This article focuses on how the human body and body parts such as the legs, abdomen, and torso are conceptualized in Spanish director Pedro Almodóvar's films. The comparative analysis follows a qualitative methodology in which instances of the use of body parts are analyzed within their multimodal, sociocultural, and cinematic contexts. Through camera work and mise-en-scène, the actors' bodies and bodily functions are mapped onto complex cultural, social, and filmic targets within the narrative structure. Ultimately, the author shows how artistic (...) creativity is an activity whose purpose is a reembodiment of the emotion by visual and physical alteration. The new body is an environment onto which traditional views of the body based on folk theories are mapped, and body parts and functions are metonymically highlighted. (shrink)

This article examines popular cinema’s interactions with digital culture, focusing on cinema and social structure. A product of technological and social developments, digital culture has introduced the creation of cyberspace, the emergence and spread of social media, and the formation of virtual communities. This article focuses on a specific period (1980 – 2010) to examine the evolution in cinema of portrayals of digital culture. The analysis includes four influential films: WarGames (1983, by John Badham), Perfect Blue (1997, (...) by Satoshi Kon), Pulse (2001, by Kiroshi Kurosawa), and Life in a Day (2011, by Kevin Macdonald, Loressa Clisby, and Tegan Bukowski). The article provides a guide to popular cinema's interaction with and use of the possibilities offered by digital culture, revealing how the four selected films reflect digital culture themes. Each film demonstrates different aspects and dynamics of digital culture at a particular time, offering a unique look at that period's social and technological landscape through its portrayal of technological developments, human relations, cultural values, and social norms. Each film evaluates the impact of the digitization process on cinema from different perspectives, depicting how cinema adapts and responds to technological changes. (shrink)

영화의 탄생 이후 극장은 100여 년 넘는 시간동안 다양한 위기로부터 관객들이 극장에 발걸음이 끊이지 않도록 지켜왔다. 그러나 2020년, 코로나 바이러스로 인하여 전 세계 극 장의 대위기는 다시 찾아왔고, 누구나 손쉽게 접근 가능한 OTT(Over The Top)의 산업이 이 시기를 틈타 확장되면서 극장이라는 공간의 존폐까지 위협하고 있다. 극장이라는 공간 은 새로운 플랫폼으로 인하여 ‘절체절명의 위기’로부터 어떻게 극복할 수 있을 것인지, OTT 시대에 극장 발길을 멈춘 관객들을 어떻게 유입 시킬 수 있는지 극장관계자들은 고민 에 빠졌고, 이 것에 대한 대안과 방안을 극장가는 또 다시 (...) 모색하게 된다. 이러한 점에서 OTT 시대의 극장문화 의미와 그로인하여 극장이라는 공간이 어떻게 확장 가능한지 살펴 보았다. 이를 위해 OTT 등장으로 전통적 극장상영에 대한 인식변화는 어떠한지, 극장의 위기를 새로운 기술을 적용하여 관객 유입을 모색하면서 확장 가능한 지점은 무엇이 있는 지, 그리고 극장 스크린으로 만나는 공연문화콘텐츠의 확장 가능성의 사례는 무엇이 있는 지, 디지털 기술의 성장과 경계파괴에 대한 인식에 따라 공간 콘텐츠의 확장성이 있는지를 살펴보면서, OTT와 극장의 공생관계를 어떻게 만들어가야 하는지, 극장 위기에 따라 대처 하는 극장콘텐츠의 방향과, 경쟁력 있는 극장기술을 통해 새로운 공존의 시대로 계속 이어 갈 수 있는지, 극장의 미래를 점검할 필요가 있다. (shrink)

로베르 브레송 영화에 대한 초월주의적인 해석은 오랫동안 그의 영화를 평가하는 주요한 관점으로 여겨져 왔다. 이 해석은 그 진부함에도 불구하고 여전히 한국에서는 그 영향력을 잃지 않고 있다. 초월주의적인 해석은 영화의 이미지가 신성의 현재성을 드러내는 것이라는 전제에 의거하여 브레송 영화의 주된 소재인 죽음과 감옥을 기독교적인 테마인 구속과 자유, 구원과 은총의 테마로 해석한다. 브레송의 종교적인 소재를 다루는 영화뿐만 아니라 비종교적인 소재를 다룬 영화로 까지 확대된 이 해석은 인물의 성격과 관계, 주제에 대한 서술체 분석에 국한된다. 초월주의적인 해석은 영화적 서술체의 논리적인 일관성을 추구하고 이미지의 의미를 (...) 환원가능한 이념 혹은 개념에서 구한다. 이러한 초월주의적인 해석은 이미지와 세계와의 연속성, 정합성에 기초한다. 그러나 를 통해 자신의 창조적인 영화이론을 확립한 브레송은 실재를 내러티브와 지각, 믿음에 기초한 영화적인 인과성을 통해서가 아니라, 비의미적인 이미지들간의 불연속적인 몽타쥬를 통해서만 발견 가능한 것으로 간주한다. 즉, 실재란 인물들간의 관계, 인물들의 심리, 이야기의 연속성이 단절되고, 영화의 이해에 균열이 일어날 때 도달 할 수 있는 우연적인 것, 의외의 것이다. 본 논문은 이러한 브레송의 영화이론에 비추어, 초월주의적인 해석의 주된 테마였던 죽음을 브레송은 화면과 화면 밖의 불연속적인 몽타쥬를 통해 어떻게 나타내는지를 분석함으로써, 초월주의적인 비평의 문제점을 밝히는데 목적이 있다. (shrink)

The raison d’être of the humanities is widely held to reside in its unique ability to generate critical thinking and critical thinkers. But what is “critical thinking?” Is it a generalized mode of...

L’image cinématographique, en tant que produit de l’art cinématographique, a souvent été associée au mode de production spécifique de cet art, à savoir l’industrie cinématographique1. Dans le domaine philosophique, les premières critiques majeures ont consisté à dénoncer l’accointance de cette industrie avec le capitalisme et l’inauthenticité consumériste des images qu’il produit, ou en un sens davantage ontologique le caractère mécanique de la production de cette image qui la condamnerait à...

The body at close range: volume and the unlistenable in Catherine Breillat's Anatomy of Hell -- Sonic subjection: Gaspar Noé's Irreversible and the dystopian limits of the resonant body -- A stranger everywhere: the écho-monde of Tony Gatlif's Exiles -- Feedback, asynchronicity, and sonic sociabilities: Arnaud des Pallière's Adieu -- Listening at the limit: non-human noise in Lars von Trier's Antichrist -- Listening to things: Foley as "alien phenomenology" and Peter Strickland's Berberian sound studio.

This article examines the breathing and breathless body in Camille-Vidal Naquet’s Sauvage. Respiration has been characterised by Peter Sloterdijk, in the first volume of his Sphären trilogy, as the first extension of the womb. The air we breathe is a “nobject” that escapes the subject-object relation, like the placenta before it. Sauvage engages the respiratory, alongside the placental and the acoustic, as three pre-oral “nobjects” for exploring what Leo Bersani has termed the body’s “somatic receptivity”. Duration, framing, lighting, and camera (...) movements cultivate a spectator’s receptivity to these “nobjects” and participate in acts of sphere formation. This provides a framework for thinking about how cinema itself might function as a “nobject”: a connective medium or sphere that supports and augments a subject, providing a field of protection and attention. However, the film’s presentation of breathlessness also signals a blocked receptivity, an inability to take in, introducing friction and resistance to the discourse of immediacy and exchange that characterises philosophical reflections on breath. Breathlessness has implications for thinking about bodily autonomy and forms of freedom that speak to the queer politics of Sauvage, as well as questions about movement and stillness, animation and lifelessness, that reflect back on the medium of film itself. (shrink)

La entrevista tiene por objetivo problematizar los vínculos del cine y la educación en la escuela, afirmando y defendiéndola en su precariedad, como una alternativa contundente de espacio-tiempo de concentración y atención al mundo y como pausa voluntaria de la hiperconectividad que nos hace perder el sueño y las posibilidades de soñar otro mundo, como gesto de alteración e invención.

The Dimensions of Difference examines space, time, and bodies in the works of three contemporary women directors and four continental philosophers, leading to a new approach to the question of sexual difference and its place within film criticism.

La guerre du Vietnam a été le plus grand traumatisme vécu par les Américains au XXe siècle, une « tache » dans « leur siècle » que la société a progressivement estompée pour faire entrer le récit de cette guerre dans la logique de la « Destinée manifeste ». L'analyse des fictions cinématographiques et télé­visées produites aux États-Unis permet de suivre l'évolution de ce travail de mémoire : violence du traumatisme dans les années 1960 et surtout 1970, « révision » (...) dans les années 1980 pour en faire une « noble cause », devenue quasi folklorique dans les années 1990 et remise au goût du jour dans les années 2000 face au nouveau bourbier américain, l'Irak.The Vietnam War was a momentous trauma for 20th century Americans, a "stain}} on "the American century" that was gradually glossed over by society to bring events into line with the "Manifest Destiny". This analysis of film and TV fiction produced in the United States tracks the workings of memory from the violent trauma of the 1960s and especially the 1970s, through to the "revision" of the 1980s that turned the war into a "noble cause}}, then into !ittle more than anecdotal folklore in the 1990s, and finally, after 2000, back to centre stage as America once more sank into a quagmire, this time in Iraq. (shrink)

Introduction : cinema, memory, modernity: the return of memory as film -- No escape from time : memory and redemption in the international postwar art film -- The "crisis" of memory : "traumatic identity" in the contemporary memory film -- "Global memory" : cinema as lingua franca and the commodification of the image -- The eye of history : memory, surveillance and ethicality in the contemporary art film -- "Prosthetic memory" and transnational cinema : globalized identity and (...) narrative recursivity in City of God -- Conclusion: remembering to forget: the catachreses of modernity. (shrink)