Dos eventos, aparentemente distantes uno del otro y sin vínculos directos entre ellos, pero sin embargo estrictamente relacionados por un legado espiritual común, constituyen el tema de este trabajo. El primero, tuvo lugar en 1971, cuando una «capilla ecuménica» muy especial abrió sus puertas al público. Es conocida bajo el nombre de «Rothko Chapel», debido al proyecto general, realizado por el pintor Mark Rothko. Desde entonces, se ha convertido en una de las obras de arte más valiosas que representan (...) la estética religiosa contemporánea. Las pinturas negras de Rothko, la planta del edificio de «cruz griega» diseñado por el arquitecto Philip Johnson, el obelisco del artista Barnett Newman y la música compuesta para este ambiente por el compositor Morton Feldman, han reemplazado lo que tradicionalmente ha sido llamado «imago templi»; pero, contrariamente a toda tradición cristiana, representan nada (literalmente: no-thing). El segundo evento, tuvo lugar en 1795, cuando dos jóvenes amigos, Hegel y Schelling, estaban haciendo una especie de juramento bajo el signo de una Iglesia Invisible, actualizando un concepto ambiguo que, incluso arraigándose en las Sagradas Escrituras, ya había sido condenado por las iglesias oficiales por sus consecuencias heréticas. La relación entre estos dos eventos está dada por historiadores del arte moderno que han establecido que la pintura abstracta, desde un punto de vista formal, tiene sus raíces en la tradición romántica. Con este trabajo me gustaría contribuir al establecimiento de esta conexión, no solo por medios formales, sino también mostrando una actitud espiritual común hacia las imágenes. El cristianismo, esencialmente figurativo en su estética religiosa, siempre ha tenido que lidiar con la prohibición judía de la creación de imágenes. Esta dificultad ha sido trasferida a los debates contemporáneos en los que artistas con lecturas y educación clásicas, a menudo de origen judío pero activos en sociedades cristianas, intentan crear un nuevo tipo de arte, fuera de toda tradición y sin dogmas. Según mi sugerencia, Rothko Chapel debería considerarse como la realización de un equilibrio frágil en el que tanto el «aniconismo» como la «necesidad de imágenes» han superado su mutua unilateralidad, produciendo una etapa espiritual más elevada. Por lo tanto, tal capilla no sería un simple espacio donde todas las religiones podrían solo reunirse y dialogar, pero debería considerarse algo más sorprendente, es decir, una realización única de lo que lógicamente aparece como una pura contradicción: la realización de un Imago Templi para una Iglesia Invisible.Key words: Rothko; Hegel; Arte Abstracto; Idealismo; Iglesia Invisible. (shrink)

Andy Warhol (1928-1987), considerado por muchos como el más importante y emblemático artista estadounidense, sigue despertando, a más de 20 años de su muerte, un renovado interés interpretativo, acompañado de no pocas polémicas que evidencian criterios encontrados y lecturas diversas. Siendo el principal representante del Pop Art, Warhol concentró en sí mismo y en su obra los atributos fundamentales de toda una nueva etapa del desarrollo del arte, caracterizada por una especie de salto mortal desde lo que había sido (...) hasta los años cincuenta del siglo XX el paradigma por excelencia del buen arte y del gusto refinado, sobre todo en los medios artísticos estadounidenses: el expresionismo abstracto. El arte pop le devolvía un contenido figurativo al arte, pero, a diferencia de épocas anteriores, extraía ese contenido de los objetos más comunes de la cultura de masas de la sociedad de su tiempo. (shrink)

Este artículo estudia la contribución de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX a la ideación y puesta en práctica de técnicas de camuflaje militar durante la I Guerra Mundial. Se analizan así el origen cubista de los diseños de camuflaje mimético (o Disruptive pattern Material), el papel desempeñado por los artistas en la ideación de numerosos trompe l’oeil con fines bélicos y la condición del camoufleur como artista-soldado, un sujeto repartido entre lo funcional y lo estético. Todo ello sirve (...) de fundamento para sustentar la tesis de que el contexto bélico sirvió como campo de pruebas de las técnicas, anhelos y formas del arte de las vanguardias históricas. (shrink)

Two events, apparently distant one from the other and without any direct link between them, but nevertheless strictly connected by a common spiritual legacy, constitute the subject of this paper. The first one, took place in 1971, when a very special «ecumenical chapel» opened its doors to the public. It is known under the name of «Rothko Chapel», due to the general project, undertaken by the painter Mark Rothko. Since that time, it has become one of the most precious artworks (...) that represent the contemporary religious aesthetics. The black Rothko’s paintings, the Greek-cross building designed by the architect Philip Johnson, the Broken Obelisk of the artist Barnett Newman standing right out of the Chapel and the music composed for this ambient by the composer Morton Feldman, have replaced what traditionally has been called an «imago templi»; but contrary to all Christian tradition they represent (literally) no-thing. The second event, took place in 1795, when two young friends, Hegel and Schelling, were making a kind of oath under the sign of an Invisible Church, actualizing an ambiguous concept that, even if rooted in the Holy Scriptures, it had been condemned for its consequences as heretical. The relationship between these two events is given by contemporary art historians which have established that modern abstract painting, from a formal point of view, is rooted in the Romantic tradition. With this paper I would like to contribute to the establishment of this connection, not only by formal means, but by showing a common spiritual attitude towards images. Christianity, essentially figurative in its religious aesthetics, has always had to deal with the Jewish prohibition of image-making. This difficulty has been inherited to contemporary debates in which artist with classical readings and education, often of Jewish origins but active in Christian societies, try to create a new kind of art, above all traditions and free of dogmas. According to my suggestion, Rothko Chapel should be considered as the realization of a fragile balance in which both «aniconism» and «need of images» have simultaneously sublated their one-sidedness, producing a higher spiritual stage. Thus, such a chapel would not be a simple space where all religions could only meet and undertake a dialog, but should be considered as something more surprising: a unique realization of what logically appears as a pure contradiction: the realization of an Imago Templi for an Invisible Church. (shrink)

Entre los años 1945 y 1965 se presentaron en Medellín encontradas posiciones en torno a los problemas del arte moderno. La presencia del arte abstracto fue rechazada en el medio artístico como forma de expresión propia; esta actitud retardataria llevó al arte antioqueño a marginarse casi en su totalidad del proceso renovador del arte nacional. Obras como las de Fernando Botero y Aníbal Gil son una excepción en este periodo de la plástica regional.

El trabajo argumenta la necesidad de interpretar el valor del arte, por un lado, de manera concreta, como síntesis de múltiples determinaciones y tomando en consideración las condiciones de la época y lugar en las que la obra artística se inserta; y por otro lado, como producto complejo poseedor de múltiples dimensiones, diferentes pero interconectadas entre sí.

El trabajo argumenta la necesidad de interpretar el valor del arte, por un lado, de manera concreta, como síntesis de múltiples determinaciones y tomando en consideración las condiciones de la época y lugar en las que la obra artística se inserta; y por otro lado, como producto complejo poseedor de múltiples dimensiones, diferentes pero interconectadas entre sí.

Resumen: Partiendo del texto clásico Vanguardia y kitsch, nos proponemos analizar la obra del crítico norteamericano Clement Greenberg. Después de la intervención del Estado norteamericano en el arte entre 1935 y 1943, Clement Greenberg surge como uno de los principales críticos que buscaron unificar el “arte elevado” de ese país. Para tanto, el crítico norteamericano busca justificar el nivel artístico de esa vanguardia acercando esa producción a las vanguardias europeas, especialmente el cubismo. Veremos los problemas de Greenberg al (...) forjar una “historicidad inmanente” a las obras de arte para justificar una posible convergencia de las vanguardias europeas en el nuevo contexto de la vanguardia norteamericana: el “expresionismo abstracto”. Greenberg, con ayuda del MoMA y del Estado norteamericano buscó fomentar una “pintura a la americana”, una vanguardia conocida como escuela de Nueva York. Buscamos analizar el contexto en que se forjó esa tendencia artificiosamente unificada y cómo el pop art emerge como una crítica performática de ese contexto. Más que vanagloriarse de sus métodos técnicos, el pop art busca subvertir el contexto de recepción del arte que hasta entonces era expectante del “arte serio y elevado” defendido por Greenberg.: Starting from the classic text Avant-garde and kitsch, we propose to analyze the work of the North American critic Clement Greenberg. After the US state intervention in the arts between 1935 and 1943, Clement Greenberg emerged as one of the main critics who sought to unify the “high art” of that country. The critic attempted to justify the artistic level of the American avant-garde by bringing it closer to the European avant-gardes, especially Cubism. We will see Greenberg’s problems in forging an “immanent historicity” of works of art in order to justify a possible convergence of the European avant-garde in the new context of an American avant-garde of “abstract expressionism”. Greenberg, with the help of the MoMA and the American government, sought to promote an “American painting”, a vanguard known as the New York school. We seek to analyze the context in which this artificially unified tendency was forged, and to analyze how pop art emerged as a performance critique of that context. More than boasting of its technical methods, pop art sought to subvert the context of the reception of art that until then expected the “serious and high art” defended by Greenberg. (shrink)

We explore themes in Nobel Prize–winning economist James M. Buchanan’s work and apply his Ethics and Economic Progress to problems facing individuals and firms. We focus on Buchanan’s analysis of the individual work ethic, his exhortations to “pay the preacher” of the “institutions of moral-ethical communication,” and his notion of law as “public capital.” We highlight several ways people with other-regarding preferences can contribute to social flourishing and some of the ways those who have “affected to trade for the public (...) good” might want to redirect their efforts. We show how Buchanan’s work has considerable implications for business ethics. Just as his economic analysis of politics changed how we understand government, we think his economic analysis of ethics can (and should) change how we understand business. (shrink)

A humanidade tem sido tomada por angústias tão sutis que, aos poucos, vai se dissolvendo – física e psicologicamente – como se estivesse sendo consumida de dentro para fora. Neste sentido a saída – ainda que imediata e provisória – é propor um jogo de Xadrez com a morte. Não à toa Ingmar Bergman escolhe o Xadrez como a forma da sua personagem desafiar “alguém” tão poderoso. O jogo é um chamamento à razão, à luz capaz de organizar as ideias (...) e dar um rumo à vida. (shrink)

Quando assisti pela primeira vez a “Sociedade dos Poetas Mortos”, em 1989 (ano de lançamento no cinema), a história protagonizada pelo saudoso Robin Williams me comoveu profundamente. Naquela época eu caminhava rumo aos meus 20 anos, quando a vida ainda parece uma areia movediça e o futuro, uma eternidade. Eu ainda estava na Faculdade de Filosofia da UFBA, em Salvador, preparando-me para ser professor.

Em 2022 teremos uma celebração muito especial para a Música Popular Brasileira. O icônico disco “Clube da Esquina”, de Milton Nascimento e Lô Borges, completará 50 anos de lançado. O álbum apresentou ao mundo mais do que o resultado de uma parceria musical de rara beleza; ele foi uma espécie de marco zero de um movimento artístico e existencial nascido na bucólica Belo Horizonte da segunda metade da década de 1960, envolvendo amigos, música, cinema e literatura.

Revendo recentemente o ótimo filme “A Vila”, do diretor indiano M. Night Shyamalan (o mesmo diretor de “O Sexto Sentido”, “Corpo Fechado” e “Sinais”), é possível entender os motivos que levaram os fundadores do vilarejo fictício a criar um mundo à parte para as futuras gerações. O filme, de 2004, é inserido no gênero “suspense” por conta de sua história central em torno de uma lenda sobre criaturas aterradoras que vivem na floresta. Estas são o empecilho para que os moradores (...) cultivem o desejo de deixar o único lugar que conhecem. (shrink)

Desde que foram criados pelos sumérios há mais de 5 mil anos, os livros sempre aterrorizaram os ocupantes do topo de quaisquer formas de poder. Neles estiveram e continuam sendo guardados os sonhos, as ideias, os projetos e as ações da humanidade em todas as vertentes possíveis, sejam eles libertadores e instigantes para as transformações positivas do mundo e do próprio ser humano, sejam eles os caminhos opostos da destruição e da opressão. [...].

Discusses about selective engagement as the most desirable strategy for contemporary America, stating that it is the one that seeks to forestall dangers, not simply to react to them; that is politically viable; at home and abroad; and that protects US interests.

NOT SAUSSURE: A CRITIQUE OF POST?SAUSSUREAN LITERARY THEORY by Raymond Tallis London: Macmillan, 1988. 273 pp., £33 (£10.95 paper).

Ainda que possa ser visto como clichê sob diversos aspectos, o filme “O Céu da Meia-Noite” (dirigido e protagonizado por George Clooney para a Netflix) traz temas reflexivos na perspectiva existencial. Lançado em dezembro de um ano doloroso para a humanidade, ele teve as suas gravações encerradas pouco antes do início da pandemia, ainda que traga uma atmosfera tão soturna quanto a deste momento histórico.

O início da terceira década do século 21, tão marcado pela globalização tecnológica e virtualização das relações humanas, ainda mantém fortes laços com o obscurantismo religioso da Idade Média. Com outra roupagem, o fanatismo de muitos cristãos das mais variadas igrejas eterniza sentimentos e ações que acreditávamos superados há séculos. A intolerância religiosa, normalmente carregada de outras tantas intolerâncias na pauta moral, revela com clareza que a caça às bruxas nos tempos da chamada Santa Inquisição foi atualizada com sucesso. O (...) Brasil, por exemplo, vive um de seus piores momentos históricos neste sentido, principalmente pelos recorrentes ataques furiosos às religiões de matriz africana e crimes de agressão e morte contra as chamadas minorias sociais. (shrink)

Mais de duas décadas após o seu lançamento, em 1999, o primeiro filme da trilogia Matrix tem neste segundo ano da pandemia do coronavírus uma atualidade atordoante. Em muitos aspectos, a humanidade vive dias muito próximos do enredo surreal descrito nos três filmes, que revi recentemente provavelmente pela décima vez. A diferença é que a realidade sombria vivida por bilhões de pessoas nos quatro cantos da Terra desde março de 2020 não tem uma versão amena como a existente dentro da (...) Matrix. (shrink)

“Não existe ninguém que não esteja mais próximo da morte depois de um ano que antes dele, amanhã mais do que hoje, hoje mais do que ontem, pouco depois mais do que agora e agora pouco mais do que antes”. Neste trecho do livro “Cidade de Deus”, um dos mais importantes filósofos da Idade Média – Santo Agostinho (354-430) – enfatiza uma velha constatação da humanidade, mas que a angustia em qualquer época.

Os sentidos da paixão foram originalmente um curso livre que o Núcleo de Estudos e Pesquisas da Fundação Nacional de Arte (Funarte) promoveu no Rio de Janeiro, São Paulo, Brasília e Curitiba e que atraiu cerca de setecentas a mil pessoas em cada cidade. Prova da fertilidade do curso é este livro apaixonado. Nele, alguns dos mais brilhantes intelectuais brasileiros discutem desde o amor em Platão até a paixão em Pasolini, passando por Freud, Walter Benjamin e Clarice Lispector, o (...) que só comprova a riqueza de um tema que até então não havia sido objeto de um debate como este.ÍndiceApresentaçãoPor que tanta paixão? Adauto NovaesOS SENTIDOS DA PAIXÃOO conceito de paixão - Gérard LebrunSobre o medo - Marilena ChauiPlatão: as várias faces do amor - José Américo Motta PessanhaO CANTO DAS PAIXÕESA glória - Renato Janine RibeiroA inveja - Renato MezanA melancolia de Ulisses - Olgária MatosPaixão da igualdade, paixão da liberdade: a amizade em Montaigne - Sérgio CardosoA paixão dionisíaca em Tristão e Isolda - José Miguel WisnikO lenço e o caos - Jorge ColiPasolini: paixão e ideologia - Michel LahudA paixão de Clarice Lispector - Benedito NunesPoesia: a paixão da linguagem - Paulo LeminskiÉdipo e a paixão - Hélio PellegrinoO Dom de Édipo - Luiz Renato MartinsLou Andreas-Salomé: a paixão viva - Luzilá Gonçalves FerreiraA PAIXÃO REVOLUCIONÁRIAA alegoria da liberdade - Jorge ColiA paixão revolucionária e a paixão amorosa em Stendhal - Renato Janine RibeiroA PAIXÃO SILENCIOSARazão e paixão - Sérgio Paulo RouanetA psicanálise e o domínio das paixões - Maria Rita KehlBenjamin: política e paixão - Katia Muricy. (shrink)