Kaja Silverman and Harun Farocki _Speaking about Godard_ New York: New York University Press, 1998 ISBN: 0-8147-8066-0 243 pp.

This essay is an interpretation of the work of Jean-Luc Godard: Histoire du cinéma. There are two main objectives of the text. First, to analyze audio-visual mediations on the political construction of memory. Therefore, I will study the way Jean-Luc Godard´s films articulate the cinematographic history of the Twentieth century, inspired by a central motif: the idea of failure and mourning. Secondly, I´d like to establish a dialogue between the ‘pathologies of memory’ – as reported by Godard in (...) critical connection with the mass-media comsuption regime – and the ‘policies’ of the images and montage, proposed by Walter Benjamin an his ‘dialectics of seeing’. (shrink)

L’articolo ragiona intorno al film-saggio Histoire(s) du cinéma (1988-1998) di Jean-Luc Godard e si sofferma in particolare su un controverso montaggio in cui il regista francese accosta estratti da un film pornografico, Freaks di Tod Browning e riprese dai campi di concentramento. In questa sequenza Godard sottopone a una verifica estrema la sua teoria del montaggio, l’idea della riconciliazione, destinata a produrre scintille di pensiero, tra realtà contrapposte. Questa forzatura delle immagini richiama un’analoga forzatura del testimone mostrata in (...) una scena del documentario Shoah di Claude Lanzmann. Interpretando lo shock prodotto dal montaggio delle Histoire(s), l’articolo approfondisce il tema della degradazione dello statuto indessicale della pellicola, dei limiti della rappresentazione, dell’etica dello sguardo. (shrink)

In lieu of an abstract, here is the essay's opening paragraph: Marguerite Duras prefaces the second edition of Le navire night , from which an excerpt is cited above, by explaining that after writing the story of a man named J.M., everything came too late, including the realization of the film version of Le navire night. Once the event has been written and the common night of history been closed up, did she have the right to flash a light into (...) the darkness to go back and see? The only seeing through cinema that was possible, she continues, was to film the failure, the disaster of the film. But how does one film the failure of realizing a film adaptation of a written text, which itself was transcribed from an oral re-telling of a story, which itself was adapted from memory? The event already took place – writing, “this history here” –, leaving cinema to film what never took place, namely, the film itself. As Jean-Luc Godard confirms in a chapter titled Seul le cinéma in Histoire du cinéma, not only in the form of his project as a whole but also more explicitly in one shot that positions two close-up photographs of his face with the sound of Paul Hindemith’s “Funeral Music” and this text: “Faire une description précise de ce qui n’a jamais eu lieu est le travail de l’historien.” Describing the rise of the film Le navire night from its disastrous death, Duras writes: “On a mis la caméra à l’envers et on a filmé ce qui entrait dedans, de la nuit, de l’air, des projecteurs, des routes, des visages aussi.” The camera turned upside-down, or in the other sense, inside-out, Duras films the entrance of the exterior, a sort of a Levinasian visage. The question no longer is one of having the right but of the duty to re-write history, as is insinuated by the reference to “The Critic as Artist” written across one of the photographs mentioned above, which is again a gesture of Godard’s positioning himself as the critic whose role Oscar Wilde defined: “The one duty we owe to history is to rewrite it.”. (shrink)

Based on a bold equation of cinema with history, Jean-Luc Godard’s essay-film Histoire du Cinéma provokes new thoughts about what historical understanding involves and how cinematic revelation can happen. This paper discusses how Histoire engages conventional standards of historical understanding while also taking us into uncharted depths of historical realization, examining the undeniable historical evidence presented in the film, undismissable insights into relations among historical data, and possibly valid judgments of historical truth. Reaching for non-obvious connections, Godard (...) risks misleading decontextualization of his materials. But by stocking our minds with pertinent film selections, new treatments of those images, and various writers’ musings he draws us into his quest for a practically decisive realization of the significance of the recent history of our civilization. (shrink)

This article compares the poetics of Marcel Proust's A la recherche du temps perdu and Jean-Luc Godard's Histoire du cinéma in order to realign our understanding of metaphor, metonymy and montage with the inter-formal dialogues that new media artworks increasingly demand of audiences. An analysis of Godard's ‘quotation’ of Proust's words and ideas from Le Temps retrouvé sets out an explicit rivalry between text and image. However, drawing on formalist and structuralist approaches to both literature and cinema, including (...) Roman Jakobson and Gérard Genette, as well as more recent discussions developed by Gilles Deleuze and Lev Manovich, I will argue that the nature of the image manifested in both artworks corresponds to a shared aesthetic that exceeds distinctions between word and image, literature and video. (shrink)

La réception problématique des Cultural, Gender et Postcolonial Studies dans le champ des études cinématographiques en France s’est longtemps traduite par leur rejet. Depuis la fin des années 2000, sous la pression de l’évolution générationnelle mais aussi de la recherche internationale, on observe une prise en compte partielle des Studies. Toutefois, celle-ci s’accompagne d’une neutralisation de leur dimension critique et politique, à savoir leur remise en cause des fondements mêmes des épistémologies occidentales. Longtemps organisée autour d’histoires nationales et des critères (...) de l’histoire de l’art, l’histoire du cinéma n’échappe pas aux reconfigurations contemporaines de l’historiographie. Cependant, une autre histoire du cinéma français reste à construire. L’analyse comparée de la construction discursive du « cinéma beur » (années 1980), des « films de banlieue » et du « jeune cinéma français » (années 1990) permet de mettre en évidence le discours dominant d’un cinéma français défini par sa blanchité. La critique cinématographique des années 1990 joue ainsi un rôle d’opérateur de la blanchité qui contribue à invisibiliser les composantes non-blanches (ici maghrébines) dans la constitution de la francité. (shrink)

La réception problématique des Cultural, Gender et Postcolonial Studies dans le champ des études cinématographiques en France s’est longtemps traduite par leur rejet. Depuis la fin des années 2000, sous la pression de l’évolution générationnelle mais aussi de la recherche internationale, on observe une prise en compte partielle des Studies. Toutefois, celle-ci s’accompagne d’une neutralisation de leur dimension critique et politique, à savoir leur remise en cause des fondements mêmes des épistémologies occidentales. Longtemps organisée autour d’histoires nationales et des critères (...) de l’histoire de l’art, l’histoire du cinéma n’échappe pas aux reconfigurations contemporaines de l’historiographie. Cependant, une autre histoire du cinéma français reste à construire. L’analyse comparée de la construction discursive du « cinéma beur » (années 1980), des « films de banlieue » et du « jeune cinéma français » (années 1990) permet de mettre en évidence le discours dominant d’un cinéma français défini par sa blanchité. La critique cinématographique des années 1990 joue ainsi un rôle d’opérateur de la blanchité qui contribue à invisibiliser les composantes non-blanches (ici maghrébines) dans la constitution de la francité. (shrink)

Le cinéma occupe une place importante dans l’œuvre du philosophe et esthéticien français Étienne Souriau (1892-1979). Soucieux d’inclure parmi les traditionnels Beaux-arts l’art mécanique nouveau du cinéma, Souriau développe au lendemain de la Seconde Guerre mondiale une pensée ontologique singulière du cinéma dont Christian Metz nous rappelle en 1980 qu’elle ne fonctionne que par interventions. Depuis ses premières tentatives d’études par la méthode cinématographique de 1937, du temps où Souriau enseigne à l’université de Lyon, jusqu’aux pages de (...) son posthume Avenir de la philosophie (1982), en passant par les dix années d’aventure filmologique, cette étude vise donc à réunir l’ensemble de ces interventions et à révéler l’étendue de cette pensée jusqu’à sa postérité. Il s’agit encore d’explorer ces années filmologiques durant lesquelles Souriau dirige un Groupe de recherche au sein de l’Institut de filmologie ; groupe auquel nous devons notamment la paternité du concept actualisé de diégèse. Ce corpus a priori hétérogène regroupe des chapitres d’ouvrage, articles de revues, inédits et archives, et constitue in fine de façon rhizomique ce que nous pouvons désormais nommer : la pensée esthétique du cinéma selon Étienne Souriau. (shrink)

Ces rencontres témoignent de l'histoire des réflexions sur le cinéma dans l'optique de la philosophie depuis la démarche de G. Deleuze. Ce recueil présente une réflexion historique et théorique du rapprochement du cinéma avec la philosophie ou l'esthétique, et procède à des analyses philosophiques ou esthétiques sur tel ou tel aspect du cinéma.

Le cinéma est à plus d'un titre un art des relations : on ne comprend pleinement un film qu'en le situant dans l'histoire des formes (genre, série, reprise), dans celui de la pensée qu'il engendre chez le spectateur-philosophe (chacun de nous dans nos bons moments), ou dans l'étude de la mise en contact d'aires culturelles distinctes (la présence des Européens à Hollywood, par exemple). Ainsi, la poétique historique des films, la " cinéphilosophie " et l'approche du cinéma (...) en termes de transferts culturels sont autant de chemins qui aident à explorer dans le présent ouvrage ce territoire relationnel. Mais au sein même de ces approches, un film, un texte, un penseur, un cinéaste franchissent des frontières décidément poreuses, donnant extension et valeur d'égide au procédé filmique qui mêle et relie à la fois les images : le fondu-enchaîné. Ainsi font retour au long du livre les Accords Blum-Byrnes, le film noir et la comédie américaine, Stanley Cavell et Gilles Deleuze, Albert Laffay et le baudrier du roi dans La Veuve joyeuse de Lubitsch, Lettre d'une inconnue de Max Ophuls et Tout ce que le ciel permet de Douglas Sirk, la cinéphilie française et le CinemaScope, Walden de Thoreau et l'expression " ça, c'est du cinéma! " ce qui ne doit pas vraiment surprendre car avec ces Fondus enchaînés, la collection " Poétique"s'ouvre au septième art. (shrink)

Traditionnellement associée en histoire de l’art et esthétique à l’expression du mouvement, la forme serpentine connaît dans la deuxième moitié du xix e siècle jusqu’au tournant du siècle une vive actualité dans le champ esthétique général, et, en particulier, l’esthétique académique, où elle est qualifiée d’« image du mouvement ». Cette postérité vive est toutefois polymorphe, mais aussi paradoxale : convoquée tant par l’esthétique scientifique que métaphysique qui s’opposent alors comme esthétique d’en bas et d’en haut, la forme serpentine (...) y relève de différents concepts et traditions, et se trouve renouvelée, départageant respectivement une conception du côté du cinéma naissant et de l’image en mouvement, et, de l’autre côté, ses antipodes aux sources du bergsonisme. (shrink)

Ce qu'il s'agit d'analyser, d'ausculter, c'est ce que Walter Benjamin, en 1929 déjà, décrivait comme un espace chargé à cent pour cent d'images. Autrement dit : cette visibilité saturée qui nous arrive de partout, nous entoure et nous traverse aujourd'hui. Un tel espace iconique est le produit d'une histoire : celle de la mise en circulation et de la marchandisation générale des images et des vues. Il fallait ébaucher sa généalogie, depuis les premiers ascenseurs ou escalators (ces travellings avant (...) la lettre) jusqu'aux techniques actuelles de l'oculométrie traquant les moindres saccades de nos yeux, en passant par le cinéma, grand chef d'orchestre des regards. Mais, sous-jacente à cette innervation du visible, il y a une économie propre aux images : ce qu'on tente d'appeler leur iconomie. Deleuze l'avait entrevue lorsqu'il écrivait, dans des pages inspirées par Marx : "l'argent est l'envers de toutes les images que le cinéma montre et monte à l'endroit". Une phrase que l'on n'entendra dans toute sa portée ontologique qu'à condition de se souvenir que "cinéma" veut aussi dire ici : "l'univers". C'est pourquoi, tout en se laissant guider par des séquences d'Hitchcock, de Bresson, d'Antonioni, de De Palma ou des Sopranos, ces pages voudraient frayer la voie qui conduit d'une iconomie restreinte à ce qu'on pourrait nommer, avec Bataille, une iconomie générale. (shrink)

On s’interroge, dans ce livre, sur la façon dont les peuples sont représentés : question indissolublement esthétique et politique. Les peuples aujourd’hui semblent exposés plus qu’ils ne l’ont jamais été. Ils sont, en réalité, sous-exposés dans l’ombre de leurs mises sous censure ou – pour un résultat d’invisibilité équivalent – sur-exposés dans la lumière artificielle de leurs mises en spectacle. Bref ils sont, comme trop souvent, exposés à disparaître. À partir des exigences formulées par Walter Benjamin (une histoire ne (...) vaut que si elle donne voix aux « sans noms ») ou par Hannah Arendt (une politique ne vaut que si elle fait surgir ne fût-ce qu’une « parcelle d’humanité »), on interroge ici les conditions d’une possible représentation des peuples. Cela passe moins par l’histoire du portrait de groupe hollandais et des « portraits de troupes » totalitaires que par l’attention spécifique accordée aux « petits peuples » par les poètes (Villon, Hugo, Baudelaire par exemple), les peintres (Rembrandt, Goya ou Gustave Courbet), les photographes (Walker Evans, August Sander ou, pour un exemple contemporain, Philippe Bazin). Le cinéma, quant à lui, nomme figurants ces « petits peuples » devant lesquels agissent et s’agitent les « acteurs principaux », les stars comme on dit. D’où que les figurants incarnent un enjeu crucial, historique et politique, du cinéma lui-même, depuis sa naissance – La Sortie des usines Lumière – jusqu’à ses élaborations modernes chez Eisenstein et Rossellini, et bien au-delà encore. Une longue analyse est ici consacrée au travail de Pier Paolo Pasolini, à sa façon de retrouver les « peuples perdus » dans leurs « gestes survivants », selon un processus que permettent d’éclairer les analyses d’Erich Auerbach (pour les formes poétiques), d’Aby Warburg (pour les formes visuelles) et d’Ernesto De Martino (pour les formes sociales). Sans oublier quelques exemples plus contemporains, tel que le film du Chinois Wang Bing intitulé, précisément, L’Homme sans nom. (shrink)

Le rejet de End of Track de Mou Tunfei (fin années 60), film “invisible”, jamais distribué, prouve à quel point les thématiques abordées (homosexualité, différence de classes, nihilisme) étaient taboues pour toute une génération. Banana Paradise (années 80) évoque la façon dont deux frères d’armes survivent en usurpant l’identité de camarades décédés, et finissent par s’épanouir dans une société en exil taraudée par la mémoire du continent. Enfin, Gf/Bf (années 2000) développe des thématiques jadis censurées (homosexualité, démocratisation) et qui refont (...) surface via le prisme du triangle amoureux. Malgré leur hétérogénéité, ces films permettent de constituer une histoire de ce rapport fraternel dans des contextes ambigus et dissonants ; à travers trois films d’époques différentes, je retrace l’évolution dans le temps de la représentation de l’amitié entre hommes, une évolution qui révèle un « changement de paradigme » au sein même de la société taiwanaise. (shrink)

Le rejet de End of Track de Mou Tunfei (fin années 60), film “invisible”, jamais distribué, prouve à quel point les thématiques abordées (homosexualité, différence de classes, nihilisme) étaient taboues pour toute une génération. Banana Paradise (années 80) évoque la façon dont deux frères d’armes survivent en usurpant l’identité de camarades décédés, et finissent par s’épanouir dans une société en exil taraudée par la mémoire du continent. Enfin, Gf/Bf (années 2000) développe des thématiques jadis censurées (homosexualité, démocratisation) et qui refont (...) surface via le prisme du triangle amoureux. Malgré leur hétérogénéité, ces films permettent de constituer une histoire de ce rapport fraternel dans des contextes ambigus et dissonants ; à travers trois films d’époques différentes, je retrace l’évolution dans le temps de la représentation de l’amitié entre hommes, une évolution qui révèle un « changement de paradigme » au sein même de la société taiwanaise. (shrink)

Ce texte a déjà paru dans Intermédialités : histoire et théorie des arts, des lettres et des techniques / Intermediality : History and Theory of the Arts, Literature and Technologies, n° 16, 2010, p. 105-128, puis sur Erudit.org. Nous remercions Laurent Guido de nous avoir autorisé à le reproduire ici. Depuis une vingtaine d'années, l'idée de mondialisation s'est imposée au sein des discours et des pratiques culturelles, dans un contexte où sont apparues de nouvelles techniques d'information et de - (...) Cinéma, animation et vidéo – GALERIE – Nouvel article. (shrink)

This article reads Jean-Luc Godard’s film essay Histoire du cinéma as a contemporary artistic endeavour to resist the synchronising, standardising time of global capital, the pervasive uniformity of the global super-present, brought about by today’s televisual and digital communications, which threatens to trivialise the different processes of memory and history, as well as art and culture in general. Taking its point of departure in Bernard Stiegler’s observation that the final stage of capitalism is the control and synchronisation of (...) “available brain time,” the article argues that Godard’s work opposes this control and synchronisation of our minds through an aesthetics of contemporaneity. The argument is based on the development of a theoretical framework that combines recent theories of contemporaneity with reflections on the politics of images. Focusing on the ways in which the Holocaust is remembered in Histoire du cinéma, the article deals with Godard’s image-political creation of temporal contemporaneity through a montage of clips of old films and newsreels, photographs, stills, images of paintings, new footage, advertisements, music, sound and voice recordings, textual citation, narration and commentary. (shrink)

- Dites-moi au moins l'argument de la querelle. - Oh! il est si simple qu'il paraît pauvre face à tant de points de vue qui aménagent plus ou moins une dilution du cinéma dans l'art contemporain, et son histoire à l'intérieur de l'histoire de l'art. La projection vécue d'un film en salle, dans le noir, le temps prescrit d'une séance plus ou moins collective, est devenue et reste la condition d'une expérience unique de perception et de mémoire, (...) définissant son spectateur et que toute situation autre de vision altère plus ou moins. Et cela seul vaut d'être appelé "cinéma". - Vous ne suggérez tout de même pas une primauté de l'expérience du spectateur de cinéma sur les expériences multiples du visiteur-spectateur des images en mouvement de l'art dont on tend à le rapprocher? - Evidemment non. Il s'agit simplement de marquer qu'en dépit des passages opérant de l'une aux autres et inversement, ce sont là deux expériences trop différentes pour qu'on accepte de les voir confondues. On n'oblige personne à se satisfaire de la "vision bloquée" de la salle de cinéma. Ce "désert de Cameraland", disait Smithson, ce "coma permanent". On peut préférer la flânerie, la liberté du corps et de l'esprit, la méditation libre, l'éclair de l'idée. On peut aussi, comme Beckett, se sentir "mieux assis que debout et couché qu'assis". Simplement, chaque fois cela n'est pas pareil, on ne sent ni on ne pense vraiment les mêmes choses. Bref, ce n'est pas le même corps. D'où la nécessité de marquer des pôles opposés pour mieux saisir tant de positions intermédiaires. (shrink)

4e de couv.: Les écrits de Michel Foucault sont stratifiés, hiérarchisés, entre les livres, les entretiens et les cours au Collège de France, mais ils sont surtout disséminés dans leurs usages. Désormais, et en plus de l'histoire des sciences et de la philosophie, les "effets" Foucault sont palpables sur la théorie de la littérature et du cinéma, l'histoire culturelle et sociale, les théories du genre, la pensée politique, les sciences de gestion, etc. C'est dans ce chantier ouvert (...) que se situe cet ouvrage. Il s'agit pour Jérôme Lamy, Jean-François Bert et leur équipe de spécialistes de resituer et d'analyser une pensée empruntant des questionnements à d'autres champs, de la psychologie à l'économie, de la science politique à la géographie, tout en ne se réclamant pas de ces sciences humaines et sociales. Pour comprendre la position de Foucault, les grands axes méthodologiques qu'il a parcourus sont retracés, telle l'archéologie, l'épistémè, la problématisation. Les concepts, des ouvrages maintenant classiques aux cours et à l'histoire de la sexualité, sont également revisités. Cette lecture critique des écrits et des usages de Foucault permet de le confronter aux analyses les plus récentes en sciences sociales, comme les postcolonial studies, ou de suivre les dialogues engagés (parfois à distance) avec des auteurs comme Norbert Elias, Michel de Certeau et Pierre Bourdieu. Un inventaire aussi rigoureux qu'éclairant. (shrink)

Tout le film est toujours une microphysique du pouvoir, en potence, d’être étudier. Aujourd’hui l'augmentation des productions d'horreur et son public ont fait le film d'horreur une «contreculture» dominante, mais toujours sous l'effet négatif du pouvoir et du savoir qui disqualifient les discours, matérialisée dans ces films, ce qui les rend illégitime et exiler en soi espace filmique, transformée en un lieu adapté pour interdite et marquée par certaines pratiques discursives avec certains dispositifs d'exclusion. Paradoxalement, les types marginaux qui apparaissent (...) dans l'ordre de ces productions occupent les positions de sujets à exercer le pouvoir dans l'horreur et dans le même temps le renforcement de leur marginalité et de son objectivation. Ces aspects et les spécificités qui caractérisent les productions d'une part, nous ont amenés à identifier les pratiques de l'objectivation qui transforment corps dans les sujets dans l'horreur; d'autre part, de démontrer que ces films constituent une nouvelle technologie de contrôle social des corps, mais l'objectif principal de cette étude est d'analyser les relations de pouvoir à travers l'antagonisme des stratégies dans ce discours, qui est, pour savoir ce que cela signifie d'avoir un corps libre, nous examinons ce qui se passe sur le corps subjugué dans les films d'horreur, prenant l'archeogenealogie de Foucault comme base théorique. Cette questionhypothèse aurait un autre groupe: d'où pourrait faire une telle histoire? Nous supposons que dans les moments de crise, les films d'horreur ont beaucoup à prouver, donc nous avons opté pour un très similaire à celui qui Foucault a été invité par les experts de la revue Cahiers du cinéma pour discuter des conditions pour les productions cinématographiques comme Le Chagrin et la Pitié (1969), Portier de nuit (1974) et Lacombe Lucien (1974), quand on a regardé le déclin du gaullisme et l’ascention de Valéry Giscard d'Estaing , le vainqueur de la présidentielle de 1974, avec le soutien de l'ancien droit Tardieu et petainistes, anciens alliés de l'occupation du Führer Hitler de la France, entre 1940 à 1943. Maintenant, les conditions de production sont ceux qui marquent la fin des gouvernements socialistes de Mitterrand et Chirac, et le retour au pouvoir de la droite, à l'ascension politique de Nicolas Sarkozy. Au milieu de la crise économique de l'Union Européenne, flotte dans l'air la peur terrifiante de risque que l'arrivée de l'extrême droite au pouvoir. La présence croissante d'immigrants est aussi dans l'ordre d'une nouvelle crise de l'identité française. Ce sont les conditions de production de À l'intérieur, Frontière (s),Martyrs, Ils, La Meute, Captifs et Derrière les murs et, des films qui font partie de notre corpus. À la methodologie, nous développons les trois concepts opérationnels: le dispositif filmique de la mémoire, de la vérité et de l'objectivité pour traiter la mémoire populaire, recodé dans ces films et soi-disant perçu par nous comme l'un des principaux modes de contrôle des corps d’horreur; la notion d’intericonicité est encore utilisée pour indiquer des images qui renvoient à d'autres, mais tout en réalisant que chaque image a dans sa juxtaposition afin de utopies des hétérotopies. Donc, nous avons décidé de donner une nouvelle forme à cette notion, y compris l'utopique juxtaposés à des espaces hétérotopiques, sous l'influence de la discussion faite par Foucault dans le Corps utopique et Les hétérotopies. Keyword:Mémoire. Corps. Pouvoir. Discours politique. Film français d’horreur. (shrink)

L'art est la chair de la vie. Il incarne la vie intérieure comme renonciation. L'art est en effet la réalité même de l'affect en tant que ce dernier s'annonce comme étant, dans son essence universelle, à la fois aspiration et renoncement à l'absolu. C'est cette thèse que le philosophe Patrice Guillamaud avait déjà défendue à propos du cinéma et qu'il développe ici à propos de l'ensemble des différents arts. Il s'agit ainsi d'un nouveau système des Beaux-Arts. Celui-ci met en (...) évidence les différentes essences de l'art à partir des différentes manières dont celui-ci fait participer la vie aux différentes sphères de la réalité que sont notamment la pensée, la nature et l'histoire. De la littérature à la musique, en passant par la peinture et l'architecture, l'art est la vie comme renonciation. De Proust à Schönberg, de Botticelli au Corbusier et de Dostoïevski à Beckmann, c'est la même essence universelle de la vie qui se livre dans chacune des grandes oeuvres de l'art. (shrink)

Voyages et exils au cinéma, rencontres de l'altérité s'intéresse aux phénomènes d'hybridation entre cultures tels qu'ils se traduisent à l'écran, sans restriction géographique (cinémas américain, italien, africain, libanais, indien, taïwanais, japonais etc.). Si le voyage et l'exil des cinéastes sont sources de transferts culturels et esthétiques, le thème du voyage et de l'exil représenté au cinéma questionne la notion d'altérité en proposant une vision diversifiée de la rencontre entre autochtones et nouveaux arrivants. Dans un monde globalisé, mais qui (...) continue de s'interroger à la fois sur la mixité culturelle et le sens de la nation, le cinéma reflète ainsi les cultures plurielles dans leur richesse et leur vivacité, mais aussi les replis communautaires, les phénomènes d'imprégnation et bien entendu de domination culturelle. La caméra se désigne alors comme acteur, témoin et exégète de ces processus qui, s'ils ont une longue histoire et se développent tout au long du XXe siècle, culminent dans notre temps présent. (shrink)

"Dans l'œuvre d'art ou dans la théorie comme dans la chose sensible, le sens est inséparable du signe. L'expression, donc, n'est jamais achevée. La plus haute raison voisine avec la déraison. "Cette tension essentielle ainsi formulée par l'auteur sous-tend l'ensemble des essais réunis ici sous trois grandes perspectives : celle de l'art, celle de la philosophie et celle de la politique. L'étude consacrée à Cézanne comme celle qui analyse le cinéma du point de vue de la psychologie moderne s'attachent (...) l'une et l'autre à montrer la démarche créatrice cherchant sans cesse, face à "l'énigme du monde", quelles réponses nouvelles apporter à l'interrogation humaine. L'examen de l'existentialisme permet de clarifier les positions adoptées, dès la fin de la Seconde Guerre, par rapport à Hegel et à Marx, ainsi que de maintenir une réflexion politique et critique, en dépit de la débâcle prévue du communisme, sans retomber dans les séductions d'une "fin de l'histoire". C'est pourquoi, très courageusement, l'auteur entreprend, sous le titre "La guerre a eu lieu", un bilan général des années de guerre et d'immédiate après-guerre qui fait aujourd'hui écho à la conférence de Camus, "La crise de l'homme". Outre sa valeur historique, qui permet d'établir une sorte d'état des lieux des années 1944-1948 en France, ce recueil confirme toute l'ampleur et la richesse des intérêts et des problématiques qui caractérisent la pensée d'un auteur qu'on peut ainsi redécouvrir. -- Back cover. (shrink)

Ce volume envisage l'amour en tant qu'objet polymorphe : Eros, Philia, Agapé, mais aussi Storgé. Les mots grecs rendent compte, du large spectre amoureux : amour romantique, amour sexuel, amour de soi, de l'autre, pour l'autre... des catégories qui placent les manifestations du sentiment amoureux dans un espace de contraintes et de possibilités qui relève du social et du discursif. Les travaux qui sont ici réunis s'attachent ainsi à interroger des genres artistiques et discursifs dans lesquels s'ancre l'amour, ils abordent (...) la littérature et le cinéma, mais aussi l'histoire, l'histoire des idées, la sociologie l'ethnologie ou la psychologie. Ces recherches mettent en avant que l'amour constitue une manière d'appréhender et d'expliquer le monde puisqu'on peut lire à travers lui les rapports qui définissent nos sociétés et qui le définissent à leur tour. (shrink)

Les années 1960 furent le théâtre de l'un des épisodes les plus brillants de l'histoire de la pensée philosophique en France. Elles s'ouvrirent sur le triomphe public du structuralisme, avec La Pensée sauvage de Lévi-Strauss, se continuèrent par le renouvellement du marxisme proposé par Althusser et de la psychanalyse par Lacan, et s'achevèrent avec une série d'oeuvres comme celles de Foucault, Deleuze, Derrida et Lyotard, qui ont décidé du visage de la philosophie contemporaine. L'héritage de cette période a néanmoins (...) été difficile, suscitant tantôt une fascination mimétique, tantôt un rejet caricatural. Depuis quelques années, les auteurs qui l'ont marquée font individuellement l'objet d'une réception savante plus mesurée et plus profonde, au risque cependant de perdre la dimension collective et transversale qui la caractérisait. Le but de cet ouvrage est de réunir certains des meilleurs spécialistes pour prendre toute la mesure de ce qui a constitué, par son intensité et son ampleur, un "moment philosophique" exceptionnel. Il offre à la fois une traversée de quatre dimensions transversales et une relecture de quatre livres singuliers : La Pensée sauvage de Lévi-Strauss, Lire Le Capital et Pour Marx d'Althusser, les livres de Derrida autour de De la grammatologie, et Discours, Figure de Lyotard. Traversant aussi bien les mathématiques de Bourbaki que la linguistique structurale, l'anthropologie de Lévi-Strauss que la psychanalyse freudienne, le marxisme d'Althusser que celui d'Adorno, le théâtre de Brecht que le cinéma de Godard, ce livre invite à redécouvrir ce moment non pas comme un objet historique à circonscrire, mais comme un mouvement ouvert où se sont décidées certaines des tâches qui nous incombent encore, aujourd'hui. (shrink)

Au Roland Barthes critique, celui des analyses litteraires des Essais critiques, du Sur Racine ou des constructions theoriques nourries par la linguistique et le structuralisme comme le Degre zero de l ecriture, S/Z, le Systeme de la mode; au Roland Barthes ecrivain, sachant meler, avec une originalite inimitable, fiction et reflexions analytiques dans le Roland Barthes par Roland Barthes ou les Fragments d un discours amoureux, il faudrait ajouter un Roland Barthes, moins connu et moins analyse, celui de l - (...) amateur - d art. Il n aura pas fallu attendre son dernier livre, La Chambre claire, pour savoir que Roland Barthes aimait les uvres d art visuel et qu il pratiquait lui-meme, avec grand plaisir et serieux, la peinture. Des ses premiers textes rassembles dans les Essais critiques, il associe a des etudes sur Tacite, Chateaubriand, Baudelaire ou Robbe-Grillet, un essai sur Pieter Saenredam avec lequel il ouvre un recueil pourtant consacre a la litterature. Tout au long de son uvre, que cela soit sous la forme de preface de catalogues consacres a des artistes contemporains (Bernard Requichot, Daniel Boudinet, Cy Twombly), d articles sur des artistes classiques (Arcimboldo, Artemisia Gentileschi) ou de reflexions plus generales sur l art (le kitsch, le cinema, l abstraction, la musique), Roland Barthes a accorde une attention toute particuliere aux images. Elles etaient, a ses yeux, bien plus qu un passe-temps, un delassement intellectuel qui l eloignait de son veritable travail critique. L image, et l imaginaire qui lui est lie, possede une vertu que le texte ne semble pas pouvoir revendiquer: meler le langage expressif au discours critique, faire emerger la - substance sous le concept - et pousser la question de la signification jusqu a sa limite la plus extreme. Sans s embarrasser des regles methodiques dictees par l histoire de l art, en se voulant - sauvage et sans culture - devant ces uvres d art qui venaient a lui comme par - inadvertance -, qui l incitaient a l - aventure -, Roland Barthes a elabore une - esthetique - qui demeure une des plus singulieres et utiles contributions a l etude des images. Le - troisieme sens - et son correlat, la - signifiance - (cet - au-dela - du sens), l - imaginaire de l image - ou bien encore le celebre couple Punctum/ Studium avec lequel il precise la dimension subjective de tout commerce avec les uvres sont autant de propositions methodiques que l auteur reconsidere attentivement afin de tirer toute la force heuristique de cette - lecon de l image - a laquelle nous convie Roland Barthes. La - lecon de l art - que Barthes retient de son commerce constant avec les uvres d artistes contemporains (Cy Twombly, Daniel Boudinet, Bernard Requichot) ou anciens (Saenredam, Arcimboldo) a permis de developper une reflexion singuliere sur le fonctionnement des images. - En elaborant des notions comme la - signifiance -, le - troisieme sens - ou le fameux - punctum - afin de traduire les effets que les images provoquaient sur lui, Barthes a compose une veritable esthetique qu il est temps de lire avec autant de serieux que de plaisir.". (shrink)

Ce dictionnaire propose de réunir des portraits de brutes et de mégères dans le but de s'interroger sur les causes et les raisons de cette perception négative. Pourquoi certaines figures évoquent-elles la méchanceté? Que peut nous dire cette méchanceté dénoncée de nous-mêmes et de l'époque qui l'a engendrée? Il s'agira de retracer les portraits de ceux et celles ayant marqué l'Histoire et la fiction par leur cruauté, leur perfidie, leur machiavélisme, leur art de la dissimulation ou de la manipulation. (...) S'attarder sur la méchanceté et ses possibles, décliner les façons de la penser et de la vivre, de la subir ou de l'exercer, c'est s'intéresser à une facette peu valorisée de la sensibilité d'autant plus importante que chaque individu, de près ou de loin, est amené, un jour, à se montrer méchant. La méchanceté et ses manifestations, qu'elles soient conceptuelles ou biographiques, nous invitent donc à une introspection globale, à une immersion dans les affres de la noirceur des âmes dont la bouche n'est autre que celle de la méchanceté Le champ de cette entreprise est vaste et recouvre notamment : La Malice, le Machiavélisme, Orangina Rouge, Barbe Bleue, le cinéma d'Alfred Hitchcock, Marie-Antoinette, la Mauvaise conscience, Gilles de Rais, Harry Powell (La nuit du chasseur) Salomé-Hérodiade, Dracula, Tatie Danielle, Marie Tudor, la Perversité, la Mégère Grecque, Dark Vador, Mildred Ratched (Vol au-dessus d'un nid de coucou)... (shrink)

Pourquoi intituler cette étude : Deleuze, les mouvements aberrants? C'est que, au premier abord, sa philosophie - et celle construite avec Félix Guattari - se présentent comme une sorte d'encyclopédie de mouvements aberrants. C'est ce qu'il a cherché dans le cinéma, dans la peinture, la littérature, les sciences, dans l'histoire des sociétés, dans la philosophie, et partout. Ainsi par exemple, les déformations des figures de Francis Bacon, les non-sens de Lewis Carroll, les lignes destructrices et créatrices des populations (...) nomades à travers l'histoire, la démence du système capitaliste, les processus schizophréniques qui forment l'inconscient, toutes les forces qui traversent la vie et la pensée. Voilà ce qu'il faut d'abord expliquer : la présence de ces mouvements aberrants Mais on ne peut pas s'en tenir là. La philosophie ne peut pas se contenter de les décrire ou d'en dresser la carte, elle doit rendre raison de ces mouvements. D'où un deuxième aspect, tout aussi important : il faut produire les logiques irrationnelles de ces mouvements aberrants. C'est l'une des grandes nouveautés de l'oeuvre de Deleuze et Guattari : créer de nouvelles logiques, loin des modèles rationnels classiques, mais aussi loin de modèles contemporains, comme le marxisme ou le structuralisme orthodoxes des années 1960-1980. Mais ces logiques n'ont rien d'abstrait, au contraire : ce que veulent faire Deleuze et Guattari, c'est dégager les logiques de tous les modes de peuplements de la terre. Par peuplement, il ne faut pas seulement entendre les populations humaines, mais les populations géologiques, animales, cosmiques ou encore les populations mathématiques, esthétiques, philosophiques qui peuplent la pensée des hommes. Quelle est la logique de tous ces peuplements? Poser une telle question, ce n'est pas seulement demander des explications, mais exiger des justifications. Par exemple, pour le capitalisme : de quel droit se déploie-t-il sur la terre? De quel droit s'approprie-t-il nos cerveaux pour le peupler d'images et de sons? De quel droit asservit-il les corps? Aux logiques que le capitalisme met en oeuvre, ne faut-il pas opposer d'autres logiques, celles justement des mouvements aberrants? Dès lors, la philosophie devient inséparable de combats contre toutes les formes d'organisation - politique, sociale, philosophique, esthétique, scientifique - qui tentent de nier, de conjurer, d'écraser l'existence de ces mouvements aberrants. Ce sont ces questions que cette étude examine, en proposant une traversée de toute la philosophie de Deleuze. (shrink)

Ces dernières années, des musées d’art contemporain sont apparus partout dans le monde occidental et au-delà. Le nombre de ce genre de musées augmente en permanence. Le touriste d’aujourd’hui, qui se rend dans une grande ville, s’attend à y trouver un musée d’art contemporain, de la même manière qu’il s’attend à y trouver un restaurant italien ou un cinéma. Dans la plupart des cas, ces attentes sont confirmées. Dans le pire des cas, le touriste va apprendre que le musée (...) d’art contemporain est encore en construction et qu’il sera ouvert l’année suivante. Quoi qu’il en soit, cette acceptation si facile de la notion de « musée d’art contemporain » par la culture d’aujourd’hui n’est pas sans importance. Traditionnellement, le musée d’art constituait un endroit dans lequel l’art du passé était collecté, conservé et montré au beau milieu de la vie contemporaine. Mais que signifie construire un musée d’art contemporain ? Que signifie « muséographier » la contemporanéité elle-même?Museums of contemporary art have appeared everywhere in the Western world and beyond in recent years, and they are constantly increasing in number. Any tourist visiting a major city today expects to find a museum of contemporary art, just as they expect to find an Italian restaurant or a cinema. In most cases, this is indeed what they find. At the very least, tourists will find that the city’s museum of contemporary art is still under construction and will open the following year. Whatever the case, the ready acceptance of the “museum of contemporary art” in today’s culture is significant. Traditionally, an art museum was a place where the art of the past could be collected, curated and displayed right in the heart of the contemporary world. But what does creating a museum of contemporary art really mean? In other words, what does it mean “to make a museum exhibit” of contemporaneity itself? (shrink)