianity and the time of Comenius. He puts forward an intriguing argument when he states that the Church Father Augustine, who saw the fact that people can enjoy music just for pleasure as a danger, has already pointed to the notion of music as a phenomenon with its own, intrinsic value. At the end of this chapter, Varkøy asks the readers to reflect on Comenius' distinction between "useful" knowledge and knowledge that serves "the way of making one's living."4 He returns to this distinction later on in his book.In the chapter "Progress and Reason," the focus is on... (shrink)

Der Postmodernebegriff, Etikett für ein breites Panorama gesellschaftlicher und kultureller Phänomene der jüngeren Vergangenheit, bestimmt seit dem Beginn der achtziger Jahre Teile der Musikwissenschaft. Das Problem, inwiefern sich postmoderne Positionen, Ideen oder wissenschaftliche Methoden auf Fragen zur Musik übertragen lassen, provoziert seitdem höchst divergierende Deutungen und Wertungen historischer wie ästhetischer Sachverhalte. Diese Kontroverse basiert auf einem philosophischen Diskurs über das Verhältnis von Moderne und Postmoderne und ist in hohem Maße durch den französischen Poststrukturalismus inspiriert. Die hier vorliegende Untersuchung will (...) selbst keine Bestimmung des Postmodernebegriffs liefern, sondern - gewissermaßen von einer Meta-Ebene aus - diesen Diskurs auf seine impliziten Urteils- und Deutungsmuster zurückführen. Dabei zeigt sich, dass - aller vordergründigen Fehden zwischen Verfechtern und Verächtern der Postmoderne zum Trotz - sämtliche Parteien des Diskurses durch Normvorstellungen zusammengehalten werden, die in der Moderne und der Aufklärung wurzeln. Mehr anzeigen Weniger anzeigen. (shrink)

Long description: Welche Betrachtungsmöglichkeiten ergeben sich aus den vielfältigen Verknüpfungen von Musik, Medien und Kunst? Der Band widmet sich dieser Frage aus wissenschaftlicher ebenso wie aus künstlerischer Perspektive. Zentrale Angelpunkte dabei sind Kommunikation, Technologie und Wahrnehmung als Gegenstände und/oder methodische Konzepte in Wissenschaft und Kunst. Die Beiträge machen unterschiedliche Blickwinkel auf gemeinsame Themenfelder sichtbar, um darin mögliche Schnittmengen, Übergänge und Bruchlinien zu erschließen.

Sibiriske shamaner siger, at lyden af deres tromme er hesten der bærer dem til det hinsides. Min erfaring er, at nogen former for musik kan gøre dette med os. Hvordan er det muligt? "Musik som en Mystisk rejse" udforsker dette. Bogen handler om spirituel transformation og vores søgen efter lykke og harmoni. I dag er der musik alle vegne omkring os, og vi er alle blevet dybt bevæget af musik. Kun få mennesker indser hvordan en sådan (...) dyb følelsesoplevelse kan føre dem mere permanent ind i stilhed, glæde og frihed. Hvad minder denne følelse os om, hvor peger den hen og hvordan kommer vi der? En mystisk rejse er en søgen der følger et indre kald. Ordet "mystisk" hentyder til en søgen, der er fælles for alle religioner og som derfor ikke tilhører nogen bestemt religion alene. Alle mystiske traditioner så som sufierne, de nord-amerikanske indianere eller de shamanske kulturer, gik hinsides religionen ind i et åbent rum med broderskab og samhørighed med naturen og det guddommelige. (shrink)

Einleitung -- Opernmusik -- Theaterwissenschaft -- Schauspielmusik -- Filmmusik -- Funktionssystem für Musik in der Oper -- Analysen im Lichte der Funktionen.

Der Band untersucht das durch die Begriffe Musik, Kultur und Gedächtnis abgesteckte Feld in einer zweifachen Bewegung: Zum einen wird Musik als eine wichtige soziokulturelle Ausdrucksform quer durch alle Kulturen gefasst, ihre Bestimmung und Funktion ändern sich mit den jeweiligen soziokulturellen Kontexten und Praxen. Jedes Musikstück steht in spezifischen kulturell entwickelten Traditionen und Formen, die von ihm aktualisiert werden. Musik wirkt als "gemeinschaftsbildende Macht" (Adorno), als Ausdrucksmittel individueller oder kollektiver Identität. Zum anderen ist den vielfältigen Formen von (...) Musik die mehrfache Verbindung von Musik und Zeit gemeinsam: Die jeweilige musikalische Darbietung oder Reproduktion ist ein zeitlicher Ablauf und als solcher gedächtnishaft organisiert. Die ästhetische Erfahrung von Musik ist konstitutiv auf Gedächtnisleistungen angewiesen und Musik selbst eine temporale Kunstform. Neben dieser elementaren Zeitlichkeit zeigen sich in der Musik aber viele weitere Aspekte subjektiver und sozialer Zeit: die Geschichtlichkeit der einzelnen Stücke bzw. Werke selbst, die soziokulturelle zeitliche Lagerung von Ordnungsprinzipien wie Gattungen, Kunstformen, Stilen etc., der Wandel von basalen Formen des Musikmachens (etwa unter dem Einfluss von Medientechnologien). Der Band enthält auch die deutsche Erstveröffentlichung eines Artikels von Maurice Halbwachs zu diesem Themenfeld. Der Inhalt: Theoretische Überlegungen, "Analytische Betrachtungen. Die Herausgeber: PD Dr. Christofer Jost lehrt und arbeitet am Zentrum für Populäre Kultur und Musik der Universität Freiburg. PD Dr. Gerd Sebald ist am Institut für Soziologie der Universität Erlangen-Nürnberg tätig. (shrink)

Philosophical and aestethical aspects of music development in Indonesia.

The goal of this article is to use structural, lexical and content analysis to make the case that the Church Father Lactantius, when composing Divinae institutiones 6,21, engaged with Sen. epist. 123,9 f. and pointedly refers to it. In the process, this whole chapter of Lactantius will be examined to see what the relation is between the decisive influence of the Seneca passage and that of other pre-texts that have already been identified as such in existing publications, especially the works (...) of other Church Fathers. The content under discussion concerns the risks of purely instrumental music compared to those of artistically designed speech for the spirit of the listener, closely linked to the question of whether Christian writings, too, may – or even should – be aesthetically appealing. The treatment of this question leads ultimately to a general discussion of the relation of pleasure to virtue in the sense of a life pleasing to God. (shrink)

Moses Mendelssohn (1729-1786) steht nicht nur für ein neues Selbstverständnis einer "aufgeklärten" jüdischen Elite, sondern auch - wie hier erstmals dokumentiert wird - für einen neuen Umgang mit »ästhetischer Bildung« und Musik: Er selbst nahm Klavierunterricht beim Bach-Schüler Kirnberger, während Sara Levy, geb. Itzig, ihren Salon zu einem Zentrum der Bach-Pflege machte und zahlreiche Berliner Juden ausgerechnet bei öffentlichen Aufführungen von Händels »Messias« und Grauns »Tod Jesu« mitwirkten. Die manifeste Bevorzugung "alter" und selbstreferentieller Musik in diesen Kreisen erlaubt (...) die These, daß die jüdische Minderheit in Berlin der Idee einer »absoluten Musik« wesentlich den Boden bereitet hat. (shrink)

In this volume specialists of medieval music and philosophy put the medieval 'musica' into the context of ideas and institutions in which it existed. The significance of 'musica' cannot be understood from a modern point of view since 'music' does not match the medieval 'musica'.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts war Schopenhauer der einflussreichste Denker weltweit, dessen Wirkung sich von der Literatur über die bildende Kunst zur Kunstmusik erstreckte und von Europa über Nordamerika bis Lateinamerika reichte. Die weitere kulturelle Bedeutung erwuchs der Philosophie Schopenhauers erst Jahrzehnte nach ihrer ursprünglichen Konzeption und frühen Ausführung durch ihren noch recht jungen Autor.

Voraussetzungen -- Carla Henius, Cathy Berberian und Roy Hart : drei vokale Fallbeispiele -- Interpretationen : Konklusionen -- Verzeichnis der Archive -- Abbildungsverzeichnis -- Literaturverzeichnis.

Aus ganz unterschiedlichen Blickwinkeln, sei es aus musikhistorischer oder ethnomusikologischer Sicht, umkreisen zehn Beitrage das Thema aMusik - Zu Begriff und Konzepteno. Unter dieses Thema ein internationales Symposion in Berlin zu stellen, das zum Gedenken an Hans Heinrich Eggebrecht (1919-1999) veranstaltet wurde, erschien umso naheliegender, zumal Eggebrecht die Frage aWas ist Musik'o existenziell beruhrte, sie grundierte und sein Forscherleben als Musikwissenschaftler von den fruhen Veroffentlichungen nach dem Zweiten Weltkrieg bis zu den letzten Arbeiten durchzog. Inhalt Bruno Nettl: Was ist (...) Musik? Ethnomusikologische Perspektive Sabine Ehrmann-Herfort: Die Kantate. Musik zwischen asthetischer Autonomie und Ideologie Christian Berger: aMusiko nach Kant Erich Reimer: aMusikanto und aMusiko. Zur Geschichte einer wechselvollen Beziehung Christian Kaden: Musik bei denen, die keine aMusiko haben Hans-Joachim Hinrichsen: Hugo Riemann und der Musikbegriff der Musikwissenschaft Klaus-Jurgen Sachs: Musik - erfahren und erortert durch Franz Rosenzweig (1886-1929) Wolf Frobenius: Gestische Musik. Zur Fruhgeschichte des Begriffs Albrecht von Massow: Tonkorper - ein eigenstandiger Parameter der Wesensbestimmung und der Analyse von Musik Christian Thorau: Symphony in White - Musik als modus der Referenz. (shrink)

Wie lässt sich erklären, dass Musik von kompetenten Hörern als ein Ausdruck von Emotionen wahrgenommen und geschätzt wird? Zunächst werden kurz zwei traditionelle Lösungsansätze, die Erregungstheorie und die biographische Theorie, vorgestellt und kritisiert. Hauptziel der Abhandlung ist dann eine Darstellung und Verteidigung der sogenannten Persona-Theorie, die die Expressivität von Musik auf die Gesten einer in der Imagination des Hörers entstehenden Person zurückführt. Konturtheoretiker erheben dagegen den Einwand, dass Musik nicht zur Repräsentation von Personen geeignet sei; ihre Expressivität (...) gründe nur in äußerlichen Ähnlichkeiten zwischen musikalischen Konturen und menschlichem Ausdrucksverhalten. Dagegen wird hier die These vertreten, dass das expressive Potential von Musik nicht von ihrem repräsentativen Potential abhängt. Durch dieses expressive Potential kann Musik zu einer imaginären Reflexion von Emotionen und dadurch auch zu einer Kultivierung unseres Charakters beitragen. Neben der Erklärung der musikalischen Expressivität kann die Persona-Theorie also auch eine plausible Begründung unserer Wertschätzung von Musik liefern. (shrink)

Name der Zeitschrift: Nietzsche-Studien Jahrgang: 45 Heft: 1 Seiten: 143-157.