Qu'il s'agisse de recherche ou d'enseignement, la création artistique interpelle autant les théoriciens que les praticiens. Abordée selon diverses approches, la démarche de création révèle des perspectives de recherche multiples. Grâce aux contributions de plusieurs chercheurs, enseignants, artistes et médiateurs d'institutions culturelles, cet ouvrage participe à un changement de paradigme, où les rapports entre créateurs-enseignants-étudiants-chercheurs tracent désormais de nouveaux réseaux et de nouvelles perspectives.

Partir à la rencontre d'artisans ou observer des plasticiens contemporains à l'oeuvre ; enquêter au sein d'écoles d'art, interviewer des compositeurs et auteurs ; se plonger dans les partitions du XVIIème siècle, étudier les fonds d'archives «rock» de la Bibliothèque Nationale de France ; ou encore écumer les rayonnages «rap» d'une discothèque : comment les chercheurs en sciences sociales peuvent-ils appréhender la création artistique?

La théorie nietzschéenne du génie, dans la mesure où elle réhabilite positivement la contrainte et la convention dans la création artistique, permet de dépasser la mystérieuse théorie romantique d'inspiration naturaliste. Sur quoi repose cette théorie esthétique nietzschéenne ? Sur l'assimilation de la langue de l'artiste à une convention efficiente, c'est-à-dire lui permettant de communiquer activement avec un public, et donc d'être compris. La véritable convention est celle qui naît du besoin, et qui, – intégrée dans un travail de (...) soi sur soi commandé par la contrainte, le sérieux et la discipline, – se transforme en une nouvelle habitude, et devient une seconde nature, sous l'effet de la répétition acharnée. Elle s'oppose au laisser-aller, et rend possible la constitution d'une véritable culture dépassant l'opposition de la convention et de la nature. Elle définit selon l'auteur le style de l'esprit libre, soit l'artiste capable « de danser dans les chaînes », c'est-à-dire de jouer avec la convention. La véritable liberté artistique ne consiste donc pas à s'affranchir de la tradition, mais à la maîtriser et à jouer avec elle. La théorie de la création artistique élaborée par Nietzsche fournit ainsi le paradigme d'une libération de l'esprit. (shrink)

Au siècle du capitalisme organisateur, les symboles humains, la création artistique et le sens esthétique sont sous assistance respiratoire. C’est bien les logiques commerciales et de la financiarisation de l’art qui leur administrent une perfusion. Le moteur du sens esthétique est ainsi dans une relative hétéronomie. C’est justement parce qu’il est possible de mettre des grains de sable dans ce « moteur esthétique, fille du capitalisme », qu’il faut résister à cet enlaidissement de la vie en mettant en (...) question — sous plusieurs angles et de manière répétitive — le fonctionnalisme qui envahit « la dimension esthétique » de l’homme à travers l’exploitation de son attention et de son imaginaire. Dans cette recréation du sens esthétique, l’objet d’art y aura un autre statut. Il nous forcera à un déplacement des regards, de l’objet vers le travail sur l’objet, de l’objet comme produit aux conditions de production qui renseignent et sur le travailleur et sur ses conditions de travail. Un regard qui dépasse la matérialité de l’objet avec sa commercialisation possible vers ce que cet objet prometou ne promet pas, vers ce que cet objet communique ou empêche de communiquer. Il faut restituer à l’objet d’art cet aura qui lui est toujours enlevé par la culture de masse qui peut agacer avec ses raccourcis, ses petites connivences, ses consécrations calculées, ses marchés organisés, ses grand-messes culturelles et son dédain de tout ce qui ne rentre pas dans la comptabilité. Le sens esthétique sera ainsi un travail sur les motivations du Sujet, les complications de son imaginaire, ses utopies ainsi que sur le statut de l’objet d’art qui pointe du doigt nos vies… si compliquées. (shrink)

Dans la perspective de Gilbert Durand, cette étude traite de la conception de la création en général et, en particulier, de la création littéraire. Dans un premier temps, elle met l’accent sur le rôle de la création artistique en valorisant l’impératif de l’œuvre, puis, dans un second temps, sur celui de la création littéraire. Le but est de réfléchir sur la création et aussi sur son propre contenu, constitué de sens et de significations, du (...) point de vue de l’imaginaire. La méthodologie est basée sur le couple compréhension-explication de l’œuvre de l’auteur. En conclusion, il est important de souligner que la conception de la création durandienne s’exprime à travers l’impératif de l’œuvre, du lointain et de la fonction fantastique de l’imaginaire. The present study deals, from the perspective of Gilbert Durand, with the conception of creation, in general, and of the literary creation, in particular. At first, it focuses on the role of artistic creation by valuing the imperative of the work while, in a second moment, it focuses on the literary creation. The objective is to reflect on the creation and its own content, constituted of senses and meanings, from the perspective of the imaginary. The methodology is based on the explanation-understanding binomial and on the author’s work. As a conclusion, it is important to underline that the conception of Durandian creation is told through the imperative of the work, the Remote and the fantastic function of the imaginary. (shrink)

La philosophie contemporaine est tiraillée entre deux pôles apparemment inconciliables, que sont la littérature et les sciences dures. Une possibilité de réconciliation et de fusion est pourtant envisageable en remontant à Descartes, qui ne voit pas, dans son traité du Monde, de discontinuité entre philosophie et science et qui utilise la fable et la fiction pour exposer une vérité scientifique universelle. Or, cette vérité est exposée par des moyens (la déréalisation expérimentale du monde, la géométrisation de l’espace, la force d’un (...) esprit qui s’exprime par un « je », l’analogie, qui permet d’expliquer l’homme) qui sont aussi ceux qu’emploient des artistes modernes comme Marcel Proust et Stanley Kubrick. En confrontant le Monde de Descartes à À la recherche du temps perdu de Proust et à 2001 : l’Odyssée de l’espace de Kubrick et de Clarke, il est possible de montrer la fraternité des œuvres malgré leurs différences d’époques, de styles et de buts et de souligner l’unité de leur prétention à la vérité, qu’elle soit scientifique, artistique ou philosophique. Les différences entre les disciplines fusionnent dans les œuvres, qui ont toujours pour finalité de refaire le réel à l’image de l’entendement humain, pour mieux pouvoir l’expliquer. (shrink)

Résumé Règles et programmes définissent les principes de production artistiques et théoriques, attachés depuis le début du xx e siècle à la recherche d’une pragmatique de l’art, susceptible d’inscrire la création dans un système de contraintes. L’article s’intéresse particulièrement à ces questions du côté de la production de l’œuvre. Si elles peuvent trouver leur fondement historique autour du Modernisme, les nouvelles pratiques artistiques des années soixante semblent parfois en poursuivre le projet. Mais l’affirmation de la raison et le refus (...) de toute subjectivité masquent bien souvent le véritable contenu des œuvres. (shrink)

Forget the technology, and ask instead about the sampler’s gesture. For a long time, like Mozart’s « Don Giovanni », all citation supposed an instrument, an orchestra. Then, with the first recording technology, came the possibility of using tape recorders or analog turntables. But ultimately, the gesture is the same: overtly drawing upon a work .for its creation. In itself, the act of pillaging is not condemnable. Better, the détournement of advertising and of those artists like Michael Jackson who flood (...) our ears are indispensable acts of resistance and humour. Ariel Kyrou - the author of Techno Rebelle, Un Siècle de musiques électroniques , front which this « elegy to pillage » conies - prefers a scathing recycling to the recitals of the market, prefers the « loan » that one goes way beyond by rage and talent to the application of painless recipes for success. (shrink)

Résumé -/- Anna Caterina Dalmasso L’artiste et l’adversité. Hasard et création chez Merleau-Ponty -/- À plusieurs reprises, Merleau-Ponty tisse une correspondance entre art et histoire, entre pratique artistique et action politique : plus précisément il nous invite à former le concept d’histoire sur l’exemple de l’art. À première vue, un tel rapprochement pourrait paraître abstrait, sinon provocateur, l’art étant souvent conçu comme un domaine qui semble avoir peu à faire avec l’espace de l’action. Mais, nous pouvons aujourd’hui comprendre (...) davantage l’intérêt de l’intuition merleau-pontienne, nous, qui faisons l’expérience de la connexion étroite entre l’univers visuel et le milieu politique ou historique, comme des dimensions devenues désormais inséparables. Au fur et à mesure qu’une conception positiviste de l’histoire ou de la politique entendue comme progrès, ou du moins comme projet, échoue sous nos yeux interdits, la question de l’historicité se fait de plus en plus urgente : Merleau-Ponty nous invite à penser l’histoire comme le « lieu de nos interrogations et de nos étonnements », le lieu d’une réponse, voire d’une responsabilité que nos organismes technologiques exigent. C’est à partir de l’expérience de la création artistique et de son rapport constitutif au hasard qu’une pensée de l’historicité peut s’élaborer, là où l’esthétique merleau-pontienne rejoint le mystère d’un sens historique et esquisse implicitement une éthique de la contingence, en ce qu’elle nous appelle à un exercice de la liberté. -/- Abstract -/- Anna Caterina Dalmasso The Artist and the Adversity. Chance and Creation in Merleau-Ponty -/- Throughout his works, Merleau-Ponty has developed the analogy between art and history, between art practice and political action: more precisely he invites us to think about the concept of history on the example of art. At first sight, such an equivalence could seem abstract, if not provocative, insofar as art is still sometimes regarded as a field having little to share with action. But today, experiencing the close connection between the visual and the political environment, we can understand, perhaps better than his contemporaries, what is at stake in Merleau-Ponty’s insight for a new comprehension of history. Whereas a positivist conception of history and politics understood as progress or project seems to be failing before our astonished eyes, the question of historicity becomes more and more urgent: Merleau-Ponty prompts us to think of history as a mysterious junction between facticity and intention, as the beginning of our wonder, as the place of the responsibility that our technological organisms demand. The experience of creation is the figure through which Merleau-Ponty tries to conceive contingency, which is the kernel of the Geneva conference, later called The Man and the Adversity. So, drawing on Merleau-Ponty’s constant reference to the operation of artistic creation, especially on the reference to El Greco, I aim at examining how a new conception of history can spring by a comprehension of the experience of creation. I will argue that, from the analysis of the relationship between the artist and the sensible, between the artist and her body, Merleau-Ponty comes to outline what I would call an ethics of contingency, insofar as it calls us to the exercise of our freedom. (shrink)

La création artistique est l'un des phénomènes les plus complexes et les plus mystérieux de l'activité humaine, notamment parce que c'est toute la richesse des cultures qu'elle met en œuvre, en regard et en correspondance. Un premier ouvrage proposait d'étudier si l'approche de la qualité d'une œuvre par 1' (c effet de vie ", invariant mis en évidence par Marc-Mathieu Münch pour le domaine littéraire, s'applique à la musique : Musique et effet de vie ; puis le corollaire (...) le plus important de l'effet de vie, la "cohérence", en élargissant du texte à la musique et de la littérature aux arts : Arts, Langue et cohérence. La troisième rencontre scientifique, organisée par le Réseau Asie-Imasie (CNRS/FMSH) et l'Observatoire musical français (OMF) de l'université Paris-Sorbonne, posait que l'impulsion créatrice provenait du jeu, par hasard ou dans l'inconscient. Il semblerait que le surgissement créateur se produise dans un entre-deux, le va-et-vient entre l'inconscient et le conscient ou le basculement de l'intuition en intention, voire un entre-trois quand le hasard s'en mêle. (shrink)

L'invention de nouvelles figures de l'art est un fait polémique. Absconses selon les schèmes de la définition de l'art suscitée par les précédentes, elles forcent l'esthéticien à forger de nouveaux concepts, plus idoines, à inventer un nouveau style, plus juste, à prendre de nouveaux masques, à muter dans un nouveau corps, plus sensible à ces nouveaux charmes. L'histoire de la création artistique est la raison de l'histoire de l'esthétique.C'est cette vie critique de l'esthétique, que cet article s'attache à (...) mettre en évidence en prenant l'exemple paradigmatique du pop art. (shrink)

Depuis la Renaissance, une série de textes témoignent de l’intérêt des artistes pour l’informe, d’un passage du Traité de la peinture de Léonard de Vinci à Degas, Danse, Dessin de Valéry. Léonard de Vinci, Alexander Cozens ou Paul Valéry proposent des « exercice[s] par l’informe», selon l’expression de Valéry. Il s’agit bien d’« exercice[s] », d’activités répétées pour aiguiser les facultés de l’esprit. Ces exercices s’adressent avant tout aux artistes et plus particulièrement aux dessinateurs et aux peintres ; ils constituent (...) une préparation à la création artistique. Ils n’ont généralement pas pour but d’appréhender l’informe ; c’est pourquoi Valéry emploie la tournure « exercice[s] par l’informe» : travailler l’informe est un moyen, une activité qui a le plus souvent pour fin une œuvre qui manifeste un rapport renouvelé aux formes. Comme les « exercices spirituels » dont Pierre Hadot a montré l’importance dans la philosophie antique, ces exercices reposent sur une pratique plutôt que sur une théorie ; comme eux, ils engagent l’esprit — l’entraînement d’une faculté particulière réclame en fait le concours de plusieurs. Cette pratique, qui n’est jamais définitivement acquise, doit par conséquent être répétée. En effet, chacun de ces exercices possède une fonction critique et la critique doit être reconduite tant que perdure l’habitude ou l’illusion qu’elle combat. La différence essentielle tient à la visée de l’exercice : les pratiques que nous étudierons ne tendent pas à réformer le mode de vie du sujet et ainsi à transformer le sujet lui-même, mais à produire une œuvre. Vinci, Cozens et Valéry proposent des exercices artistiques. Si l’exercice spirituel est « une pratique destinée à opérer un changement radical de l’être », selon l’expression d’Hadot, l’exercice artistique possède sans doute un but plus modeste : il vise à développer les facultés fondamentales pour la création artistique, telles que l’imagination, « les capacités d’invention », selon l’expression de Cozens, ou la sensibilité. Les exercices spirituels tendent à apprendre à vivre, tandis que les exercices artistiques ont pour but d’apprendre à créer. Parmi ceux-ci, les exercices par l’informe se distinguent par leur radicalité. D’abord, ils jouent souvent un rôle liminaire : ils exercent l’esprit et dans certains cas le corps en vue de la première étape de la création artistique, l’invention. Mais surtout, ils exercent des facultés fondamentales pour la création artistique, en particulier dans le domaine des arts visuels, pour lesquels écrivent non seulement Vinci et Cozens mais aussi Valéry : les exercices par l’informe ont pour enjeu non seulement d’apprendre à créer, mais aussi d’apprendre à voir. (shrink)

Cette étude présente une explication systématique des éléments clés de la théorie de l’art d’André Malraux. Se basant sur des œuvres telles que Les Voix du silence, Le Surnaturel, L’Irréel et L’Intemporel, elle aborde des sujets cruciaux comme la nature de la création artistique, la psychologie de notre réaction à l’art, la naissance de la notion d’« art » et sa transformation après Manet, la naissance et la mort de l’idée de beauté, la question cruellement négligée de la (...) relation entre l’art et le passage du temps, l’émergence de notre « premier monde de l’art universel », le rôle contemporain du musée d’art et du Musée Imaginaire, et la question épineuse du lien entre l’art et l’histoire. Contrairement aux critiques négatives parfois émises contre la pensée de Malraux, l’étude soutient qu’il nous offre une théorie de l’art mûrement réfléchie, entièrement cohérente et très éclairante. De surcroît, et malgré des allégations occasionnelles que la pensée de Malraux manque d’originalité, l’analyse montre que sa théorie de l’art est hautement originale et constitue un défi radical aux explications traditionnelles de l’art issues des Lumières qui ont dominé la pensée occidentale pendant quelque trois cents ans. En bref, l’étude dévoile une façon de comprendre la nature de l’art qui n’est rien de moins qu’une révolution intellectuelle. Le livre va être publie également en anglais. (shrink)

Le tissu comme support, matériau ou modèle traverse l'histoire de l'art, et se manifeste également sous la forme d'analogies ou de métaphores dans d'autres disciplines artistiques. La racine étymologique qui lie la notion de texte au champ lexical du tissage établit un jeu d'échos entre la patience de Pénélope à défaire et refaire son ouvrage et le travail même du poète et l'image du tissage surgit encore, tout naturellement, dans la terminologie de Derrida pour définir ce qui fait l'essence même (...) d'un texte. La diversité des hantises exercées par la notion de texture et par l'objet tissu conduit à un questionnement mettant en jeu la connaissance des textiles aussi bien que l'analyse des pratiques artistiques et des formes esthétiques auxquelles le tissage a pu donner lieu. Ce volume se fonde donc sur une approche croisant histoire de l'art, esthétique et littérature pour interroger la façon dont l'image de la chose tissée travaille le monde de la création artistique. La recherche collective qui prend forme dans ces pages propose d'explorer les prouesses d'une métaphore peut-être irremplaçable, et peut-être nécessaire à la survie de l'oeuvre d'art en son essence. (shrink)

La 4e de couverture indique : "Cet ouvrage est écrit à quatre mains et porte sur la relation entre création artistique et sciences de la cognition. L'ouvrage propose deux approches de l'expérience esthétique. Une approche en troisième personne mobilisant des modèles propres aux systèmes dits auto-organisateurs issus de la biologie dédiée à la réception des œuvres d'art et une approche en première personne rendant compte par auto-analyse d'une pratique artistique vécue qui s'appuie également sur de tels systèmes, (...) systèmes eux-mêmes liés aux concepts d'émergence et de complexité". (shrink)

Ce livre prend position sur les enjeux et les visées des oeuvres d'art en matière de vérité et de morale : il répond, par un retour sur l'époque des Lumières, aux questions contemporaines sur l'idée d'un perfectionnement moral de l'individu (S. Cavell, M. Nussbaum, S. Laugier). Car les Lumières ont remis au coeur de la création artistique les émotions, les affects et les sentiments, mues par la conviction de l'efficacité d'une éducation esthétique de l'homme, d'une éducation sensible par (...) le sensible, en l'occurrence par les oeuvres. La vérité a-t-elle un sens en matière artistique? Notre besoin d'art est-il lié à notre conviction qu'elles nous rendent meilleurs et nous font mieux connaître le monde? L'autonomie de l'oeuvre, la liberté du créateur, la dévaluation de tout canon au nom d'un global turn qui contraint au relativisme rendent aujourd'hui difficile l'affirmation d'une vérité. (shrink)

Cet article interroge la place de l’esthétique dans la philosophie générale d’Étienne Souriau. Faut-il voir dans l’esthétique, comme le suggèrent certains passages et exemples chers à Souriau, le paradigme de l’activité créatrice et le ressort-même de l’instauration, concept central de la philosophie sourialienne? Ou, au contraire, l’esthétique et les créations artistiques ne fourniraient-elles que des exemples, certes particulièrement nets, de processus appelés « cosmiques » par Souriau que seule la philosophie serait à même d’explorer pleinement? L’article cherche à apporter une (...) réponse nuancée à cette question en se penchant à la fois sur des ouvrages philosophiques majeurs de Souriau et sur des articles plus méconnus. Une autre question se pose en conclusion : et si les interactions de l’esthétique et de la philosophie générale de Souriau nous incitaient à repenser la fonction de l’esthétique en lui conférant un rôle expérimental, directement connecté à la construction dramatique de la philosophie sourialienne? (shrink)

Bien que le rôle dans l’expérience esthétique des kinesthèses remontant au cycle action-perception du processus de création artistique soit reconnu par la théorie neurocognitive de l’esthétique, on n’a pas encore dissocié les contributions respectives des sensations corporelles et de la simulation interne, deux dimensions distinguées par T. Lipps. Pour désambiguer la part de l’empathie kinesthésique dans l’expérience esthétique de la musique, on a comparé les enregistrements des micro-gestes d’exécution de musiciens avec leur compte-rendu de l’expressivité musicale éprouvée lors (...) de l’observation et de l’exécution de morceaux de musique. (shrink)

La question des frontières des arts plastiques et littéraires contemporains peut être approchée à travers l'exemple de la géopoétique de Kenneth White. Renonçant à réduire l'art à la production d'une représentation dominée par le plaisir de la vue, le mouvement esthétique de la géopoétique cherche à faire de la création artistique un geste de participation aux matières de la terre sur fond d'une expérience polysensorielle où la marche et le nomadisme constituent des explorations d'un proto-monde. L'oeuvre écrite ou (...) plastique est destinée à conserver des fragments et traces de cette aventure sensible, ouvrant ainsi la voie à une rencontre qui n'est plus un spectacle mais une expérience quasi chamanique. Reste à savoir dans quelle mesure on peut s'émanciper totalement de la représentation pour accéder à une auto-présentation du cosmos dont l'artiste serait le médium. (shrink)

This study treats the writings of Fuchs as an example of recent materialistic historiography. Critical appreciation of his work involves critical appreciation of the whole concept of cultural history which prevailed in Socialist popular science in the last decade of the nineteenth century. The influence of dialectical materialism was slight, that of positivism greater. An excursus attempts to show how, with technical progress, the work of philosophers and scholars was impaired by this positivism even in the middle of the century. (...) The way in which Fuchs, writing from a Socialist position, attacked the bourgeois art history of a man like Wölfflin is described, but without neglecting his kinship to great bourgeois scholars like Brandes and Bastian. His biological conception of art is then analyzed in its historical conditions, and its close relationship to the intuitive methods of the collector demonstrated. As a collector Fuchs was rooted in the French tradition, but he brought to it the strict morality of German historiography. The Jacobin element in his historical writing is traced back to Schlosser. It appears that Fuchs could not entirely avoid collisions between his Jacobin morality and the materialist conception of history. His work displays a similar tension between that theory of history and his sexual ethics. On the other hand, he was able to throw much light on creative art from the study of sex. His most brilliant theoretical work is in his studies of Daumier. Daumier was also one of his chief subjects as a collector. The study closes with Fuchs’s role in the history of art collecting.Ce travail porte sur les écrits de Fuchs, considérés comme exemple de la méthode matérialiste contemporaine.Le jugement critique porté sur l’oeuvre de Fuchs se confond avec un jugement critique sur la notion d’histoire de la culture, qui dominait alors la science populaire d’inspiration socialiste. L’influence du matérialisme dialectique sur celle-ci était limitée ; Finfluence du positivisme était d’autant plus grande. Une disgression essaie de montrer, comment déjà au milieu du xixe siècle, ce positivisme avait nui aux réflexions des philosophes et des savants sur le progrès technique. On indique comment Fuchs, d’un point de vue socialiste, s’oppose à l’histoire de l’art bourgeois d’un Wölfflin, sans méconnaître la parenté entre Fuchs et de grands savants bourgeois comme Brandes et Bastian. On précise ensuite les conditions historiques dans lesquelles Fuchs a développé son interprétation biologique de l’art ; la méthode intuitive qui correspond à la tendance spontanée du collectionneur, se révèle étroitement liée à cette interprétation. Le collectionneur Fuchs se rattache à la tradition française, à laquelle se joint le moralisme rigide qui vient de l’historiographie allemande. On remonte jusqu’à Schlosser pour expliquer les origines du jacobinisme qui apparaît dans les récits historiques de Fuchs. On aperçoit que celui-ci n’a pu éviter complètement les conflits entre jacobinisme moraliste et matérialisme historique. De même, son mode de considération historique n’est pas toujours en accord avec son éthique sexuelle. Par ailleurs, il apporte à la science des connaissances importantes sur le rôle de la sexualité dans la création artistique. Les études sur Daumier sont sans doute l’oeuvre la plus haute du théoricien Fuchs. Daumier a été également pour le collectionneur Fuchs un des thèmes les plus significatifs.La fin de l’article éclaire le rôle de Fuchs dans l’histoire des collections artistiques. (shrink)

De nombreux artistes accoutumés aux technologies audiovisuelles d'enregistrement du réel se sont imposés durant la seconde moitié du vingtième siècle comme des pionniers de la communication médiatisée. Au croisement de la création artistique de l'innovation informatique et des sciences de l'information, leurs expérimentations ont mis au jour des usages inattendus des technologies de réseau et ont promu de nouveaux modes de communication. Cet article propose une relecture historique et analytique d'œuvres et de dispositifs de création qui préfigurent (...) de manière originale et qui informent les évolutions de l'Internet créatif. (shrink)

Dans Art et Scolastique, Maritain ne pense pas seulement l’art comme une technique, mais comme une vertu intellectuelle. Pour mieux saisir l’originalité de cette thèse, il faut la resituer dans le moment artistique et philosophique des années 1920. Maritain n’était pas hostile à la modernité artistique : la gageure d’ Art et Scolastique consiste à penser l’art du présent grâce aux concepts thomasiens pour construire une théorie néothomiste originale du bel art. Mais peut-on rigoureusement penser la création (...) artistique avec les outils conceptuels de Thomas d’Aquin? En mettant au jour les tensions internes à Art et Scolastique, on met en lumière la vivacité et l’inventivité de la philosophie maritainienne de l’art. (shrink)

aEst-il possible de définir ce qu'est une oeuvre d'art? L'auteur s'interroge sur la création artistique, l'expérience esthétique, la place à accorder à l'oeuvre d'art d'un point de vue institutionnel mais aussi esthétique.

Qu'est-ce que penser? Construire le réel ou le décrire? Ou bien encore ne peut-on connaître du réel que ce qu'il n'est pas? Toute production de connaissance est prise de risques, risque de l'autre mais aussi risque de soi. Tout travail théorique traduit en théorie(s) angoisses, désirs, sympathies, et fantôme de soi. Et si toute activité de recherche comme d'ailleurs toute activité de création artistique n'était que mise en abîme? Entre psychanalyse et philosophie, la théorie du membre-fantôme interroge le (...) statut du savoir contemporain. Puis l'ouvrage se propose d'en faire un levier d'analyse d'un parcours singulier de chercheure. (shrink)

Max Frisch, qui se dit agnostique, a très souvent recours à la Bible, tout au long de sa création artistique. Le présent article a pour but d�élucider ce paradoxe, d�analyser les différentes facettes et les étapes successives de l�interaction complexe et fructueuse entre théologie et littérature. La discussion abordera, au-delà des aspects théologiques, notamment des questions esthétiques que soulève l�intertexte biblique.

Le silence et le sommeil constituent la base sur laquelle la cure psychothérapeutique et la créativité humaine se produisent. Or c’est avec le concept de sens latéral que Merleau-Ponty a esquissé la structure phénomé­nologique de la créativité humaine. Du point de vue du sens latéral qui surgit au creux de l’articulation intentionnelle du monde, le corps vivant apparaît comme style qui canalise la production du sens. Chaque surgissement du sens latéral est précédé par un silence qui suspend momentanément l’intention­nalité thématisante (...) et articulante. Le corps comme style n’est pas le corps réel mais le corps imaginaire qui se situe au centre du monde imaginaire en le fabriquant et en le déformant. Le corps imaginaire engendre la « déforma­tion » par rapport à l’articulation objective du monde et cette déformation constitue l’essence de la créativité. La création artistique, la cure dans la psychothérapie et le rêve sont les exemples éminents de cette créativité. Par contre, dans le silence et le sommeil qui précèdent la création et le rêve, non seulement l’articulation intentionnelle mais aussi celle du corps imaginaire sont suspendues. Le silence et le sommeil désignent le degré zéro du corps imaginaire en deçà du sens latéral. (shrink)

Dans la période actuelle où prolifère la création artistique, mais aussi, où s’accélèrent les mutations et où tout devient consommation ; dans cette immense casse qu’est la postmodernité, les musées sélectionnent les éléments matériels ou immatériels jugés suffisamment significatifs pour mériter d’être conservés et transmis aux générations futures, comme le témoignage de la culture d’une époque. Nous défendons que dans le domaine de l’art contemporain, les musées jouent un rôle essentiel, sublime, qui confère à l’œuvre une aura extraordinaire. (...) Dès lors, la problématique essentielle est d’ordre épistémologique. Par-delà le débat enflammé auquel se livrent les défenseurs ou les détracteurs de l’art contemporain officiel, deux questions essentielles demeurent, celle des processus par lesquels l’institution muséale construit la vérité esthétique, et celle des processus par lesquels les artistes accèdent à l’espace sacralisant du musée.In our time of proliferating artistic creation, but also of accelerating change and an all-pervading consumer culture, museums are trawling though the vast, sprawling breaker’s yard of post-modernism to select the material or immaterial items they consider significant enough to be preserved for future generations as reflections of the culture of our time. We argue that in the field of contemporary art, museums have an essential role that adds an aura of the sublime to works of art. The essential question then becomes epistemological. Over and above the impassioned debates between those for and those against what is officially labelled as contemporary art, two essential questions remain: what are the processes through which the museum as an institution constructs aesthetic truth, and what are the processes whereby artists attain the sacrament of a museum exhibition? (shrink)

Pourquoi une université « cheap »? Pourquoi nous en faut-il davantage? Les membres de The Cheapest University nous expliquent les enjeux et les tactiques qui structurent leur plateforme d’initiatives, où se mélangent création artistique, activité pédagogique et pratiques de convivialité.

Lors d’une conférence à l’université de Iéna, Paul Klee construit une ana­lo­gie entre la création artistique et la morphologie de l'arbre. Dans cette para­bole, qui a depuis connu une fortune critique internationale, il associe les racines au flux des apparences et des expériences et l'artiste au tronc, celui-ci ordonnant et acheminant dans l’œuvre ce courant qui l'assaille. Cette démons­tra­tion, qui a pour intention de justifier les développements abstraits de l'art moderne, réserve à l'ar...

"Ce volume propose l'analyse de la place qu'occupent les cinq sens dans cette période de transition qui conduit du Moyen Âge à la Renaissance, soit les XVe et XVIe siècles. L'approche en est résolument interdisciplinaire et confronte la théologie, la littérature, les arts figurés et les sciences. Il s'agit d'apprécier les sens dans les modes de pensée et les représentations, ainsi que leurs balances : la vue, l'ouïe et les sens réputés moins nobles, comme le goût, l'odorat et le toucher, (...) qui entretiennent des relations complexes et variables. Comment, en d'autres termes, s'opère le partage du sensible? La pensée analogique, héritée de la tradition patristique, montre à l'aube de la Renaissance des signes de faiblesse : sources du plaisir, du bonheur, voire de la béatitude, ouverture sur le monde et la beauté, les sens ne sont plus simplement des occasions de pécher, ils sont aussi l'objet d'enjeux esthétiques et jouent un rôle actif dans la création artistique grâce aux liens qui les unissent à l'imaginaire."--Page 4 of cover. (shrink)

Résumé Si l’art n’est pas une simple activité plastique et visuelle, peut-il encore être une manière d’être d’individus qui revendiquent leur appartenance à un groupe social dont le monde du travail est étranger à tous ceux régis par les logiques entrepreneuriales? Un artiste contemporain peut-il encore ne pas être un simple travailleur, un producteur de contenu culturel? En quoi cela bouleverserait-il la conception et l’aspect des œuvres qu’il produit ou pas? Entendu comme disposition esthétique, le désœuvrement volontaire désigne moins la (...) disparition matérielle de l’œuvre que l’urgence d’échapper aux commandes implicites d’une rationalisation managériale et idéologique de la création artistique. (shrink)

Dans le dialogue V des Dialogues des courtisanes de Lucien, apparaissent trois femmes impliquées dans une relation érotique et qui accomplissent des pratiques sexuelles variées. Il ne s’agit pas d’interpréter ces différents actes érotiques comme les traces de catégories sexuelles pertinentes dans le monde antique pour définir une “identité”. L’analyse des voix énonciatives permet au contraire de voir dans ce dialogue une mise en scène et une mise en abyme du travail de l’auteur face à un public demandeur de clichés (...) et d’idées toutes faites. Le dialogue ne fait apparaître ni butch, ni fem, ni identité liée à une orientation sexuelle ; il est un discours sur les techniques de création artistique et érotique. (shrink)